Kate NV의 'Room for the Moon'은 카타르시스를 향한 초대입니다

VMP: 안녕하세요, Kate! Michael입니다. 시대의 흐름에 휘말리지 않으려 하지만, 잘 지내고 있나요? 지금 COVID 이후의 모스크바는 어떤가요?

Kate NV: 나는 사실 괜찮지만, 세상은 무너지고 있어요. 모스크바에서 드디어 맑고 따뜻해졌고, 자전거를 탈 수 있어요. 여전히 사회적 거리두기를 하고 있지만, 모스크바는 더 이상 격리되지 않아서 힘들어요. 정말 나쁜 상황이에요. 많은 확진자와 사망자가 발생하고 있어서, 우리가 어떻게든 이겨낼 수 있기를 바랄 뿐이에요.

“항상 음악이 압박 없이 스스로 표현하도록 허락한다”고 할 때, 느끼는 대로만 창작하나요? 압박이 과정에 들어왔을 때 즉각적으로 느끼는 차이는 무엇인가요?

좋은 질문이에요! 가끔은 그냥 의자에 앉아 있으면 모든 것이 저절로 일어나는 것 같은 느낌이 들어요. 제 의자까지 가는 길은 한 달 길일 수도 있고, 일 년이 걸릴 수도 있고, 한 시간도 걸릴 수 있어요. 그리고 그것이 얼마나 걸릴지는 절대 알 수 없어요. 하지만 가끔은 옛날 프로젝트나 무관한 것(짧은 음성 인터뷰 같은)을 작업할 때 우연히 스케치를 만들어내고, 그런 일이 생길 때는 절대 멈추지 않아요. 그냥 떠오르는 모든 아이디어를 연주하고 녹음해요. 다른 작업을 하면서도 다섯 개의 무작위 스케치를 만들 수 있어요. 그냥 음악을 따라갈 뿐이에요. 하지만 특별한 것도 아니고 많은 사람들이 그렇게 해요.

언어와 질감을 혼합하는 방식에 즉각적으로 압도당했어요. 가사 대부분은 이해하지 못하지만, 음악이 얼마나 기발하고 자유로운지 끌려요. 아이디어를 음악으로 변환할 때 어떤 해방을 경험하나요? 다른 문화의 사람들에게 당신의 음악이 어떻게 전해지는지 관찰한 적이 있나요?

나는 노래의 언어와 가사를 주된 부분으로 생각해본 적이 없는 것 같아요. 아마도 팝 아티스트라고 스스로 부른다면 그렇게 하는 것이 그리 좋지 않은 접근일 수 있어요. 하지만 음악을 들을 때 가사가 그리 중요하지 않다는 것을 깨달았어요. 보통 저는 트랙에서 다른 모든 것을 알아차린 후에야 구절을 주의 깊게 듣기 시작해요. 그 전까지는 그냥 리드믹하고 멜로딕하게 결합된 음절들일 뿐이고, 그게 노래의 전체 분위기를 만들어줘요. 가장 흥미로운 것은, 어떤 종류의 노래라도 이렇게 접근한다는 점이에요. 언어를 아는지 아닌지는 정말 중요하지 않아요. native 언어가 아닐 때는 가사의 의미를 무시하는 것이 확실히 더 쉬워요. 하하.

또한 저는 가사를 전체 경험에 덧붙이는 최종 레이어로 간주하는 것을 좋아해요 — 즉, 노래를 더 잘 이해하는 데 도움이 되는 새로운 질감처럼요.

하지만 그것을 듣는 이들에게 남겨두는 것도 훌륭해요, 그들이 이 노래가 무엇에 관한 것인지 결정할 수 있도록. 음악은 혼자서 모든 것을 말해줄 수 있어요.

저는 어떤 음악이 저를 위해 쓰이지 않았다고 생각해본 적이 없어요, 그리고 이해할 수 없다고 느끼기도 했어요. 만약 제가 그것을 사랑하면, 그것이 저를 위해 만들어졌다는 느낌을 받아요. 그것이 완전히 다른 맥락에서 오더라도 말이죠, 그리고 한 단어도 이해하지 못하더라도요.

Buchla를 완성한 후 몸이 변했을 때, 이 앨범을 위해 창작 과정을 어떻게 바꿔야 했는지 즉각적으로 느낀 점은 무엇인가요?

글쎄요, 저는 이미 Buchla 작업을 하면서 앨범을 마무리하는 과정에 있었어요. 그런데 Buchla와의 녹음 세션 동안 발생한 주요 변화는 모든 불완전함과 함께 인간의 존재를 얼마나 그리워하는지 깨달았던 거예요. 더 많이 노래하고 더 많이 움직이고 싶다는 생각이 들었어요. 그리고 밴드와 함께 연주하고 제 목소리만을 연주하는 악기로 사용하고 싶다는 것을 느꼈어요. 그 순간은 중요했어요... 그전에는 사실 노래하는 것에 그렇게 관심이 없었어요. 저는 음악에서 인간의 목소리의 중요성에 대해 많이 생각해왔고, 우리가 매일 목소리를 사용하기 때문에 가장 공감할 수 있는 악기라는 것을 깨달았어요. 그래서 사실상 언제나 가지고 있는 유일한 악기라는 것이죠.

