De 10 beste Charles Mingus-albumene å eie på vinyl

Opprinnelig studerte trombone og cello, var Mingus en multi-instrumentalist som gikk over til kontrabass, som til slutt ble hans musikalske motiv. Mingus ble vidt ansett som et fenomen på kontrabass, og turnerte til slutt med Louis Armstrong, Lionel Hampton og Duke Ellington før han laget sine egne komposisjoner og ledet sine egne band.

Mingus utførte hardt arbeid og selvutvikling, noe som resulterte i en produksjon som oversteg over 250 utgivelser. Han helte sitt hjerte og sin sjel inn i sitt håndverk, og skapte en variert og sublim liste over utgivelser. Mingus' tilbakeholdte katalog er en bråkete tur. Den er vill, uforutsigbar, ustabil, fiendtlig og strålende fantasifull. Det er alt du ville forvente fra en mann som Charles Mingus.

Pithecanthropus Erectus (1956)

Denne platen er like innovativ som den er modig. "Pithecanthropus Erectus" var et høy-konsept stykke, hvor Mingus avdekket at det var et tone dikt. Diktet dikterte reisen til en hominid manns evolusjon fra ape til oppreist mann, bare for at den hominide mannen skulle selv-destrukturere som en konsekvens av menneskelig natur.

Mingus laget også den utrolig sjarmerende "A Foggy Day (In San Francisco)," hvor han maler bildet av nettopp det, med musikk. Fløyter blåser, biler tuter og sirener ringer, og skaper et pittoresk bilde av en tåket dag i San Francisco. I 1956 var dette rett og slett uhørt. Mingus var dristig, eventyrlysten og modig til å forsøke en slik ting. Skjønnheten i sporet er at det ikke er et klisjé, og det virker ikke cheesy. Du blir virkelig transportert til en annen tid og sted.

Det var under dette albumet at Mingus virkelig eksperimenterte med måten han komponerte og skapte musikk. Han rapporteres å ha laget soloer og komposisjoner for sine musikere basert på deres personligheter og ikke deres evner. Som en komponist som tradisjonelt ville diktere deler ved å skrive dem ned på noter, valgte Mingus å skrote denne formen for komposisjon og i stedet diktere delene etter øret og la musikerne uttrykke seg fritt.

Dette albumet ville bevise at han var en grunnlegger av improvisert jazz, og åpnet dørene for mange musikere og oppfordret dem til å skape musikk som utfordret konvensjonell musikalitet. Pithecanthropus Erectus la musikalske fundamenter som ville påvirke sjangeren for alltid.

The Clown (1957)

The Clown er et album som fortsatte med Mingus' improvised form. Likevel er det bråkete og har en så dristig identitet. Det var under dette albumet at Mingus gjør sitt krav som en av de største kontrabassister og komponister.

Hans solo under "Blue Clee" er bare herlig. Det føles bluesy, høres rått ut og er umiddelbart tiltalende. Mingus krever at du lytter, at du tar notis og at du nyter. Mingus spiller med smittsom selvtillit. Hans evne til å endre dynamikken til både instrumentet sitt og bandet hans er uten sidestykke.

Denne evnen demonstreres igjen på "Haitian Fight Song." I en periode spiller Mingus alene. Det er en dyster følelse i hans solo. Det er et punkt der musikken føles retningløs, til bandet kommer tilbake i sangen, så innser du at Mingus visste hvor han skulle hele tiden.

“Reincarnation of a Love Bird” var en sang som ikke opprinnelig ble sammensatt som et minnesmerke for Charlie Parker, men etter en periode med å utarbeide sangen, kom Mingus til å innse at sangen "var Charlie." Akkurat som Charlie Parker, er melodien en løs, tilfeldig og ofte urolig komposisjon. Notene drifter fra flat til skarp, tempoet endres fra raskt til tregt. Det er selvsikkert, deretter forvirret. Når det gjelder metaforer, kommer du ikke nærmere Charlie Parker.

Tittellåten "The Clown" er banebrytende. Fyllet med sardonisk subtekst, gjør den semi-improviserte låten at du føler deg uvel fra starten av. Sangen blir fortalt av Jean Shepherd, som diskuterer en klovn og hans ønske om kjærlighet og aksept. Selv når klovnen lykkes med å få folk til å le, føler han seg fortsatt nedverdiget. Selv om Mingus hadde suksess som musiker, følte han alltid at det kanskje ikke var på hans premisser. Mingus var en plaget individ som ofte følte seg kontrollert av restriksjoner og barrierer skapt av rase, klasse og plateselskaper. Selv når han hadde suksess, var Mingus ikke nødvendigvis lykkelig. "The Clown" er en sang som vil gi deg den dypeste og mørkeste innsikten i Mingus’ psyke.

