Saxofonist Colin Stetson gaat metal met Ex Eye

Het kwartet is ontstaan uit de samenwerking met Liturgy-drummer Greg Fox—een van de ware krachtpatsers van de hedendaagse metal—op Sorrow, een herinterpretatie van Henryk Górecki's Symfonie nr. 3. Onafhankelijk van elkaar vroegen ze of ze samen festivals konden spelen, en het Eaux Claires festival van Bon Iver en Roskilde in Kopenhagen toonden interesse. Stetson rekruteerde gitarist Toby Summerfield en synthspeler Shahzad Ismaily voor deze festivals, en de groep werd gevormd. Deze jongens kennen elkaar al een tijdje—Stetson kent Summerfield sinds de universiteit—en het geheim van Ex Eye's kracht is hoe goed ze met elkaar klikken. Stetson is de duidelijke leider, maar de kracht van Fox maakt hem tot een tweede man met gelijke stem. Hoewel Summerfield zich helemaal uitleeft, ondermijnt hij metal door zich naar achter te verplaatsen, zodat Stetson en Fox de woede kunnen brengen.

Als je hem kent van zijn commercieelere werk, ga je nu een dimensie binnen die je niet voor mogelijk had gehouden. Als je al fan bent van skronks en blasts? Dan vind je ook iets nieuws.

Ik sprak met Stetson over hoe moderne black metal hem heeft beïnvloed, hoe Ex Eye speelt met het concept van tijd en de kracht van eenzaamheid.

VMP: Was er een intentie om met Ex Eye de gecomponeerde route te nemen in plaats van jazzimprovisatie?

Colin Stetson: Mijn solomuziek is al jaren bijna volledig gecomponeerd; er zijn bepaalde skeletstructuren waarin je zou kunnen redeneren dat er “improvisatie” plaatsvindt wanneer er duwen en trekken binnen structuren en vormen is, maar ik beschouw het niet als zodanig. Ik beschouw het niet als improvisatie als ik solos over vormen neem. In een jazzcontext betekent improviseren doorgaans het moment zelf, gewoon spontane creatie. In dat opzicht is er geen improvisatie op deze muziek. We wilden dit benaderen alsof we een repertoire aan het opbouwen waren; dit zijn muziekstukken die een relatie tot elkaar hebben. “The Anvil,” het eerste nummer van de plaat, is volledig gecomponeerd en er is niets dat als geïmproviseerd kan worden geïnterpreteerd. Het is een solide vier minuten durende vorm.

Iets als “The [Arkose] Disc,” het derde nummer, is zoveel een improvisatie als wat we samen hebben gebracht—dat nummer is voortgekomen uit een improvisatie, en daarna is het een gecodificeerde vorm geworden. We hebben de opnames teruggeluisterd, dingen hier en daar aangescherpt, maar hebben het min of meer zo gelaten. Hoewel het voortkwam uit improvisatie, wanneer we het nu spelen—de vorm kan worden uitgerekt en getrokken, en er is geen verbod op het doen van iets buiten de vorm—we spelen meestal binnen die vorm, binnen de bestaande structuur, zodat het altijd de vorm, het gevoel en de melodie en harmonie zal behouden. We waren niet van plan om een geïmproviseerde groep te zijn, we wilden iets hebben waar een structurele integriteit en karakter aan de composities was.

Hoe verhouden de stukken zich tot elkaar?

Wanneer je de plaat aan het bouwen bent, is het achter de schermen, dat we allemaal samen in een kamer zijn voor dagen en dan weken en dan maanden bezig om dingen te creëren en de dingen zijn niet allemaal compartmentalized in het bouwen van specifieke nummers in een vacuüm van elkaar. Veel elementen van bepaalde nummers kunnen in andere nummers doordringen, en er kan een bewuste inspanning zijn om één muziekstuk, wetende wanneer je het schrijft, de eerste op een plaat te laten zijn, het eerste deel van een bepaalde boog, of misschien is het het voorlaatste moment of de climax. We schrijven echt naar de plaat, we schrijven niet simpelweg naar het individuele nummer. Er is veel van die relatie ingebouwd in de compositie van al deze nummers en de uitvoering ervan wanneer we alles hebben opgenomen.

Ziet u dit project in dezelfde lijn als Last Exit of John Zorn’s meer “metal” projecten zoals Naked City en Pain Killer, groepen die free jazz met zwaardere elementen vermengden?

Ik weet dat dat een vergelijking is die we gaan horen, maar het is niet bewust waar we vandaan komen. We zijn zeker niet bezig om het naar andere groepen te modelleren die met ons kunnen worden vergeleken gezien de instrumentatie. Ik heb het gevoel dat instrumentatie de meeste van de omvang van onze overeenkomsten met al die groepen vormt. Ik voel meer verwantschap met Krallice of Wolves in the Throne Room, hedendaags gesproken, dan Last Exit, maar ik weet altijd dat we die vergelijking gaan horen vanwege de aard van [de band] onderdelen.

Wat van Krallice heeft jou beïnvloed?