이 앨범이 당신 인생에서 가장 외로운 순간 중 하나에 당신에게 왔다고 말씀하셨죠. 그 외로움의 상태와 그 경험에서 성장하기 위해 겪었던 것을 자세히 이야기해줄 수 있나요?

저는 다양한 단계들을 겪었지만, 제가 1년 가량 전에 개인적인 격리 순간을 가졌다고 농담하는 것을 좋아해요. 전반적으로 가장 이상했던 부분은 완전한 외로움의 느낌이었지만 많은 사람들로 둘러싸여 있고, 실제로 재미있게 지내고 있었어요. 사람들은 그걸 공감할 수 있을 것 같아요. 마치 낯선 사람들로 가득한 파티에 있지만 이야기를 나눌 것이 없는 것과 같아요. 친구가 전혀 없다고 생각했던 날들이 기억나요.

하지만 저는 정말로 비참한 기분은 아니었어요. 어느 순간, 어린 시절의 나를 떠올렸어요 — 저는 부모님이 항상 일하셨기 때문에 자주 혼자 있었고, 스스로 재미를 느꼈어요. 그래서 저는 절대 지루하거나 외롭지 않았어요. 혼자서 정말 많은 재미를 느꼈어요. 그래서 그 생각을 하자마자 모든 것이 멋지게 느껴졌어요.

저는 음악을 작曲하고 모든 것을 하고 싶어하곤 하는데, 오랫동안 팀을 찾고 구축하는 데 어려움을 겪었고, 아마도 그래서 가끔 어색했을 거예요. 하지만 나중에 저는 음악에서 제 지지를 찾았어요. 우리는 서로를 가지고 있어서 정말 기뻐요.

자택 공간과 더 큰 스튜디오에서의 작업 프로세스를 설명해줄 수 있나요? 어느 환경의 친밀감을 더 선호하나요? 혼자 작업한 후 다른 사람들이 기여하나요, 아니면 깊이 협력하는 작업인가요?

상황에 따라 달라요. 저는 집에서 작업하는 것을 좋아해요, 왜냐하면 한밤중에도 작업할 수 있기 때문이에요. 하지만 별도의 공간에서 일할 수 있고 제 침대가 없을 때도 그걸 고맙게 생각해요. 스톡홀름에서 작업할 때 스튜디오 키를 가지고 있었고 언제든지 스튜디오에 갈 수 있었어요. 10분 거리의 언덕 위 호텔에 살았고, 그 경험은 정말 멋졌어요. 그 경험에서 불편했던 점은 식료품 가게의 24시간 운영이 아니었어요.

대부분의 시간은 혼자 작업하지만, 협업을 사랑해요. 왜냐하면 대개 다른 사람들과 함께 있을 때 즐거운 시간이 많이 있기 때문이에요. 과정은 다르지만 두 경우 모두 저에게는 가능한 한 재미있고 쉽게 만드는 것이 매우 중요해요.

이 새로운 노래들이 이제 당신의 “가장 가까운 친구들”이라고 할 때, 성장하면서 특정 사람들을 삶에서 제거해야 했나요? 당신의 상상력이 창작 과정을 어떻게 부추겨 새로운 추억을 만드는 데 기여하나요?

저는 곡과 트랙을 친구로 대하는 편이에요. 예를 들어, 많은 사람들이 앨범을 자녀에 비유하곤 하지만요.

트랙을 쓰면서 많은 것을 겪기 때문에, 제가 만드는 곡들보다 더 가까운 것은 없어요. 저는 그들에 대해 모든 것을 알고 있고, 무엇보다 그들이 있는 그대로의 모습을 받아들여요.

저는 특정 사람들을 삶에서 제거해야 했어요. 그리고 이것은 물론 외로움으로 이어졌어요. 저는 저 자신이 누구인지, 무엇인지, 어떻게 여기에 오게 되었는지를 이해하는 데 시간이 필요했어요.

이를 가장 쉽게 하는 방법은 소음으로 인해 산만해지지 않고 침묵 속에서 하는 것이에요. 생각하기 쉽게 공간을 정리하는 거죠. 중요한 작업을 하기 전에 책상을 치우는 것과 같아요.

어두운 아이디어와 이렇게 쾌활한 음악을 어떻게 화해시키는지요? 문서화된 감정에서 거리를 느끼나요?

