De 10 beste industriële albums om op vinyl te bezitten

Throbbing Gristle 20 Jazz Funk Greats

Throbbing Gristle heeft industriële muziek uitgevonden. In feite hebben ze de term bedacht — Industrial Records was hun label, en de frase "industriële muziek voor industriële mensen" werd hun slogan, beginnend met The Second Annual Report uit 1977. Hoewel de betekenis van "industriële" in het begin niet zo goed gedefinieerd was. Opgericht als COUM Transmissions in het VK in het midden van de jaren '70, namen Genesis P. Orridge, Chris Carter, Cosey Fanni Tutti en Peter "Sleazy" Christopherson uiteindelijk de naam Throbbing Gristle aan, waarmee ze confronterende live-optredens gaven met pornografische of gewelddadige beelden terwijl ze cacophonische muziek maakten, vaak vergezeld door gesproken woord, wat uiteindelijk leidde tot meesterwerken van horror zoals "Hamburger Lady" uit 1978.

Hun grootste prestatie was 20 Jazz Funk Greats uit 1979, een album dat Throbbing Gristle op hun meest muzikale weerspiegelt — hoewel dat een relatief begrip is. De albumcover toont de band vrolijk kijkend bij Beachy Head, een beruchte zelfmoordlocatie in Groot-Brittannië, een soort misleidende zet die diende om onwetende luisteraars te provoceren die door de platenwinkels bladeren. Hoewel dit album hard is, is het ook ritmisch en vaak toegankelijk in delen, met hun interpretaties van exotica, dub en minimal synth-punk in de geest van Suicide. Het bevat ook "Hot on the Heels of Love," hun meest rechttoe rechtaan disco-nummer, dat royaal leent uit het repertoire van Giorgio Moroder. Er zijn momenten van relatieve rust, zelfs hooks, maar elk nummer voelt precair en ongemakkelijk aan, elk moment melodie bestaat om een vals gevoel van comfort te creëren — slechts om het een moment later weer af te pakken door de band.

Killing Joke: Killing Joke

De Londense post-punk groep Killing Joke onderging naar verluidt pas in de vroege jaren '90 de volledige transformatie naar industriële metal, toen ze Extremities, Dirt and Various Repressed Emotions uitbrachten. Toch ligt de basis van die onophoudelijke, gruisende hymnes in de harde punkrock van hun zelfgetitelde debuut. Het album — volledig gemaakt met een traditionele opstelling van gitaar, bas, drums — zit vol met kille, metalen geluiden en bijtende effecten. Het synth-geluid dat "Requiem" introduceert is een soort primitieve sjabloon voor de verwerkte, geprogrammeerde geluiden die Ministry en Nine Inch Nails later zouden aannemen, terwijl Jaz Colemans desoriënterende en vervormde vocalen in "Wardance" het nummer een soort bizarre angst geven die terug te koppelen is naar eerdere industriële muziek. Wat industriële muziek is, is dat het debuut van Killing Joke belangrijker is voor het leggen van de basis dan voor het volledig realiseren van het geluid, maar het is een essentiële ontbrekende schakel.

Nurse With Wound: Homotopy to Marie

Stephen Stapleton is niet alleen een belangrijke figuur in de experimentele muziek, maar ook een zeer productieve. Zijn catalogus heeft meer dan 60 studioalbums, evenals een lange lijst samenwerkingen met artiesten binnen de industriële muziek (Current 93), prototypes van het genre (Faust) en degenen die er volledig buiten staan (Stereolab). Zijn meesterwerk, Homotopy to Marie, kwam relatief vroeg in zijn carrière, en is een 50 minuten durende geluidscollage die de performancekunst esthetiek van Throbbing Gristle’s avant-gardisme koppelt aan een nog absurdere, surreële gevoeligheid. Weinig momenten op Homotopy to Marie lijken op echte melodieën, en die momenten komen vaak nadat de luisteraar door verschrikkelijke labyrinths van klingelende cymbals, gevonden dialogen, krakende deuren, blaffende honden en allerlei andere geluiden is geleid die het meest verontrustend zijn wanneer het licht uit is en alles ander zich vreemd stilhoudt. Dat zoveel van het album lege ruimte is, dient alleen maar om de geluiden op Stapleton's tape-loops des te angstaanjagender te maken. Terwijl latere industriële artiesten ritmische patronen van zulke harde geluiden en effecten zouden maken, vond Stapleton zijn artistiek in een verwrongen symfonie van chaos.