Het is zeer impeccable muziek die tot op zekere hoogte is vervaardigd—ik heb ze altijd gevonden als deze kristallijne perfectie van wat het is, maar ook een cathartische emotionaliteit die over-woede is die aanwezig is in zoveel goede post-black metal. En een bepaald schoonheidselement dat ook een van de krachtigste sterkte is van Liturgy. Hunter [Hunt-Hendrix, Liturgy-gitarist en vocalist] was in staat om het karakter van de vocalistische stijlen die zulke integrale onderdelen zijn van black metal te nemen en het om te vormen tot iets vol verlangen en een soort schoonheid die ik moeilijk onder woorden kan brengen, waar ik heel diep op reageer. Gewoon niet alleen kijken naar het donkere, protesterende aspect van veel van die muziek, maar dat nemen en het koppelen aan dingen die vrij universeel zijn voor de menselijke ervaring—verdriet en verlies en de kwaliteit van eenzaamheid. Deze dingen leven in de meeste metalbands die ik de laatste tijd heel leuk vind.

Waren Wolves en Liturgy jouw introductie tot black metal?

Wat betreft black metal specifiek, ben ik er modern mee in aanraking gekomen en heb ik een beetje verder teruggegraven. Ik ben meer opgegroeid met de traditionele dingen waar iedereen van houdt als ze 12 of 13 zijn, veel Slayer, Maiden en Metallica. Geleidelijk bloeide dat uit naar Meshuggah en Dillinger Escape Plan. Ik denk niet dat ik veel van een moderne kijk op black metal heb gehad omdat ik nooit die klik heb gehad, het kan om verschillende redenen zijn—de nabijheid van de muziek, en omdat ik in de vroege jaren 2000 meer tijd aan andere dingen besteedde. Hetgene dat een nieuwe passie in me aanwakkerde voor het genre was Liturgy’s Aesthethica, en daarna bloeide het verder uit in mijn terugkeer naar alles en een meer uitgebreide begrip van waar die muziek vandaan kwam en waar het naartoe ging.

Wat van black metal heeft jou geraakt?

Het is een combinatie van twee dingen: omgaan met een dichtheid van informatie waar ik altijd zeer gefascineerd door ben geweest en aan gewijd ben om te verkennen in mijn eigen solomuziek. Daarnaast is er dit element van verlangen en eenzaamheid dat vrijwel aan de basis van alles ligt. Om me te reduceren tot één soort emotionele ruimte, zou dat waarschijnlijk het zijn, als ik mezelf zou moeten labelen. Het zit in het hart van alle overpeinzingen over de menselijke ervaring en de menselijke conditie. Hoe je het ook bekijkt, uiteindelijk krijg je terug naar het feit dat we allemaal onafhankelijk een chaotisch denkend brein zijn binnen een schedel die van iedereen en alles gescheiden is. Wanneer je dat onderzoekt, is het behoorlijk diepgaand maar ook een angstaanjagend vooruitzicht om te weten dat je nooit echt gekend zult worden. Dat is waar veel van deze dingen om draaien voor mij.

Hoe gaat Ex Eye specifiek om met eenzaamheid?

Wat we doen is verkennen een soort maximalisme in de omgang met de eigenschappen van minimalisme—[een] lichte verschuiving over een lange periode, maar we doen dit met de bedoeling om elk moment te oververzadigen met enorme hoeveelheden informatie, melodisch, harmonisch en ritmisch. Wat we proberen te bereiken, is het openen of doorboren van percepties van de verstrijking van tijd, en daarbij, als iemand succesvol is in het manipuleren daarvan, dan, zodra die tijd is vertraagd of is uitgerekt in een parallel, kun je beginnen met het spelen met de emotionaliteit van het geheel. Ik ben geobsedeerd door dit idee van de verstrijking van tijd, er is iets aan het indringen in iemands ervaring en dat ene aspect manipuleren. Zodra dat is bereikt, is er nu een afzonderlijk en totaal geïsoleerde ervaring voor de luisteraar. Wat we proberen te bereiken, is die reacties te creëren, dit te doen met een overweldigende aanpak en tijdspelen, en hopelijk is het eindresultaat dat mensen tegelijkertijd in hun eigen kleine wereld worden getrokken en in staat zijn zichzelf te waarnemen op een manier die ze nog niet eerder hebben gedaan en daarmee, zoals in een meditatie, de keerzijde daarvan realiseren, wat de onderlinge verbondenheid van alle dingen is en het ultieme illusoire aspect van het bewustzijn in het algemeen. Dus om diepere, meer fundamentele aspecten van de conditie te krijgen, maar door middel van een overload aan informatie. Dat is de langste versie die ik hiervoor heb gegeven (lacht).

Hoe vergelijk je dit werk met je werk in populairdere groepen zoals Bon Iver en Arcade Fire?

Ik heb er nooit in vergelijkende termen over nagedacht. Dit is echt ontstaan uit de wens om specifiek te doen wat dit doet. Voor mijn rol in deze groep wilde ik een groep waar ik uitgedaagd zou worden en zowel fysiek als muzikaal gepresenteerd zou worden, net zozeer als alles wat ik zelf doe. Dat is zeker niet het geval in veel van deze andere groepen, waar de verantwoordelijkheid voor het geluid niet nodig is, omdat je echt alleen de specifieke nummers dient en die nummers hebben me niet nodig om op elk moment van mijn mogelijkheden te spelen. Dit was opzettelijk bedoeld als een veel veeleisendere, cathartische, allesomvattende ervaring voor mij en de andere jongens ook. Er gebeurt veel in elk moment dat in de muziek verstrijkt.