Mingus Ah Um (1959)

Mingus Ah Um er et vidunderlig album. Selv om det er vanlig i denne tidsepoken, gjorde Mingus harde politiske uttalelser om rase og segregering i 1959 som svært få våget å gjøre. "Fables of Faubus" var et direkte angrep på Guvernøren i Arkansas og hans motstand mot integreringen av ni afroamerikanske studenter i Little Rock Central High School. Mingus var katatonisk dristig til å gjøre et slikt utsagn, men brydde seg ganske enkelt ikke om samfunnsnormene, som han følte styrte konteksten av musikken hans. Faktisk hadde disse reglene motsatt effekt og Mingus kan ofte kanalisere sin misnøye inn i musikken sin, som det sees i "Fables of Faubus." Melodien føles nesten jovial, kanskje til og med komisk, og lager en ironisk og nesten sirkusaktig melodi for å gjøre narr av Guvernøren i Arkansas. Det er en gledelig utstilling av intelligent fiendtlighet.

“Goodbye Pork Pie Hat” var en hyllest til den avdøde Lester Young og er en sakte og brooding melodi, som igjen viser genialiteten til Mingus når han står bak kontrabassen sin. Det er et luksuriøst musikalsk tilbud. Det er harmonisk, mildt og mykt. "Pussy Cat Dues" er av en lignende karakter, og tilbyr en sofistikert og berusende stemning mens den kule musikken flyter fritt.

Mingus Ah Um er et album som er ærverdig for sin konsistens og personlighet. Mens musikkstilen varierer betydelig, er albumet fyldig og du blir etterlatt tilfreds ved slutten av hver sang. Lytt fra start til slutt, du fortjener det.

Presents Charles Mingus (1960)

Mingus ga ut dette albumet på det beryktede Candid-etiketten, som tillot ham mer kreativ kontroll enn tidligere etiketter hadde råd til. Deretter fikk Mingus tillatelse til å spille inn vokaler på den tidligere nevnte "Fables of Faubus," som ble nyinnspilt og omdøpt til "Original Faubus Fables." Columbia Records nektet å gi ut den originale sangen med tekster som de var så iboende fiendtlige at Columbia mente de var for antagoniske for landet å bli assosiert med. Under den nye innspillingen av denne sangen, synger Mingus og bandet hans at Guvernør Faubus er en "idiot," en "nazi" og er "syk." Slike heltemot ble sjeldent vitne i de sterke lysene av populærkultur. Sangen i seg selv er et mesterverk av skiftende rytmer, vekslende soloer og glatte musikalske teksturer. Det er en avskallet låt, med en semi-improvisert følelse. John Handi og Shafi Hadi tar turer for å smøre sporet med frodige tenorsaksofon soloer, før musikken stanser og Mingus holder retten over sin kontrabass. Han kjører forrykt, husker opp og ned på gripebrettet med voldsom intensjon. Aggressjonen og hånen er antagonisk, som er en fryd å se på.

Gleden man kan få fra Presents Charles Mingus er den tidligere nevnte kreative kontrollen. "What Love" er arbeidet til det fenomenale kvartettet som inkluderer Mingus, Eric Dolphy, Ted Curson og Dannie Richmond. Den transcendente musikantskapet provoseres av friheten de får av Mingus. Mingus ledet bandet med sin bass, og sa at de hadde frihet til å lage musikken de ønsket, men måtte justere seg tilsvarende til hva han spilte på sin kontrabass, både rytmisk og tonalt. Hver musiker tar tur til å improvisere en solo, og skaper dermed en umulig komposisjon. Av alle Mingus' verk, er dette et fremstående stykke unik improvisasjon. Albumet som helhet er et kreativt mesterverk.

Blues and Roots (1960)

Blues and Roots er et hardtslående, bråkete album. Med inspirasjon fra blues, gospel og soulmusikk, uttalte Mingus i lineære noter at han laget dette albumet for å konfrontere kritikere om ideen om at han ikke svingte nok. Når Charles Mingus ble presset til kanten, kom han ofte ut svingende. Med Blues and Roots, var dette helt bokstavelig tilfelle.

Unødvendig å si, Mingus fremfører sitt poeng fra første til siste note. Blues and Roots svinger hardt og oser av sjel. "Wednesday Night Prayer Meeting" er rå blues på sitt beste. Bandet svinger i full styrke gjennom hele, med Horace Parlan som spiller ivrig på pianoet med autoritet. Bandet tar tur til å hyle blues, høres friskt og raffinert ut, men likevel avskallet og unik.