Cabaret Voltaire: 2x45

Cabaret Voltaire uit Sheffield begon net zoals Throbbing Gristle, door middel van performance kunst tentoonstellingen gecombineerd met tape-loop experimenten. Maar de band — vernoemd naar een club in Zürich op het centrum van de Dadaïstische beweging in de vroege 20e eeuw — evolueerde door verschillende fasen van hun carrière, en maakte in het begin indruk met synth-punk singles zoals "Nag Nag Nag" voordat ze donkerdere, hardere geluiden incorporeerden die dichter aansluiten bij de intense benadering van wat we nu "industriële" noemen. Hun vierde album 2x45, uitgebracht na hun hardere vroege platen en het meer dansvloer-vriendelijke materiaal van hun elektronische body music (EBM) periode, is Cabaret Voltaire’s meest wilde en creatieve release, die dance punk, no wave en de op elektronica gebaseerde militarisme van vroege industriële muziek mengt. Het is een van hun meest leuke platen, aangedreven door de grooves van hoogtepunten zoals het openingsnummer "Breathe Deep" en "Protection", maar het is ook een van hun meest vreemde en sinistere opnames. De verwrongen vocalen en chaotische dichtheid van "War of Nerves" komt een beetje over als een funky Godflesh. Het is een van de toegankelijkere albums van de band, ondanks de soms harde elementen en, treffend genoeg, was het het eerste dat op de Britse albumlijst terechtkwam.

Einstürzende Neubauten: Halber Mensch

De naam van Einstürzende Neubauten betekent "instortende nieuwe gebouwen," wat in wezen de ethos van de Duitse band samenvat. Ze namen het idee van industrieel letterlijk tot het uiterste, en maakten geluiden van stukken metaal en hardware, de harde geluiden die ze produceerden waren vaak meer in lijn met musique concrète dan met daadwerkelijk song schrijven. Halber Mensch (vertaling: halve man) vertegenwoordigde een doorbraak voor de band in die zin dat hun composities veel muzikaal werden, meer menselijk zelfs, al zijn ze nog steeds vrij angstaanjagend. Het titellied van het album is bijvoorbeeld een koorstuk, maar het is spookachtig — een septet van stemmen die een soort cultusritueel lijken uit te voeren. "Yü-Gung," hoe scherp het ook moge zijn, is toch gedreven door een constante 4/4 maat en Blixa Bargeld’s ritmische vocalen. Er is zelfs een bijzondere schoonheid te vinden in de hoogtepunten "Seele Brennt" en "Sensucht." In de daarop volgende jaren zou de groep meer conventionele melodieën omarmen, hun video's verschenen zelfs meerdere keren op MTV's 120 Minutes, maar geen enkel album haalde zo vlot de cacophonie van hun schroot-metaal instrumentatie samen met oprechte nummers zoals dit album.

Foetus: Nail

J.G. Thirlwell heeft in de loop der jaren bijna net zoveel aliassen verzameld als hij opnamen heeft — You’ve Got Foetus On Your Breath, Scraping Foetus Off the Wheel, Steroid Maximus en Clint Ruin, om maar een paar te noemen. Maar de evolutie van zijn vele namen spreekt van de constante creativiteit van de geest van de Australische muzikale gek. Nail, zijn vierde studioalbum als Foetus (Scraping Foetus Off the Wheel, voor degenen die het bijhouden), is zowel het meest toegankelijke als het meest grenzeloos creatieve muzikale werk. Een samensmelting van industriële clangende, metalen percussiegeluiden met blues, jazz, post-punk en zelfs show tunes, het album voelt soms aan als de cartoon scores van Raymond Scott, uitgevoerd door kwade robots.

Thirlwell’s referentiepunten zijn talrijk en divers, en lenen van Shakespeare in de punk-blues stomp "Throne of Agony," terwijl "Enter the Exterminator" elementen van Griegs "In the Hall of the Mountain King" incorporeert en "DI-1-9026" knipoogt naar Timothy Leary. Tegen de tijd dat het album het laatste nummer "Anything (Viva!)" bereikt, schreeuwt Thirlwell: "Ik kan godverdomde dingen doen die ik wil!" Inderdaad.

Coil: Horse Rotorvator

De albumcover van Coil’s Horse Rotorvator, een eenvoudig maar griezelig beeld van een lege gazebo met de schaduwen die zich uitstrekken over een leeg veld, is bedrukt met een kort verhaal over een "immense aardverschuivende machine" gemaakt van de kaakbeenderen van de rozen van de Vier Ruiters van de Apocalyps. Dat is een goede indicatie van de soorten onheilspellende horror die de luisteraar op het album te wachten staat. Waar een artiest als Nurse With Wound angstaanjagend is vanwege de totaal onbegrijpelijke aard van wat er gebeurt, creëert Coil een soortgelijke soort horror uit iets toegankelijkers, zelfs iets moois. John Balance, Stephen Thrower en voormalig Throbbing Gristle-lid Peter Christopherson vinden schoonheid in verdorvenheid en vice versa, en tonen een aangrijpende tedere kant in de ballade "Ostia (The Death of Pasolini)," een proto-neofolk klaaglied over de brute moord op filmregisseur Pier Paolo Pasolini in 1975. Er is ook de straffende militaire stomp van EBM op "Penetralia" en bloedcurdende atonaliteit in "Blood From the Air." Een bekende stem voor new wave luisteraars verschijnt ook op de death-blues uitschieter "Slur," namelijk Marc Almond van Soft Cell, gecrediteerd onder de naam Raoul Revere. Slechts twee jaar eerder had Coil hun eigen cover van "Tainted Love" gedaan, die Soft Cell beroemd maakte, met Almond die in de video verscheen als de Engel van de Dood.