저는 사람들이 침묵과 외로움을 무서워한다는 것을 깨달았어요(사실 두 가지 모두 매우 유사한 것들이죠). 어딘가 사람들은 두 가지가 나쁜 것이라고 여기는 것처럼 느끼고, 어떤 운명의 사건들 때문에 생겨난 것이라고 생각하는 경향이 있어요. 하지만 저는 자발적으로 혼자가 되었고, 사실 그렇게 좋아했어요. 저는 모든 일들에 대해 매우 어두운 생각(혹은 아이디어)을 가지고 있지 않았어요 — 이 앨범을 녹음할 때 저는 정말 행복했어요. 그리고 절대적으로 정직했어요. 이 곡을 만드는 것이 너무 즐거웠어요; 그 시기는 정말 행복한 시간이었어요. 그 시기에 제가 완전히 외로웠던 것을 이해하더라도요.

제가 하고 싶은 말은, 어떤 것을 창조하는 순간 자신에게 정직한 것이 좋다는 것이에요. 저의 곡들은 진솔하며 기쁘고, 혼자 시간 보내는 것이 좋았기 때문에 음악과 함께 있었죠.

왜 팝 음악의 매체가 이런 감정을 처리하고 interrogate 하는 데 가장 좋은 수단이 되나요? 목소리가 있거나 없을 때 아이디어를 표현하는 데 주요한 차이점은 무엇인가요?

저는 음악이 원하지 않는 무언가가 되도록 강요하지 않아요. 음악과의 관계는 제가 지금까지 가져본 관계 중 가장 건강한 것이에요. 그래서 제가 곡이나 트랙을 통해 아이디어를 표현할 때 언제 결정하는 게 아니라, 저는 주의 깊게 듣고, 음악이 노래가 되고 싶어하는 순간과 목소리와 때로는 가사가 필요한 순간을 들어요. 그 차이를 말할 수조차 없어요 — 그냥 그런 방식이에요. 목소리가 있거나 없거나요.

내 눈에는, 당신의 시각적 우주가 당신의 외로움의 고립을 제한된 설정으로 표현하는 것 같고, 당신은 가진 것들로 최선을 다하고 있어요. 이러한 캐릭터를 표현할 때 어떤 자유를 느끼나요?

세상은 아마도 하나의 설정에 제한되어 있고, 당신이 가진 것들로 일해야 해요. 제한을 극복할 비의도적인 방법을 찾아야 해요. 이에는 특정한 자유가 있어요. 가끔 제 의식이 확장되면 새로운 방에 들어가는 것 같은데, 처음에는 아무런 제한이 없는 것 같아요(벽이 없으니까요). 하지만 결과적으로 그들은 분명 존재하고, 처음에는 볼 수 없었던 거죠. 공간이 너무 크니까요.

그림은 종이와 연필에 의해 제한되지만, 아이디어는 무한하죠.

저의 모든 영웅들은 제 상상 속의 일부여서 그들이 원하는 대로 나타나게 하는 것이 자유롭게 느껴져요.

가사적으로, 당신은 순간의 덧없음, 계획의 변화, 작별에 대해 많이 이야기해요. 삶이 흐름 속에서 이동할 때, 아티스트로서 유연성을 유지하기 위해 스스로를 어떻게 도전하나요?

웃기지만, 변화는 영원해요. 이것은 패러독스예요. 우리는 변화하고, 삶은 변화하며, 모든 것이 끊임없이 변화해요. 저는 놓아주고 모든 것을 있는 그대로 받아들이는 법을 배우고 있어요. 이것이 유연성인 것 같아요. 당신은 그냥 강처럼 흐르는 것이에요.

당신의 어두운 감정이 담겨 있는 곡을 듣는 사람들이 춤추는 모습을 보면 어떤 기분이 드나요? 이런 진실을 어떻게 포용하고, 자신을 어떻게 보호하나요 — 이 음악이 다른 사람들에게 정화적일 때요?

하하, 제 곡과 조각에는 어둠이 없어요. 다만 과거에 있었던 좋고 따뜻한 슬픈 감정 같은 것이 있을 수 있어요. 당신이 좋았던 일이 지나가버려 슬픈 느낌이 드는 것처럼요; 그 사랑했던 기억이 남아 있지만 이제는 없어서 슬프지만 여전히 그 기억은 즐겁고 행복하게 해줘요. 그게 아마도 제가 가진 가장 어두운 레벨일 거예요.

음악을 마치고 나면 그 음악은 독립적으로 되어 더 이상 저에게 속하지 않아요. 그것은 다른 어떤 것이 되어 버리고, 사람들이 그것을 해석하는 방식은 그들의 몫이고 저의 책임은 아니에요.

예를 들어, 저는 일부 사람들이 “plans”의 가사가 매우 슬프다고 느낀다는 것을 아는데, 개인적으로 그렇게 생각하지 않아요. 그것은 단지 사물을 인식하는 방식이에요. 전체 기분은 거기에 달려 있어요.