Brodgappet mellom publikum og utøver med Jen Cloher

##Vinyl Me, Please: I hvilken tidsperiode skrev du Jen Cloher?

##Jen Cloher: Jeg brukte et par år på å skrive dette albumet, og jeg tok bevisst den tiden av et par grunner. Den første var at jeg visste at jeg ønsket å være veldig bevisst på hva jeg skrev om på dette albumet, og det føles som en tid i verden for meg, hvor det var viktig å senke farten og tenke over hva jeg bryr meg om, hva som betyr noe for meg, og hva jeg ønsker å formidle i låtskrivingen min. Den andre grunnen til at jeg tok det sakte var fordi jeg hadde mye arbeid på andre områder, hovedsakelig med å administrere Milk! Records, plateselskapet som Courtney og jeg startet i 2012. Det ble ganske travelt, så det var litt av en sjongleringsakt å finne tid til å skrive albumet, men jeg kom dit til slutt.

##Hadde mer erfaring med den forretningsmessige siden av musikk—å administrere Milk! og grunnlegge I Manage My Music—påvirket det din tilnærming til å lage dette albumet?

Jeg tror det var mer i min perspektiv som artist i Australia og bare hvor vanskelig det kan være. Jeg tror det som er spesifikt for Australia—som jeg ikke er sikker på om amerikanere eller europeere ville føle—er denne isolasjonen, fordi vi er så langt unna resten av verden. Selv om vi befinner oss i den digitale tidsalderen, og vi kan dele musikk med andre deler av verden med trykk på returtasten, er det fortsatt den faktiske fysiske avstanden med å være tusenvis av miles unna. Og kostnaden ved å reise til disse stedene, og turnere en band til disse stedene. Jeg skriver ganske åpent om det på albumet.

##Hadde erfaringen din i musikkbransjen—en bransje som noen ganger omtales eller tenkes som en "gutteklubb"—noe å si på sangen "Strong Woman"?

Jeg kjenner mange kvinner i musikken i Australia, yngre kvinner som virkelig finner seg selv, kvinner i tenårene og tidlig 20-årene, og de finner sin plass i musikken—enten de er jobbende musikere og låtskrivere, eller om de jobber i bransjen som anmeldere, i ledelse, hva som helst. Og jeg så virkelig mye av deres sårbarhet, du vet, sårbarheten ved å prøve å finne sin plass, sin vei. Og det fikk meg til å tenke på min egen reise, og selv om jeg ikke ville si at jeg landet og hadde alle svarene og visste hva jeg gjorde—det har vært en lang reise å komme til et sted hvor jeg selv føler at jeg kunne skrive en sang som "Strong Woman"—men det anerkjenner at jeg var ekstremt heldig i at jeg hadde en veldig sterk matriarkalsk linje. Den innfødte New Zealand Māori-folket er min mors linje, så jeg kommer fra Māori-arv, og det er en reell styrke som går gjennom disse kvinnene, og det var på en måte naturlig i meg, fordi det har blitt overført både ved eksempel og kanskje gjennom genene. Og jeg antar, på en måte, anerkjenner jeg hvor takknemlig jeg var for at jeg hadde så sterke kvinnelige rollemodeller i livet mitt, og at det lot meg ta noen flere risikoer og ha litt mer selvtillit.

Og direkte når det gjelder musikkbransjen, leste jeg denne flotte NPR-artikkelen om kvinner i musikk, og redefinerte alle de slags listene, som de utdaterte, gamle listene over klassiske rockalbum av menn. Og de listet opp 150 av de største albumene gjennom tidene av kvinner. Og det var så fantastisk. Jeg satt bare og så gjennom disse albumene og tenkte: "Wow, fantastisk!" Kvinners bidrag til musikk er ikke bare et symbol; det er massivt. Og det er sant, som de påpeker, det er denne rare historien som har blitt fortalt at kvinner er utenfor eller er en minoritet eller ikke har noe å tilby eller ikke skrev klassiske album eller ikke burde settes i samme setning som Bob Dylan eller Neil Young eller Leonard Cohen, og det er tull. Det finnes alle disse utrolige låtskriverne og artistene, men jeg tror ikke det har vært en kultur for at disse artistene skal bli fullt anerkjent for sitt bidrag.

