Interview: Sunflower Bean

Vier jaar geleden stond Cumming aan de vooravond van het hoger onderwijs. Kivlen en Faber waren hun eerste jaar aan het afronden toen het trio besloot om Sunflower Bean—de band die hen op optredens door New York City had meegenomen, inclusief een succesvolle CMJ ronde in 2014—volledig na te streven. In plaats daarvan heeft dit doorgewinterde trio zijn sporen niet op de campus verdiend, maar op podia over de hele wereld. Hun debuut Human Ceremony, uitgebracht in 2016, vestigde Sunflower Bean als een van de nieuwste buzzbands van New York met een verfijnd geluid dat putte uit psych, punk en shoegaze invloeden die bewezen dat het trio wijzer was dan hun jaren.

Nu, terwijl Sunflower Bean zich voorbereidt op de release van hun tweede album, Twentytwo In Blue, dat op 23 maart uitkomt, putten ze uit de zelfverzekerdheid die ze in de jaren sinds hun late tienerjaren en vroege twintiger jaren hebben verworven. Hoewel ze alle drie 22 jaar oud zijn, is Twentytwo In Blue het product van een meer interne afweging van de turbulente wereld om hen heen.

“Ik denk niet dat we minder existentiëel zijn geworden,” zegt Faber, “maar we zijn gewoon beter geworden in het omgaan met die gevoelens en het navigeren eromheen. Het is grappig hoe je op sommige manieren volledig voorbij sommige dingen rijpt, maar het gaat erom deze gevoelens op een productievere manier te verwerken.”

Het resultaat van zo'n productiviteit bevestigt Sunflower Bean's status als sonische kameleons. Twentytwo In Blue is een ongegeneerd rock-'n'-roll album dat niet probeert het genre te herinventariseren of te fixeren, maar excelleert als een masterclass van wat rock kan zijn. Met nummers als “Twentytwo,” “Burn It,” “Puppet Strings” en “Only For A Moment” is de verzameling een eerbetoon aan Fleetwood Mac, Norman Greenbaum, Three Dog Night, zelfs Lana Del Rey en de tijdloze romantiek en chaos van de jaren '70. Cumming bewijst haar vermogen als een transformerende vocaliste, die meesterlijk balanceert tussen zoete sirene en geestdriftige kracht. Wanneer Kivlen de mic pakt (zoals hij doet op de lead single “I Was a Fool”), is het suikermachtig maar ook edgy, een oproep tot de nieuwsgierige, coole verwondering. Als Human Ceremony geschikt was voor DIY-ruimtes, is Twentytwo In Blue de soundtrack voor stadions en luxe tourbussen.

VMP: Vind je het cliché dat hele "Wow, ze zijn ouder en volwassener" verhaal? Julia Cumming: Dat is het punt van in je vroege twintig te zijn, dat je denkt dat je een beetje verstand hebt, maar dat je het waarschijnlijk helemaal niet hebt. Als je drie jaar terugkijkt, is het altijd zo beschamend, wat je leuk vond en waar je geïnteresseerd in was. Als je daadwerkelijk in de wereld kunst maakt en het de wereld inbrengt in plaats van er alleen maar over na te denken, moet je oké zijn met het maken van beslissingen en het maken van een opname van wie je bent. Die mindset van Human Ceremony was wie we toen waren en Twentytwo in Blue is wie we nu zijn.

Er is iets super invloedrijk aan je vroege twintig en de dingen die je dan creëert. JC: We kunnen het er allemaal over eens zijn dat tieners vreselijk zijn. Maar misschien zijn ze voor sommige mensen dat niet, maar voor de meeste mensen zijn ze heel existentiëel en dramatisch.

Maar jullie hebben het werkend gekregen door iets te creëren. Jacob Faber: Ja, Human Ceremony was een accumulatie van alles wat we voelden tijdens de existentiële crises die we doormaakten.

JC: Het is zowel naar buiten als naar binnen gericht. Wanneer je een tiener bent, op Human Ceremony, moet je je gevoelens naar buiten brengen en je schreeuwt in de afgrond. En je zegt, “Hallo, dit ben ik en dit is hoe ik me voel.” Ik heb het gevoel dat we op deze plaat meer inward wilden gaan en dieper wilden kijken naar de wortels van waarom we ons voelen zoals we doen, de wortels van onszelf.

Waar kwam die verschuiving in mindset vandaan? JF: Het is een kwestie van tijd en zelfvertrouwen. Op een vreemde manier denk ik dat het meer zelfvertrouwen en kracht kost om naar binnen te kijken. Het kost jaren van touren en oefenen en meer zelfvertrouwen krijgen om de kwetsbaarheid in jezelf te kunnen hebben.

JC: Het is gemakkelijk om je achter een scherm te verstoppen en dat maakt het niet minder leuk en niet minder nuttig en niet minder goed op elk moment dat je het doet. Wanneer je dat gordijn begint op te trekken, moet je zien wie je echt bent. Het is als het dragen van make-up. Op een bepaald moment moet je zien wat eronder zit en wat jou vormt. We wisten hoe we moesten jammen en we wisten hoe we een show moesten doen, maar zijn we in staat om de nummers en de kunst te maken die we echt willen? Een bevrijdend aspect van het doen van deze plaat was het bekijken van songwriting op een andere manier in relatie tot wie we zijn.