Pepper Adams er spesielt produktiv på dette albumet, med sin barytonsaksofon som tilfører en jordnær følelse til messingblåserne som virkelig fremhever bluesen i musikken. Dette er spesielt fremtredende under "Cryin’ Blues." Pepper Adams gir et ryggrad for bandet, og river opp et dypt og bassaktig barytonsaksofon riff. Tenorsaksofonistene Jackie McLean og John Handy knytter seg imponerende til Pepper Adams og går sammen for å skape bråk.

Det er vanskelig å skille hver sang og velge ut hvorfor den er strålende. Blues and Roots er en reise, så gå med det og nyt turen.

Oh Yeah (1962)

Oh Yeah inneholder det som kan betraktes som et superlativ av messing-blåserne. Cocktailen av Booker Ervin og Roland Kirk er fenomenal, med lytteren som har vansker med å finne en bedre messing-kombinasjon enn dette.

“Devil Woman” er en cocktail ristet med den ovennevnte messingseksjonen, og skaper en myk og jordnær jam som er blues og post-bop i lik grad. Det er et fristende spor, med Mingus i front, denne gangen på pianoet. Tangentene faller ned som regndråper, mens de blir komplementert av verdens beste messing kombinasjon. Roland Kirk og Booker Ervin tilbyr senere individuelle soloer som smelter i munnen. Soloene er milde og hver note spilt perfekt. Mindre er mer, eller så sier de.

Når du er komfortabel og avslappet, endres tempoet med "Wham Bam Thank You Ma’am." Dette er hard bop på sitt beste. Bandet slår ned en rask rytme, ledet av en animert Mingus som roper gjennom hele sporet. Roland Kirk slår igjen en rasende solo, mens han blir oppmuntret av Mingus. "Ja, Roland!" skriker han. Du kan ikke annet enn å gjøre det samme. Det vekker virkelig opp stemningen.

Det samme kan sies for "Eat That Chicken." Denne melodien er en annen gledelig bop-klassiker. Du kan ikke annet enn å nikke med hodet og jive rundt hva du enn måtte gjøre på det tidspunktet.

Tijuana Moods (1962)

Tijuana Moods er den leksikalske definisjonen av organisert kaos. Albumet inneholder "Ysabels Table Dance" og la det sies, aldri har en sang hatt en mer perfekt tittel. Tempoet av denne tittelen gir hodet ditt til å spinne. I utgangspunktet eksploderer "Ysabels Table Dance" inn i kaos, før det bremser ned for å gi plass til en overdådig Curtis Porter solo. Som om det kommer ut av ingen steder, øker tempoet igjen og kaos oppstår. Ysabel Morel på kastanjettene fortjener en omtale, med hennes kastanjetter som er et spesielt høydepunkt under denne sangen. Den cricket-lignende lyden fra kastanjettene kommer frem i forkant av anarkiet med sin engasjerende og uerstattelig unike lyd. Vær advart, denne musikken kan oppmuntre deg til å delta i en table dance selv.

Skjønnheten i dette albumet er metamorfosen fra kaos til uforstyrret, fra en kamp til et kyss. Kanskje personifiserer dette Mingus' bipolare diagnose perfekt. "Flamingo" er den avsluttende låten, og er en smoochy, vag avslutning. Bill Triglia tinkler på pianoet mens Clarence Shaw hyler i sin trompet. Duoen komplementerer hverandres spillestil og skaper en fløyelsaktig atmosfære som man dør for. Det er en uten sammenligning slutt på et album. Det er en kaffe etter et stort måltid; det er en sigarett etter sex.

The Black Saint and the Sinner Lady (1963)

På samme måte som Mingus Ah Um, ble The Black Saint and the Sinner Lady møtt med ærbødighet. The Black Saint and the Sinner Lady er et skarpt og kranglete kunstverk. Det kan argumenteres for at dette storbandalbumet faller inn under avant-garde, samtidig som det holder seg tro mot egenskapene til et tradisjonelt storbandalbum.

Mingus spilte inn dette albumet med et omfattende spekter av begavede musikere, inkludert Booker Ervin på tenorsaksofon, og arrangementene ble laget av den beryktede Bob Hammer. Å danne dette forholdet med Hammer var uvurderlig for Mingus' personlige musikalske utvikling. Han ville senere referere til Hammer som sin “Beethoven.”