Ministry: The Land of Rape and Honey

Ministry’s vroege jaren werden besteed aan het gooien van zo ongeveer alles tegen de muur en kijken wat bleef hangen (synth-pop, new romantic, gothrock), en de afgelopen paar decennia hebben ze de sprong gemaakt naar politieke, punchline-zware industriële metal. Maar in het midden van de jaren '80 vonden Al Jourgensen en zijn gezelschap hun ritme, waardoor ze in wezen de sjabloon voor industriële rock creëerden. Waar industriële muziek historisch gezien één voet in de kunstsector en de andere op de dansvloer heeft, heeft Ministry altijd de laatste gekozen, hun sample-zware geluiden creëren een botsing van elektronische beats en heavy metal gitaren.

The Land of Rape and Honey is beslist niet hun meest gestroomlijnde album, maar het is zonder twijfel hun beste, een creatieve explosie van duistere atmosfeer en pure volume. Met "Stigmata" hebben ze een clubhymne gecreëerd die te vergelijken is met hun eerdere, kitscherige single "Every Day Is Halloween," terwijl "The Missing" hen verder duwt in de metal esthetiek en "Golden Dawn" een apocalyptische, cinematische sfeer oproept die beelden oproept van vervallen gebouwen en rookwolken. Hoewel Ministry ver van de serieusste band in de geschiedenis van industriële muziek zijn, waren ze de eersten die het als een grootschalige, mainstream-vriendelijke productie beheersten.

Godflesh: Streetcleaner

Justin Broadrick was slechts 19 jaar oud toen hij zijn baanbrekende industriële metal debuut maakte met Godflesh, Streetcleaner uit 1989. Dat is een opmerkelijk feit gezien het klinkt niet als het werk van een bijna volwassen persoon — het is het soort geluid dat je zou verwachten van kwaadaardige, onsterfelijke wezens die onder de aarde leven. Waar de wortels van industriële metal voornamelijk kwamen van artiesten die zich vanuit industriële muziek’s vroege post-punk wortels ontwikkelden — zoals Killing Joke of Ministry — waren de persoonlijkheden van Godflesh al enigszins meer in de metal zelf gevestigd, Broadrick had kort gespeeld in Napalm Death voordat hij het tempo vertraagde en een drumcomputer inschakelde. Streetcleaner is daardoor absoluut geen dansalbum — het is een harde serie van pitch-shifted oerschreeuwen, gruisachtige gitaar riffs en Roland bass thuds. Het is het geluid van een bijzonder sadistische dystopie.

Nine Inch Nails: The Downward Spiral

Voor de overgrote meerderheid van de pionierende industriële acts was mainstream acceptatie niet veel een factor, en in het geval van Throbbing Gristle was crossover succes een idee dat volledig tegen hun provocerende gevoeligheden inging. Maar voor Trent Reznor, een artiest die daadwerkelijk samenwerkte met leden van Throbbing Gristle, waren pop en industrieel geen tegenstrijdigheden. Rolling Stone beschreef Nine Inch Nails’ debuut Pretty Hate Machine als "het eerste singer/songwriter industriële album," en met de opvolger uit 1994, The Downward Spiral, gebruikte Reznor dat vroege sjabloon om een samenhangend, conceptueel art-rock album te bouwen, waarbij hij de hulpmiddelen van industriële muziek gebruikte om het grootschalige geluid te creëren.

Bij de release was The Downward Spiral een ongekend doorbraak voor industriële muziek, met zowel de manische extremen van sample-gebaseerde industriële metal ("March of the Pigs") als zijn meest introspectieve en verwoestende ballades ("Hurt"). Soms doet het album zelfs denken aan een robotachtig wezen dat door eenregen van vonken maalt, zoals in het felle "Reptile." Het is een meesterwerk van productie, dat het idee van industriële muziek universeel herkenbaar maakte, mede dankzij de enorme hit seksnummer "Closer." Het feit dat Maxwell het nummer coverde op MTV’s Unplugged slechts een paar jaar later markeerde een enigszins surrealistisch moment waarbij de grens tussen een eens zo lawaaiige undergroundcultuur en Top 40 eindelijk vervaagd was.