Entrevista: Sunflower Bean

Há apenas quatro anos, Cumming estava à beira do ensino superior. Kivlen e Faber estavam terminando seu primeiro ano quando o trio decidiu seguir em frente com a Sunflower Bean— a banda que os levou a shows ao redor de Nova York, incluindo uma bem-sucedida turnê no CMJ em 2014— em tempo integral. Em vez disso, esse trio já testado na estrada não conquistou suas experiências no campus, mas em palcos ao redor do mundo. Seu álbum de estreia Human Ceremony, lançado em 2016, estabeleceu a Sunflower Bean como uma das bandas mais badaladas de Nova York, com um som sofisticado que se baseia em influências de psicodelia, punk e shoegaze, provando que o trio era maduro além de seus anos.

Agora, enquanto a Sunflower Bean se prepara para o lançamento de seu segundo álbum, Twentytwo In Blue, previsto para sair em 23 de março, eles contam com a autoconfiança adquirida nos anos desde sua adolescência e início dos 20 anos. Embora todos os três tenham 22 anos, Twentytwo In Blue é o produto de um reconhecimento mais interno do tumultuado mundo ao seu redor.

“Não acho que tenhamos nos tornado menos existenciais,” diz Faber, “mas apenas aprendemos a lidar melhor com isso e a contornar esses sentimentos. É engraçado como, em alguns aspectos, você amadurece completamente em relação a certas coisas, mas o importante é lidar com esses sentimentos de forma mais produtiva.”

O resultado dessa produtividade garante o status da Sunflower Bean como camaleões sonoros. Twentytwo In Blue é um álbum de rock ’n’ roll sem vergonha, que não busca reinventar ou consertar o gênero, mas se destaca como uma verdadeira aula do que o rock poderia ser. Com faixas como “Twentytwo”, “Burn It”, “Puppet Strings” e “Only For A Moment”, a coletânea é uma homenagem a Fleetwood Mac, Norman Greenbaum, Three Dog Night, até mesmo Lana Del Rey e o romance atemporal e o caos dos anos 70. Cumming prova sua habilidade como vocalista transformadora, navegando habilidosamente entre a doce sirene e a força vibrante. Quando Kivlen pega o microfone (como faz no single principal “I Was a Fool”), é sacarina, mas com um toque ousado, um chamado para a curiosidade e o encanto. Se Human Ceremony era adequado para espaços DIY, Twentytwo In Blue é a trilha sonora para estádios e luxuosos ônibus de turnê.

VMP: Você acha que essa coisa de “Uau, eles estão mais velhos e mais maduros agora” é clichê? Julia Cumming: Essa é a questão de estar no início dos 20 anos, você acha que sabe das coisas um pouco, mas você quase definitivamente não sabe nada. Olhando para trás, três anos é sempre tão constrangedor, o que você estava curtindo e o que você gostava. Quando você realmente está no mundo fazendo arte e colocando isso para fora, ao invés de apenas pensar sobre isso, você precisa estar bem em fazer decisões e registrar quem você é. Ter essa mentalidade de Human Ceremony era quem éramos naquela época e Twentytwo in Blue é quem somos agora.

Há algo super impactante nos seus 20 anos e nas coisas que você cria então. JC: Todos nós podemos concordar que a adolescência é terrível. Mas talvez para algumas pessoas não seja, mas para a maioria, é muito existencial e dramático.

Mas vocês conseguiram fazer isso funcionar criando algo. Jacob Faber: Sim, Human Ceremony foi uma acumulação de tudo que estávamos sentindo em muitas das crises existenciais que estávamos enfrentando.

JC: É como algo para fora e para dentro. Quando você é adolescente, em Human Ceremony, você precisa expor seus sentimentos e está gritando para o abismo. E você está dizendo: “Oi, sou eu e é assim que me sinto.” Sinto que neste álbum, mais do que antes, queríamos olhar para dentro e investigar mais profundamente as raízes do porquê nos sentimos da maneira que sentimos, as raízes de nós mesmos.

De onde veio essa mudança de mentalidade? JF: É uma questão de tempo e confiança. De uma forma estranha, acho que você precisa de mais confiança e força para olhar para dentro. Leva anos de turnê, prática e ganhar mais confiança para ter essa vulnerabilidade em si mesmo.

