Den Tapte Historien om Indias Forhold til Jazz

(bilde via Meridian)

1920-tallet var en turbulent tid for fargede mennesker, og mer spesifikt, svarte mennesker i Amerika. I en verden der rasisme var utbredt overalt de snudde seg, kunne afro-amerikanere verken føle seg velkomne eller trygge. Dette tiåret brakte også med seg Jazz-epoken - en tid preget av overdådighet, forbud og nye penger. I denne perioden, og i de senere årene, ville ikoniske Jazz-musikere som Louis Armstrong og Duke Ellington turnere verden rundt med sine backingband. Stedene de opptrådte på ville overraske deg; Afghanistan og India var voksende hotspots for en østlig Jazz-fan. Dessverre har opptakene av Ellingtons opptreden i Afghanistan siden blitt ødelagt av Taliban, men restene av dens swing og kampånd er fremdeles tydelige.

India, i særdeleshet, utviklet en spesiell forkjærlighet for Jazz, og afro-amerikanske turnerende musikere følte seg velkomne i denne scenen. For å unngå den konstante forfølgelsen de møtte i USA, bestemte svarte Jazz-musikere seg for å gjøre India til sitt nye hjem, og med dem ble røttene til indisk og afro-amerikansk musikalsk samarbeid født. Mumbai’s beryktede luksushotell, The Taj Mahal, gikk til og med så langt som å kontakte den svarte minnesotanske fiolinisten Leon Abbey for å danne et ni-manns jazzband i 1935. Før dette hadde Abbey vært en del av Jazz-scenen i Paris i seks måneder, og han etablerte det første hele svarte bandet som spilte Jazz i India. De spilte for elitepublikummet i Mumbais overdådige kunst-deco ballrom i Taj. Å se et Jazz-band opptre var en begivenhet; enorme søyler prydet rommet og en roterende scene sørget for at Taj Mahal-hotellet var hjemmet til Mumbais mest sprudlende musikere.

Jazz fant også veien til India delvis på grunn av den kalde krigen. Russland og USA eksponerte India for det de oppfattet som sin største kunst for å vinne deres lojalitet. Mens russerne sendte Kirov-balletten (nå kjent som Mariinsky Ballet) på en tverrsnittsturné, var amerikanerne fast besluttet på å gjøre Jazz til objektet for Indias kjærlighet. Dave Brubeck var en av de første musikerne som ble valgt av CIA for å turnere, og som et resultat begynte han å jamme med mange lokale musikere. Dette førte igjen til at indere som kanskje ikke hadde utvidet seg utover sine tradisjonelle komfortsoner, eksperimenterte med en tolkning av et konsept de allerede var kjent med: improvisasjon. En av Brubecks favoritt-jammere var Micky Correa, som fikk en fruktbar karriere som varte i over 30 år. De afro-amerikanske musikerne som fulgte med på denne quasi-politiske turnéen, fulgte også etter, og deres innflytelse var merkbar i den samtidige indiske populærkulturen. Jazz nådde også India gjennom oppdagelsen. Som en portugisisk koloni var romersk-katolske Goans spesielt mottakelige for Jazz fordi de hadde en vesentlig interesse for vestlig musikk og kultur. Ofte har Goan-katolikker europeiske navn, og det var Goan-musikere som viste seg å være legender i Mumbais Jazz-scene, som Frank Fernand eller Anthony Gonsalves. Gonsalves ble et husstandsnavn ved default på grunn av dette, han ble nevnt i 1977-komedien Amar Akbar Anthony i sangen “My Name Is Anthony Gonsalves.” Dette taler volum om den enorme innflytelsen disse Jazz-musikerne hadde.