##Hvordan har din australske identitet formet skrivingen din på dette albumet, spesielt på "Regional Echo" og "Great Australian Bite"?

Disse sangene spesielt, og den andre sangen "Analysis Paralysis," snakker veldig direkte om—det er en merkelig... det er litt som en småby-mentalitet i Australia. Du vet, hvis du kommer fra en liten by, og hvis du har noen form for suksess, vil folk gjerne sørge for at du ikke blir for stor for dine sko? Jeg vet ikke om det skjer i Amerika, hvor det er som, "Åh, ikke tro at du er for god nå." Jeg bodde i statene da jeg var 10, og jeg følte faktisk forskjellen der i holdningen rundt å gå etter drømmene dine. Det var denne mye større holdningen hvor folk var ganske positive og oppmuntrende. Og så, når jeg kom tilbake til Australia, la jeg virkelig merke til at dette ikke var til stede.

Historisk sett stammer den hvite australske kulturen fra kriminelle som vi brakte hit på straffeskip, og det var virkelig en straff å bli sendt til Australia. Det ble bosatt i dette veldig harde landet som var vanskelig for disse engelske bøndene å forsørge seg selv [på]. De visste ikke hvordan de skulle håndtere klimaet her nede, det er for det meste ørken, du vet, hjertet av Australia er hovedsakelig ørken. Selvfølgelig hadde det vært en utrolig, gammeldags urfolkskultur som hadde vært her i førti tusen år. Ingen tenkte kanskje å spørre dem om den beste måten å leve i dette landet. Det er en helt annen historie. Selv om jeg refererer til det i "Regional Echo": "Den australske drømmen falmer / stjålet uansett." Det finnes definitivt et sår i vår nasjonale psyke rundt stort sett å stjele dette landet fra menneskene som bodde her. Det har en slags ringvirkning, som alt annet, du kan ikke dekke over fortiden og late som om det ikke har skjedd. Og jeg tror, på en måte, at vi delvis med vilje forblir små og drar hverandre ned fra å bli for store for våre sko fordi det faktisk er en slags skam rundt vår grunnleggende historie når det gjelder den hvite kulturen her.

##Etter å ha vært i scenen en stund, deler du følelsen av at musikkmiljøet i Australia har utviklet seg og fått mer oppmerksomhet i det siste?

Det føles som om verden har snudd oppmerksomheten mot australsk musikk mye mer. Spesielt de siste 5 til 8 årene, føles det som om det har vært et reelt skifte mot globale publikum som føler at vår verden er av verdensklasse. Og jeg tror det har endret kulturen vår her i Australia. Den faktiske sannheten—det er ganske trist—er at vi ble oppdratt—jeg mener, jeg er 43 nå, men jeg ble oppdratt til å tro at ekte musikk skjedde i utlandet. Som, ekte musikk kom fra Amerika og ekte musikk kom fra Storbritannia og Europa. Og det er en veldig vanlig tro i min generasjon. Og det har blitt beskrevet som "kulturell skam" hvor vi ikke hadde selvtilliten til å tro at kanskje musikken vi lagde i dette landet var flott. Og derfor er det virkelig, virkelig bra å se en ny generasjon av artister komme opp og ha disse eksemplene på folk som Courtney, Tame Impala, Flume, Tash Sultana og King Gizzard and the Lizard Wizard som faktisk lager reelle bølger rundt om i verden. Så det er en flott tid å lage musikk i dette landet. Men, bare for å forankre det med litt virkelighet, for et australsk band å turnere til statene—bare å lande et fire-medlems band i statene med flybilletter, returbilletter og visum—er omtrent 15 000 dollar, og du har ikke engang spilt en konsert.