JC: Acho que é fácil se esconder atrás de uma tela e isso não torna menos divertido, útil ou certo, sempre que você faz isso. Quando você começa a puxar essa cortina, precisa ver quem você realmente é. É como usar maquiagem. Em certo ponto, você precisa ver o que está por baixo e o que te informa. Sabíamos como tocar e como fazer um show, mas seríamos capazes de criar as músicas e a arte que realmente queremos? Uma parte libertadora de fazer este álbum foi olhar a composição de uma maneira diferente em relação a quem somos.

Em termos de letras, isso transparece no álbum. Uma linha como “Eu não vou entrar quietamente na noite que me chama mesmo quando estou sozinho” é uma letra super empoderadora. JC: Te informa porque força você a olhar para isso. Uma palavra que vem à mente: resiliência. Muito do conteúdo lírico e o que estamos tentando transmitir é um certo nível de força que precisamos ouvir e também queremos expressar ao ouvinte. Mesmo que seja um momento triste e estranho agora, mesmo pessoalmente, é o que você quer: força.

É difícil não abordar o estranho momento político que estamos vivendo. É até possível não tocar na política na arte? JC: A menos que você esteja fazendo arte dentro de um vácuo…

JF: Não é evitável.

JC: A maneira como você interage com o mundo moldará quem você é. O fato de que é um tempo tumultuado e estranho, isso definitivamente influenciou o álbum. Estamos cautelosos em dizer que é um álbum político. É um álbum feito sob circunstâncias particulares e nossa reação a isso é pessoal.

JF: A última turnê que fizemos com Human Ceremony foi no outono de 2016, bem perto da eleição. Estávamos no Reino Unido e na Europa antes disso e depois fomos pelos EUA e ver os sinais de Trump fisicamente foi bastante chocante e alarmante. Quando chegamos em casa no início de 2017 e começamos a escrever este álbum, isso estava muito presente em nossas mentes. Pesa muito.

Qual é o significado do título do álbum? Nick Kivlen: Quando você faz um álbum e tem todas essas músicas e precisa dar a elas um título definidor e chamá-las de algo quando são cada uma uma coisa própria, é difícil escolher um título que resuma todas elas. Estávamos pensando sobre qual era o clima geral das músicas e o que essas músicas realmente significam para nós. Twentytwo In Blue foi um nome abstrato, mas tangível para dar a todas as músicas coletivamente porque é algo que todas compartilham juntas. É a idade que tínhamos quando estávamos escrevendo e fazendo o álbum e o clima que achávamos que permeava o humor do álbum.

JC: Estivemos coletando muita imagem azul por muito tempo. Quando estávamos tentando pensar em um nome para este álbum, chegamos a Twentytwo In Blue e pensamos: “Azul é muito triste? Isso vai fazer as pessoas acharem que é algo que não é?”

NK: Acho que com as cores elas podem evocar muitas coisas diferentes. É uma cor classicamente melancólica, mas pode representar um grande céu azul aberto, ou um grande oceano azul ou uma esperança. Acho que isso encapsula o álbum: Nós com 22 anos sentindo esse azul.

Qual a importância da estética? JC: Estávamos falando sobre isso com alguém recentemente e a pessoa disse: “E quanto à sinestesia?” Eu não classificaria a gente assim, mas um álbum é uma peça de arte realmente engraçada e visceral. Tem alguns elementos que se repetem várias vezes. Quando você pensa em si mesmo como músico, você é o intérprete, é um letrista. Você é musical, você está escrevendo poesia, mas a poesia está sendo colocada em música. Coletar esses pensamentos e ideias faz parte da maneira como alguém deve se manter como artista agora e provavelmente sempre, curando quem você é. Acho que há muitas maneiras pequenas, como eu olhando fotos de Cher e todas essas mulheres que são empoderadoras e emocionantes e significam muito para mim e como fazer meu próprio estilo de uma maneira que é glamourosa, divertida e legal e diferente, mas ainda tocando em pessoas que eu amo. É assim: apenas curando quem você é.

O que estava acontecendo em um escopo maior nas suas vidas quando vocês estavam escrevendo este álbum? NK: O marco que pensei foi quando nos reunimos pela primeira vez para tocar em dezembro de 2016, depois de terminar nossa turnê e termos algumas semanas de folga da banda. Começamos a tocar e a escrever e foi como se uma torneira tivesse sido aberta. Tínhamos tantas ideias diferentes e músicas diferentes. Fazia tanto tempo que não conseguíamos tocar só nós três no nosso espaço de ensaio sem turnê ou fazendo qualquer coisa além de tentar criar músicas. Foi nesse momento que todos ficamos muito empolgados e entramos em uma hiperatividade tentando trabalhar no álbum.