I India ble afro-amerikanske jazzmusikere møtt med varme, velkomst og aksept; noe som var fremmed i det de tidligere hadde kalt hjem. Og ut av de mange afro-amerikanske Jazz-musikerne som bosatte seg i India og samarbeidet med lokale musikere, vokste indisk Jazz. Et annet residentband for Taj Mahal Hotel var et samarbeidsprosjekt med svarte, indiske og hvite musikere; bandet ble ledet av Teddy Weatherford på piano, og Cricket Smith på kornett, og så indisk Jazz utvikle sin egen stil utover den mer tradisjonelle amerikanske Jazz. Den reneste ideen om sjangeren kan virke dikotomisk ved første øyekast, men gir mer mening og stemmer overens når man vurderer og avkoder dens kompositoriske røtter. Klassisk indisk musikk er iboende improviserende, som er avhengige av friform-vokaler, komplementert av glitrende sitarer og sprudlende tablas. Jazz-artister med indisk etnisk opprinnelse tok improvisasjon - et konsept de var godt kjent med - og anvendte det på pentatoniske skalaer i stedet for ragas (indiske skalaer), spilte på treblåsere og messing i stedet for shehnai, og vestlig perkusjon i stedet for tabla og dhol. Denne foreningen av kulturer gjorde det mulig for indiske musikere å diversifisere og utvide sine musikalske inspirasjoner, men ga fødsel til karrierer for noen av de mest ikoniske indiske musikerne i historien.

Den indiske Jazz-scenen har dessverre for det meste blitt glemt i India, til tross for at den var en integrert del av dens aura. Det omfattende av Jazz’s utbredelse demonstrerer hvor mye Mumbai var en multikulturell og virkelig global by på linje med New York. Dens likheter ligger i at de er havnebyer og deres evne til å være pragmatiske og ta imot påvirkninger. Faktisk er Jazz så vital for den moderne indiske ånden at når India fikk uavhengighet fra Storbritannia den 15. august 1947, feiret de rikeste av de rike på Taj med ikke annet enn Jazzmusikk. Selv om uavhengighetsdagen blir commemorert med det patriotiske bengalske diktet-sangen “Vande Mataram” fra 1882, symboliserte dette musikalske partnerskapet frihet og kreativitet for både svarte og brune musikere som ble undertrykt av hvite mennesker. Dessverre døde den lengstlevende indiske Jazz-musikeren, Micky Correa, nylig, så ingen står igjen for å fortelle førstehånds øyenvitneskildringer fra ballrommet i Taj Mahal-hotellet. Det som er verre er at det ikke ble gjennomført noen intervjuer med disse musikerne heller, og vi kan bare stole på deres innflytelse som observeres i populærkulturen for å utforske historien om indisk Jazz.

Bollywood-produsenter og musikalske regissører ble oppmerksomme på Jazz-trenden blant Indias elite og trengte noe, eller mer spesifikt, noen til å modernisere den snart utdaterte lyden deres. Den noen var en mann som kanskje er synonymt med indisk Jazz, Antonio Xavier Vaz, bedre kjent som Chic Chocolate. Kanskje den mest berømte jazzmusikeren du aldri har hørt om, Chic var en multiinstrumentalist fra Goa som klarte å slå gjennom ved å spille trompet på mange Bollywood-soundtracks. Chic var sterkt inspirert av Louis Armstrong og ble ofte omtalt som “Louis Armstrong fra Bombay,” han gikk til og med så langt som å bruke det karakteristiske lommetørkle og synge i de dype og gurglelydene.