Dat komt lyrisch tot uitdrukking op de plaat. Een regel als “Ik ga niet stilletjes de nacht in die me roept, zelfs wanneer ik alleen ben” is een super krachtige tekst. JC: Het informeert je omdat het je dwingt om erop te kijken. Een woord dat bij me opkomt: veerkracht. Veel van de tekstuele inhoud en wat we proberen over te brengen is een bepaald niveau van kracht dat we nodig hebben om te horen en dat we ook aan de luisteraar willen uitdragen. Hoewel het een treurige en vreemde tijd is op dit moment, is het zelfs persoonlijk wat je wilt: kracht.

Het is moeilijk om de vreemde politieke tijd waarin we leven niet aan te pakken. Is het zelfs mogelijk om de politiek in kunst niet aan te raken? JC: Tenzij je kunst maakt in een vacuüm...

JF: Het is niet te vermijden.

JC: De manier waarop je met de wereld omgaat, zal bepalen wie je bent. Het feit dat het een turbulente, vreemde tijd is, heeft zeker invloed op de plaat gehad. We zijn voorzichtig om te zeggen dat het een politieke plaat is. Het is een plaat gemaakt onder bijzondere omstandigheden en onze reactie daarop is persoonlijk.

JF: De laatste tour die we deden op Human Ceremony was in de herfst van 2016, rond de verkiezingen. We waren in het VK en Europa geweest voordat we de VS in reisden, en het zien van de fysieke Trump-borden was best schokkend en verontrustend. Toen we begin 2017 thuis kwamen en begonnen met het schrijven van deze plaat, was het zeer aanwezig in onze gedachten. Het weegt zwaar.

Wat is de betekenis van de titel van het album? Nick Kivlen: Wanneer je een plaat maakt en je hebt al deze nummers en je moet ze één bepalende titel geven en ze iets noemen wanneer ze hun eigen ding zijn, is het moeilijk om één titel te kiezen die ze allemaal samenvat. We dachten na over de algemene sfeer van de nummers en wat de nummers echt voor ons betekenen. Twentytwo In Blue was een vrij abstracte maar tastbare naam om aan alle nummers gezamenlijk te geven omdat het iets is dat ze allemaal met elkaar delen. Het is de leeftijd die we hadden toen we ze schreven en de plaat maakten en de stemming die we dachten dat de sfeer van het album doordrong.

JC: We hadden al heel lang veel blauwe afbeeldingen verzameld. Toen we dachten aan een naam voor dit album, kwamen we op Twentytwo In Blue en we vroegen ons af, “Is blauw te treurig? Gaan mensen denken dat dit iets is wat het niet is?”

NK: Ik denk dat kleuren veel verschillende dingen kunnen uitstralen. Het is een klassiek melancholieke kleur, maar het kan een grote blauwe open lucht vertegenwoordigen, of een grote blauwe oceaan of een hoopvol gevoel. Ik denk dat dat de plaat samenvat: Wij die 22 zijn en ons blauw voelen.

Hoe belangrijk zijn esthetiek? JC: We spraken onlangs met iemand hierover en zij zeiden: “Wat is synesthesie?” Ik zou ons niet in die zin classificeren, maar een album is een echt grappiek en heel visueel kunstwerk. Het heeft een paar elementen die keer op keer worden herhaald. Als je jezelf als muzikant beschouwt, ben je de performer, je bent een tekstschrijver. Je bent muzikaal, je schrijft poëzie maar de poëzie wordt in een nummer gezet. Het verzamelen van deze gedachten en ideeën is een deel van hoe je je nu als kunstenaar moet presenteren en waarschijnlijk altijd, het cureren van wie je bent. Ik denk dat er veel kleine manieren zijn, zoals ik kijk naar foto's van Cher en al deze vrouwen die empowerend en opwindend zijn en veel voor me betekenen en hoe ik mijn eigen stijl kan ontwikkelen op een manier die glamoureus en leuk en cool en anders is, maar nog steeds raakt aan de mensen van wie ik hou. Het is zo: gewoon cureren wie je bent.

Wat was er aan de hand in de bredere context van jullie levens toen jullie dit album schreven? NK: De mijlpaal waar ik aan dacht was toen we voor het eerst samenkwamen om te spelen in december 2016, nadat we onze tour hadden afgerond en we een paar weken vrij waren van de band. We begonnen te spelen en te schrijven en het voelde als een kraan die openstond. We hadden zoveel verschillende ideeën en verschillende nummers. Het was zo lang geleden dat we gewoon met z'n drieën in onze oefenruimte konden spelen zonder te toeren of iets anders te doen dan proberen nummers te creëren. Dat was het moment waarop we allemaal echt enthousiast werden en in een hyperdrive gingen om aan de plaat te werken.