JC: A primeira música na qual trabalhamos de qualquer forma foi “Burn It.” São sempre aqueles primeiros passos onde você está tentando um novo som e desafiando uma parte diferente de si mesmo que é onde você cresce mais e é o mais empolgante. Para mim, tentar diferentes estilos vocais neste álbum e Jacob tentando diferentes estilos de bateria.

O álbum soa como uma colagem de vários estilos. JC: Essa é uma avaliação que recebemos: soa como uma música de banda diferente de faixa para faixa. Algo na Sunflower Bean que talvez seja diferente de outras bandas é que não temos apenas um compositor. Mesmo quando temos uma ideia, os membros da nossa banda são nossos humanos de confiança enquanto trabalhamos juntos para criar algo que seja melhor do que como começou. Cada um de nós tem suas próprias influências que entram no que queremos fazer. O que você acaba obtendo é algo bastante dinâmico porque cobre muitos estilos diferentes. Esperançosamente, ao trabalhar com Jacob Portrait do UMO que co-produziu e Matt Molnar, acho que todas as músicas sentem que estão no mesmo mundo. Essa é a coisa mais importante. Se estivessem em mundos diferentes, isso seria um pouco caótico.

Parece que definitivamente vem de um certo tempo e lugar. JC: Algo que também temos falado é que queremos ver cada música até o que uma canção deve ser. Você tem uma música como “Twentytwo” ou “Any Way You Like” onde você está escrevendo como: “Acho que isso precisa de violinos! Acho que isso precisa ser exuberante como Phil Spector.” Isso não quer dizer que cada música no álbum vai ter cordas, mas para deixar cada uma delas respirar e ser a melhor versão de si mesmas, elas vão sair um pouquinho diferentes umas das outras.

Qual é o seu processo de autoedição? JC: Isso depende totalmente de cada música. Nós trazemos o que estamos trabalhando em vários níveis de finalização. Às vezes é um riff, às vezes são letras.

NK: Parece criar uma criança. Todos nós nos aproximamos dessa ideia de seja lá o que for e temos que cuidá-la.

JC: Você naturalmente e respeitosamente precisa confiar nas pessoas com quem trabalha para poder abrir sua arte a elas. Acho que temos a sorte de confiar tanto uns nos outros e de termos trabalhado juntos de forma muito próxima por um tempo. Eu sei quando Jacob tem uma ideia para a bateria que é diferente da minha e da de Nick, e devemos confiar neles e tentar tudo para chegar ao resultado mais especial.

Nk: Às vezes, no entanto, você precisa seguir em frente e colocar um ponto final em algo. Estamos acabando de brincar com isso, deixe ir. Acho que isso também é importante.

Então chega um ponto em que você se pergunta o que estava tentando fazer no primeiro lugar. JC: É fácil ficar paralisado pela sua ambição ou pelo que você acha que pode fazer. Isso é tão diferente do que realmente colocar as coisas que você ama lá fora para serem ouvidas e amadas ou odiadas. Acho que a música é realmente comunicativa. Quando você a cria, tem esse impulso de dizer algo ou fazer algo e também o impulso de compartilhar com as pessoas. Confiar em si mesmo o suficiente para saber onde é o fim e aceitar isso.

Às vezes nos tornamos ambiciosos demais sobre as coisas e acaba sendo paralisante. JC: Eu amo ambição e acho que todos nós somos super ambiciosos e é uma coisa ótima de se ter, mas é uma daquelas coisas que tornam o rock tão legal. Uma das coisas mais libertadoras sobre o punk é que você não precisa ser tecnicamente o melhor para começar. Isso é algo que tentamos dizer às crianças toda vez que elas vêm até nós e falam sobre querer começar uma banda: Vá em frente e comece. Pegue uma guitarra, pegue um baixo, encontre seus amigos e simplesmente comece. É libertador e o resto se encaixa.

Esse é o empurrão que as pessoas precisam ouvir de alguém que está realmente fazendo isso. JF: Parece fácil, mas acho que até você ouvir isso ou alguém mostrar que é realmente possível, pode parecer impossível. Eu tive uma paixão por rock ’n’ roll dentro de mim desde criança e, no fundo, queria fazer isso e não achava que era possível. É importante encontrar pessoas com quem você possa se relacionar e que gostem da mesma música e possam explorar e descobrir essas coisas.

JC: Há uma diferença entre aprender sobre [música] em uma sala de aula, mesmo na melhor sala de aula informada, e realmente fazer isso.