##Videoen for "Forgot Myself" er vakker og virkelig konseptuelt interessant. Var det din idé?

Det var faktisk regissøren Annelise Hickey... Hun kom på akkurat riktig tid. Hun er en fan, og vi ble begge veldig inspirert av hverandre. Jeg er ikke den største fan av å lage videoer—det kan være litt nervøsitet—og det endte opp med å bli denne virkelig morsomme, inspirerende... Du vet, de opplevelsene i livet hvor du bare står der og sier: "Det er ingen annen plass jeg heller ville vært akkurat nå, dette er flott, jeg gjør det jeg ble født til å gjøre?" og jeg følte det da jeg laget videoen med henne, jeg tenkte: "Jeg er så lykkelig for å være med denne gruppen mennesker som lager kunst." Og det føltes som om videoen var flerlags, hadde noe å si, og estetisk, var virkelig vakkert laget og filmet av Simon Walsh.

##Påvirket noe du lyttet til i tiden du skrev eller spilte inn albumet prosessen med å lage det?

Vi endte opp med å mikse albumet i Chicago i The Loft, som er Jeff Tweedy og Wilcos distrikt, og det er som et lite museum fullt av amerikanske musikkartefakter, og det er et ganske fantastisk rom. Jeg valgte definitivt å gå og jobbe med deres ingeniør, Tom Schick, som har laget mye av de siste Wilco-albumene. Han spilte inn et Tweedy-album Sukierae, som jeg er en veldig stor fan av—jeg synes sangene på det albumet er bare fantastiske, og jeg elsket hvordan albumet hørtes så ekte ut. Måten albumet er mikset på og ingeniøren jeg brukte var basert på noe av musikken jeg hadde lyttet til rundt da jeg skrev albumet.

##Hvordan var den faktiske innspillingsprosessen?

Jeg er en veldig stor fan av en australsk låtskriver og musiker som heter Greg Walker som har gitt ut kanskje fem album som Machine Translations gjennom Spunk records. Han er en utrolig komponist og arrangør for fjernsyn og film også. Han har et studio i—det kalles Gippsland—dette vakre, frodige, grønne beltet av landskapet. Mange kyr og sauer og rullende grønne åser omtrent en time og en halv time utenfor Melbourne. Jeg tenkte at det ville være morsomt å gå dit for å spille inn—han har liksom en låve der ute. Vi tilbrakte omtrent 10 dager der ute med våre partnere og kjæledyr—trommisen vår har et par hunder som også kom med. Og, siden Bones spiller bass i bandet mitt og også spiller bass i Courtneys band, så både jeg og Bones' partner har brukt mye tid borte fra partnerne våre, på grunn av den suksessfulle karrieren som hadde skjedd for dem. Så jeg ønsket virkelig å sørge for at partnerne ikke ble utelatt fra innspillingsprosessen, for å ha alle der ute men fortsatt kunne lage et album.

##Courtney spilte inn på dette albumet med deg—hvordan var det å spille inn sanger om forholdet deres sammen?

Jeg tror at begge av oss på en måte forstår at låtskriving er låtskriving, og på en måte, det å fortelle et lite øyeblikksbilde av en historie. Jeg var veldig åpen med Courtney om hvor mye jeg kjempet med at hun var borte så mye, men jeg ønsket ikke å holde henne tilbake på noen måte. Så, det var ikke som en skyldtur—jeg forstod fullt ut at hun hadde dette vinduet av muligheter og et publikum som ønsket å se henne spille over hele verden, men jeg måtte også være ærlig om hvordan det føltes. Men det var virkelig bra å kunne skrive om det i musikken min slik at jeg ikke hørtes ut som en knust plate for henne.

Alle forhold har sine utfordringer og uro, og jeg føler at jo mer vi deler om vår menneskelighet og hva vi alle har til felles, disse emosjonelle responsene til ting i livet, desto mer respekterer folk det. Jeg føler ikke at å la folk få vite om disse tingene vil skape et merkelig forhold til publikum mitt, jeg tror heller tvert imot.