JC: Het eerste nummer waar we aan werkten in welke vorm dan ook was “Burn It.” Het zijn altijd die eerste stappen waarin je een nieuw geluid probeert en een ander deel van jezelf uitdaagt dat je het meest groeit en dat is het spannendste. Voor mij om verschillende zangstijlen op deze plaat te proberen en Jacob die verschillende drummethoden probeert.

Het album klinkt als een collage van verschillende stijlen. JC: Dat is een recensie die we gekregen hebben: het klinkt als een ander band nummer voor nummer. Iets aan Sunflower Bean dat misschien anders is dan andere bands, is dat het niet slechts één songwriter is. Zelfs als we een idee hebben, zijn onze bandleden onze vertrouwde mensen terwijl we samenwerken om iets te creëren dat beter is dan hoe het begon. Ieder van ons heeft zijn eigen invloeden die bijdragen aan wat we willen doen. Wat je uiteindelijk krijgt is iets dat vrij dynamisch is omdat het veel verschillende stijlen dekt. Hopelijk werkt het samen met Jacob Portrait van UMO, die co-produceerde, en Matt Molnar, ik denk dat alle nummers voelen alsof ze in dezelfde wereld zijn. Dat is het belangrijkste. Als ze in verschillende werelden waren, zou dat een beetje chaotisch zijn.

Het voelt alsof het zeker uit een bepaalde tijd en plaats komt. JC: Iets waar we ook over hebben gesproken, is dat we elke song willen doorspeuren naar wat een nummer moet zijn. Je hebt een nummer zoals “Twentytwo” of “Any Way You Like” waar je het als volgt schrijft: “Ik denk dat dit violen nodig heeft! Ik denk dat dit Phil Spector weelderig moet zijn.” Dat betekent niet dat elk nummer op de plaat strijkers zal hebben, maar om elk van hen de ruimte te geven om te ademen en de beste versie van zichzelf te zijn, zullen ze een beetje verschillende uitkomsten hebben dan elkaar.

Wat is jullie zelfredactieproces? JC: Het hangt totaal van nummer tot nummer af. We brengen in wat we aan het werk zijn in verschillende stadia van afwerking.

NK: Het voelt als het opvoeden van een kind. We komen allemaal dichtbij dit idee van wat het ook is en we moeten het grootbrengen.

JC: Je moet respectvol vertrouwen hebben in de mensen met wie je werkt om je kunst aan hen bloot te geven. Ik denk dat we geluk hebben om elkaar zo te vertrouwen en heel nauw samengewerkt hebben voor een tijdje. Ik weet wanneer Jacob een idee voor de drums heeft dat anders is dan de mijne en die van Nick, en we moeten vertrouwen en alles uitproberen om tot het meest bijzondere resultaat te komen.

Nk: Soms moet je echter doorgaan en een einde aan iets maken. We zijn klaar met ermee spelen, laat het los. Ik denk dat dat ook belangrijk is.

Dan komt er een moment waarop je je afvraagt wat je in eerste instantie probeerde te doen. JC: Het is gemakkelijk om verlamd te raken door je ambitie of door wat je denkt dat je kunt doen. Dat is zo veel anders dan daadwerkelijk de dingen die je liefhebt naar buiten brengen om gehoord en geliefd of gehaat te worden. Ik denk dat muziek echt communicatief is. Wanneer je het maakt, heb je de drang om iets te zeggen of te doen en ook de drang om het met mensen te delen. Jezelf genoeg vertrouwen om te weten waar het einde is en dat te accepteren.

Soms zijn we te ambitieus over dingen en dat eindigt in verlamming. JC: Ik hou van ambitie en ik denk dat we allemaal super ambitieus zijn en het is fantastisch om dat te zijn, maar het is een van die dingen waarom rock zo cool is. Een van de meest bevrijdende dingen aan punk is dat je niet technisch de beste hoefde te zijn om te beginnen. Dat is iets wat we proberen te vertellen aan kinderen elke keer als ze naar ons toe komen en ons praten op shows over het willen beginnen van een band: Begin het gewoon. Pak een gitaar, pak een bas, vind je vrienden en begin gewoon. Het is bevrijdend en de rest zal op z'n plek vallen.

Dat is de aanmoediging die mensen nodig hebben om te horen van iemand die het daadwerkelijk doet. JF: Het klinkt gemakkelijk, maar ik denk dat totdat je dat hoort, of iemand je laat zien dat het eigenlijk mogelijk is, het echt onmogelijk kan voelen. Ik had een rock-'n'-roll-koorts in me sinds ik een kind was en wilde dit diep van binnen doen en dacht niet dat het mogelijk was. Het is belangrijk om mensen te vinden met wie je je kunt identificeren en die dezelfde muziek leuk vinden en samen kunnen verkennen en deze dingen kunnen vinden.

JC: Er is een verschil tussen leren over [muziek] in een klaslokaal, zelfs het best geïnformeerde klaslokaal, en het daadwerkelijk doen.