Zobacz utwory: Lepsze życie dzięki obwodom

Nie zdarza się zbyt często, byśmy cofnęli się o dekadę lub więcej w tym felietonie, ale kurczę, myślę, że powinniśmy to robić znacznie częściej. Żyjemy w czasach, które można by łatwo opisać jako boom dokumentalny rocka, dzięki Netflixowi i Amazonowi, które zgarniają niemal każdy w miarę przyzwoity niszowy film dokumentalny, jaki mogą zdobyć, ale cała ta nadmiarowość sprawia, że zbyt łatwo jest zostać przytłoczonym przez potok tych premier co tydzień i przegapić mniej znane rzeczy, które wyszły, zanim wszyscy mieli telefony komórkowe, a tym bardziej smartfony, a Blockbuster był jeszcze miejscem, gdzie wypożyczałeś swoje DVD. Cała ta tęsknota prowadzi nas do Better Living Through Circuitry, przesiąkniętej ekstatycznymi atmosferami filmowej kapsuły czasowej poświęconej kulturze techno i rave, wydanej w 1999 roku.

W reżyserii Jona Reissa, który zaczynał od filmowania grupy „sztuki performatywnej maszyn” Survival Research Laboratories, zanim Trent Reznor postawił go za kamerą do wideo z Nine Inch Nails „Happiness in Slavery”, Better Living Through Circuitry trzyma się lepiej, niż mogłoby się wydawać. Dokumentuje wczesną ewolucję sceny, która przeszła kilka dużych cykli ewolucyjnych w tym momencie, wznosząc się i opadając, wchodząc i wychodząc z większej świadomości publicznej. Te wielkie artykuły myślowe o przebranych DJ-ach z Las Vegas oraz masowe wyjaśnienia Skrillexa, na przykład, oznaczają najbardziej niedawny kryzys, który wkrótce może, jeśli jeszcze nie, już nastąpić. Oto film, który zabiera Cię w przeszłość, kiedy to muzycy nie tylko przynosili skrzynki z zużytymi 12-calowymi mixami tanecznymi, ale także ogromne monitory CRT, w zależności od tego, jak bardzo chcieli zaszaleć ze swoją sceną.

Najbardziej zaskakującą rzeczą, którą wyniosłem z Better Living Through Circuitry, było to, jak mało zmieniło się w scenie muzyki tanecznej w przeciągu dwóch dekad od wydania filmu. Najlepsza rada na imprezowanie? „Pij dużo wody.” Syntezatory analogowe? Nadal obecne, i większe niż kiedykolwiek. Drugi? Pozostają złożonym elementem kultury, chociaż w dzisiejszych czasach mamy organizacje takie jak DanceSafe, które robią, co mogą, aby pomóc ludziom znaleźć możliwie najbezpieczniejszy balans pomiędzy niebezpieczeństwami a przyjemnościami związanymi z tym, co obecnie jest nowym, modnym narkotykiem. Reklama korporacyjna? Promotorzy imprez widoczni w filmie radośnie remixują i mieszają logotypy dla swoich własnych celów, podczas gdy dzisiaj rejs Mad Decent jest prawdopodobnie „prezentowany” przez Grape Nuts, Doritos, Oskara Mayera lub inną taką międzynarodową markę. Więc tak, im więcej rzeczy się zmienia, tym bardziej pozostają takie same.

Największą różnicą, którą mogę wskazać, jest to, że świat muzyki elektronicznej wydaje się teraz znacznie bardziej zróżnicowany, z małymi artystami vaporwave, którzy przesuwają granice na stronach bandcamp, a renomowani artyści, tacy jak Diplo czy Steve Aoki, są mniej więcej katalogowani pod tym samym szyldem. Kilka osób, które zostały przesłuchane do filmu, wspomina, że kultura rave była już stosunkowo mainstreamowa, ale ta kultura eksplodowała znacznie bardziej, niż ktokolwiek mógł się spodziewać w ciągu tych kilku dekad między tamtym a obecnym czasem.

Niespodziewanie, (niefortunnie) smutnym aspektem tego filmu dla mnie było to, że więcej niż jeden muzyk mówił o tym, jak zakochali się w muzyce, przeglądając kolekcję płyt swoich rodziców. Tak, to jest strona firmy, która sprzedaje prawdziwe płyty, więc jestem prawie pewien, że czytelnicy tego artykułu nie będą mieli problemu z inspirowaniem przyszłych pokoleń stosami winylu, ale myśląc o dzieciach rodziców, których muzyczna biblioteka (nieważne, jak wspaniała czy nudna) funkcjonuje jako seria playlist w Spotify, to wystarczy, by wzruszyć do łez.

Wszystkie osoby, które były przesłuchiwane do filmu, Genesis P-Orridge z przemysłowych pionierów Throbbing Gristle i Psychic TV, przedstawia najgłębsze myśli na temat szerszych implikacji EDM i kultury rave: „Punk to przejmowanie środków produkcji, techno to przejmowanie środków postrzegania”, dodając później, że gatunek „uczy i zachęca do zrozumienia plastyczności rzeczywistości.” Chociaż nie jestem całkowicie przekonany, że muzyka elektroniczna ma te cechy wyłącznie dla siebie, nie ma w tym nic mylnego w ogólnym sensie. DJ-e hip hopowi flipowali breakbeaty od wczesnych lat siedemdziesiątych (nie wspominając już o montażystach taśm muzyki konkretnej z lat czterdziestych), ale producenci i DJ-e house i techno nadają swoim dźwiękom wyjątkowo futurystyczny charakter.

Inne osoby przesłuchiwane to DJ Spooky, Roni Size, Electric Skychurch, Carl Cox i Frankie Bones. Crystal Method są na szczęście obecni, aby dać wskazówki dotyczące zakupu domowego studia, które w zasadzie sprowadzają się do „podwójnej warstwy kartonów” i „mieszkania bezpośrednio obok najgłośniejszej drogi w Twoim mieście”, jeśli się zastanawiasz. Fani EDM przeszłości i teraźniejszości powinni zobaczyć Better Living Through Circuitry, jeśli jeszcze tego nie zrobili.