Han begynte i Mumbai med å lede et elvemanbandsband på Taj Mahal Hotel. Hans arbeid var produktiv, hans innflytelse er tidløs, og naturen av hans komposisjon og opptrening danner grunnlaget for dette ekteskapet av kulturer som indisk Jazz fremmet. Å se Chic Chocolate opptre var mer enn en vanlig konsert, han sørget for at publikum fikk en opplevelse de aldri ville glemme. Han hadde en høylytt og sjarmerende personlighet som fortryllet både fremmede og faste gjester; han kunne engasjere publikum med sin vittige personlighet og hans kjærlighet til å opptre var tydelig. Han utviklet til og med et så sterkt forhold til sine faste gjester at han ville spille deres favorittsanger så snart de kom inn i rommet. Denne livligheten er definitivt tydelig i musikken hans, og når du lytter til gamle opptak av hans solowork, blir du fengslet av trompetspillet hans. Trompeten hans hadde en gruffhet og råhet, spesielt på låten “Contessa,” den hadde nesten en personlighetsliv av sitt eget og krevde alles oppmerksomhet. Chic hadde spilt trompet siden han var 25, og oppnådde et uovertruffent nivå av virtuositet. Selv om han primært var kjent som trompetist, betydde hans dyktighet at han også spilte saksofon, fiolin og flere rytmeinstrumenter, og ble en arrangør og dirigent.

Jazz’ innflytelse var så klingende at den fant veien til Bollywood, og Chic Chocolate er kreditert for å ha introdusert vestlig musikk til indiske musikkregissører. C. Ramchandra, en produktiv Bollywood-komponist, var spesielt påvirket av Jazz og søkte å inkorporere det i sitt arbeid. Ramchandra jobbet veldig tett med Chic for å utvikle en stil og hedre Jazz på en veldig indisk måte. Til tross for at den var til stede blant eliten og i luksushoteller, gjorde Jazz’ infusjon med Bollywood - i hovedsak Indias svar på popmusikk - det tilgjengelig for alle uavhengig av klasse eller kaste. Bollywood-filmen Albela som kom ut i 1951 var en myk introduksjon til Chic Chocolate. I sin kjerne er lydsporet veldig søtt, mykt og moderne, men Chic Chocolates trompet som svever gjennom disse ellers meget indiske sporene tjente som en inngang til Jazz. Et slikt spor er “Eena Meena Deeka” fra filmen Aasha fra 1957 som ble så berømt at det har blitt omtalt i internasjonale reklamer. Denne sangen så Ramchandra finne ut hvordan man kunne tolke Jazz på en distinkt indisk måte, samtidig som den fortsatt hørtes tradisjonelt ut som afro-amerikansk Jazz. Teksten “maka naka” er Konkani for “jeg vil ikke ha", det vi så var en fusjon av Goan, portugisiske og afro-amerikanske påvirkninger smeltet sammen til én unik lydopplevelse. Til syvende og sist var det en morsom, meningsløs sang som oppsummerte Chics livlige ånd, og likt hver eneste annen sang han er kreditert for, demonstrerer den hans musikalitet og geografisk genre-spennende pragmatikk perfekt. Bollywood-musikk har lenge hatt en historie med å dra fra trender og inkorporere det med tradisjonelle indiske elementer, mest bemerkelsesverdig med Bappi Lahiris tolkning av disco.

Dessverre, på 60-tallet - tiåret som markerte toppen av Jazz’ popularitet - hadde sjangerens tiltrekning begynt å avta. Som komponistduoen Laxmikant-Pyarelal begynte å gjøre bølger i Bollywood med sin inntak av psykedeliske elementer fra vest, begynte tyngre, elektroniske instrumenter og Rock n Roll å ta prioritet, etter en noe 40-års styre som strakte seg over to generasjoner, var Jazz ikke lenger kult. Betydningen av indisk Jazz ligger imidlertid ikke bare i det endelige produktet, men i den rasemessige solidariteten og samarbeidet som ble født ut av: to diskriminerte grupper av fargede mennesker av hvite mennesker; India av kolonialisme og afro-amerikanske av slaveri, som ga sitt land; sin musikk til hverandre og skapte noe så utrolig unikt. Det som kan virke som en tilsynelatende ufattelig kulturkollisjon for de som er uvitende, er faktisk en innsiktsfull utforskning av hvordan musikkens fleksibilitet skaper skjønnhet og idiosynkratiske talenter.