En fremstående låt ville være "Group Dancers." Jaki Byard la grunnlaget for denne sangen, med delikat, mild piano. Det starter mykt, med Byard som dikterer tempoet av sporet med autoritet. Etter øyeblikk av hva som føles som drifting, endres tempoet drastisk og messingmusikken kommer inn i musikken som en okse i en porselensbutikk, og smadrer alt i sikte. På et øyeblikk dempes kaoset, og Jaki Byard bringer oss tilbake til jorden, og feier opp rotet som ble laget. Det er fantastisk.

De siste tre sporene på dette albumet slås sammen til en bevegelse og varer i 17 minutter. De heter "Trio and Group Dancers," "Single Solo’s and Group Dance" og "Group and Solo Dance." De tre sporene er en rambunctious mismatch som ofte avtar i kaos, med messing som flyr rundt til alle kanter. Storbandet forenes for å skape en stor svingende lyd som får føttene dine til å trampe. Bandet når en fantastisk crescendo, opererer i en lynrask hastighet som du knapt kan tappe føttene til. Før du vet ordet av det, senker bandet tempoet helt. The Black Saint and The Sinner Lady kan være utmattende, men også oppløftende.

Mingus Mingus Mingus Mingus Mingus (1963)

Igjen samarbeider han med Bob Hammer, og Mingus tilbyr et noe stripped down, buldrende post-bop album. Selv om et storband deltar på dette albumet, føles Mingus Mingus Mingus Mingus Mingus råere enn tidligere innspillinger.

“II B.S” viser frem Mingus’ kraftfulle kontrabassspill. Han drar i strenger på kontrabassen, legger ned en konkret basslinje for bandet, som hopper inn og ut når Mingus tillater det. Mingus har full kontroll, hvor denne melodien utstiller alle hans bombastiske ferdigheter. “Better Get Hit in Yo’ Soul” er skåret fra samme stoff, og presenterer den andreverdige Eric Dolphy som leder en messingsektion som tar av gjennom dette sporet. Soloene er lyse og boblende, med bandet som viser en synergi og selvtillit som kun kunne vært utviklet av musikere ledet av Hammer og Mingus.

“Theme for Lester Young” er en langsommere, somnambulant melodi. Den er elementær og laced med karakter. Fra første note til den siste, føler du deg transportert. Når den starter, blir du umiddelbart transportert til en røyksfylt bar i New York, og du tar en drink med den avdøde Lester selv. Det var en sang laget til minne om Lester Young, som han ville elsket.

Mingus Mingus Mingus Mingus Mingus blir ofte oversett, men det burde det ikke være. Det er et selvsikkert, velutformet post-bop album som er verdt din oppmerksomhet.

Let My Children Hear Music (1972)

Let My Children Hear Music er et fint stykke orkestrering og hva Mingus anså for å være "det beste albumet" han noen gang hadde laget. Under dette albumet syntetiserte Mingus med komponister og transkribenter Sy Johnson, Alan Raph og Hub Miller. De hjalp til med å hjelpe Mingus med å lage en vanntett komposisjon som lettet noen av pressene som tidligere førte til at Mingus fikk sammenbrudd og en etterfølgende pause fra musikken.

Senere ble Let My Children Hear Music et album som tok en annen tilnærming til andre Mingus-album. Selv om Mingus hadde kontrollen over hoveddelen av musikken, var det mer delegering involvert under denne innspillingen og konsekvensmessig innspill fra andre personer. Selv om musikken som ble laget ikke var iboende ny for Mingus, tilbød postproduksjonsteknikkene, håndtert av Teo Macero, lyttere et Mingus-album produsert med nye teknikker og ideer. Teo Macero brukte smart en cocktail av overdubs, lydeffekter og eksisterende samples for å skape en følelse som var dyp, messingaktig og frastøtende.

“The Chill of Death” er sublim, og føles mer som en filmmusikk for en skrekkfilm enn det klassisk dannede bop-sporet du ville forvente. Strengeinstrumentseksjonen er hjemsøkt, med Mingus som resiterer et dikt over disse strengene som gir deg gåsehud.

“Hobo Ho” er et magnetisk stykke bop. Bobby Jones lar deg virkelig få med deg på tenor saksofon, mens Joe Wilder og Lonnie Hillyer gir tilbake med ville trompetsoloer over et 10-minutters spor, som føles som blåsemusikere i en musikalsk barfight. Orkestreringen på dette albumet er virkelig så god, og du føler at støtten fra et så stort og ugjennomtrengelig orkester gir solisten en selvtillit som eksemplifiserer deres ferdigheter.