Vinile Di Cui Hai Bisogno: Il Mercato Discografico

Vinyl You Need contatta le persone che lavorano nei negozi di dischi e chiede loro quali dischi pensano siano essenziali. Questa edizione presenta The Record Exchange a Boise, Idaho.

Il negozio di dischi più grande di tutto l'Idaho ha due porte. Un ingresso su 11^th Street e uno su W. Idaho Street—che forniscono accesso alla mecca musicale che è The Record Exchange nel centro di Boise. Una porta ti porta in un caffè che ha servito come il primo bar espresso di Boise, portandoti in un mondo di prodotti locali e oggetti pop culturali, e merce con marchio. L'altra, invece, ti porta direttamente nel labirinto di scaffali di vinile. Appoggiato contro il muro del lato musicale si erge un piccolo palco, non più di un piede o due da terra, ma abbastanza prestigioso da ospitare atti come La Luz e Willis Earl Beale durante il recente Treefort Music Festival a marzo.

Con la crescita della popolazione di Boise (Forbes l'ha recentemente nominata una delle 20 aree metropolitane in più rapida crescita del paese), la disperazione delle persone per la musica dal vivo e registrata, caffè e un senso di comunità dovrebbe teoricamente seguire il suo aumento. Fortunatamente, The Record Exchange serve i buoni cittadini di Boise da 36 anni, ed è pronta a continuare a farlo. Abbiamo intervistato cinque membri del personale di The Record Exchange per vedere quali dischi pensano che dovresti possedere in vinile.

Cinque dischi essenziali da possedere in vinile grazie a The Record Exchange

Rachel Prin,Acquirente

Artista: The Clash
Album: Combat Rock
Motivo: Questo è stato il primo album che ho mai ascoltato in vinile. Davvero ascoltato. Mio padre mi ha seduto con un paio di cuffie, mi ha dato le note di copertura e sono rimasta affascinata dalle prime note di chitarra che risuonavano. Dopo Sandinista! del 1980, questo album sembra un vero ritorno alle origini per The Clash. A livello musicale, Combat Rock presenta alcuni dei migliori lavori di Joe Strummer mentre affronta il Vietnam, i diritti civili, l'apocalisse, la dipendenza da droghe e un senso generale di frustrazione. Eppure, nonostante la pesantezza di alcuni contenuti lirici, i The Clash riescono a bilanciare l'intensità con alcune incredibili canzoni pop. "Should I Stay or Should I Go?" è oro pop, e ti sfido a non ballare su "Rock the Casbah." C'è qualcosa che emerge quando ascolti questo album in vinile che ho sempre sentito perdersi in qualsiasi altro formato. L'intensità e la disperazione dei testi, la "fuzziness" del basso di Paul Simonon, il twang della chitarra di Mick Jones, e il ringhiare della voce di Strummer sembrano tutti più potenti attraverso la cera. Presentando la formazione classica per l'ultima volta, Combat Rock è senza dubbio il miglior lavoro dei The Clash e un must-have per ogni collezionista.

Brion Rushton,Assistente Store Manager/Acquirente Indie

Artista: Arthur Russell
Album: World of Echo
Motivo: Registrato con niente di più di un violoncello, una piscina di riverbero e la sua voce desiderosa, l'album del 1986 di Arthur Russell World of Echo è il suono di tristi ballate che si frantumano e si dissolvono nell'etere. È un ascolto essenziale per i likes di Eleanor Rigby, Father McKenzie e tutte le persone sole.

Chad Dryden,Direttore Marketing e Promozioni

Artista: Leonard Cohen
Album: The Songs of Leonard Cohen
Motivo: Quando sono tornato al vinile nel 1998, questo è stato il primo disco che ho comprato. Ero al college—impressionabile, suscettibile e incline all'idealismo romantico. I dischi hanno il modo di fissarti negli scaffali, di chiamarti, e The Songs of Leonard Cohen mi stava seducendo da mesi in un negozio di dischi sotterraneo ad Atene, Ohio. Quando finalmente l'ho portato a casa con me, non riuscivo a toglierlo dal giradischi. Affascinanti e mistici, ricchi di significato, le storie di cuore e carne di Cohen, con un tocco flamenco, mi hanno attratto ancora e ancora. Non sapevo come interpretare tutto ciò, né cosa significasse, ma sapevo di non aver vissuto e amato così profondamente e volevo imparare come farlo. Così continuavo a riprodurlo. E a riprodurlo. Girandolo e girandolo. Solo al buio. Tra amici e filosofie e pesantezze notturne. Con la mia attuale moglie la notte in cui ci siamo incontrati; anni dopo, quando finalmente consumai la mia prima copia scricchiolante, lei la mise in una cornice, la appese al muro e mi comprò un sostituto come regalo di anniversario. Mentre mi avvicino ai 40, The Songs of Leonard Cohen è un ascolto molto diverso, molto più profondo di quanto non fosse a 21 anni. Così va quando vivi con un disco. Cambi, cambia. A volte migliora, a volte peggiora. Leonard e io abbiamo la stessa data di nascita. Mi piace. E amo questo disco. Diventa solo migliore.

John O’Neil,Store Manager

Artista: Wipers
Album: Is This Real?
Motivo: Il punk rock è entrato nella mia vita quando ne avevo più bisogno. Ho riconosciuto il ritorno della canzone breve come una buona cosa, perché sono cresciuto ascoltando la musica dei miei fratelli maggiori. Odio il rock bombastico e meandrante a cui ero soggetto dai miei coetanei, cioè, altri ragazzi. Mi piacevano alcune canzoni che sentivo alla radio, ma ero fissato sul jazz dell'era delle big band, come Ellington e Shaw, e Bob Wills e i suoi Texas Playboys.

Ero un bambino strano.

Crescendo in una parte poco popolata dell'Oregon, non c'erano molte cose legate alle band in corso. Pensavo fosse qualcosa che accadesse a New York o Londra. L'apparizione di Is This Real? ha distrutto quel pregiudizio. Immediato, energetico e lugubre allo stesso tempo, mi ha stupito sentire qualcosa creato nel mio stato che suonava così bene come le cose che accadevano altrove. Greg Sage, il cantante/autore e chitarrista dei Wipers, era in anticipo sui tempi in quanto credeva negli amplificatori a valvole, segnali puri, registrazioni domestiche e un'estetica fai-da-te. Era un uomo burbero, sicuro di sé, con capelli diradati, senza propensione per costumi o spettacolo (anche se amava il wrestling professionistico!).

Questo disco, e il suo seguito, Youth Of America, esplodono dal giradischi con un suono aggressivo in avanti, con linee di basso ripetitive e linee di chitarra principale invece di assoli eccessivi. Ci sono stati momenti melodrammatici, ma la mancanza di bombastico era rinfrescante. Ha ispirato molti di noi nel Pacific Northwest a suonare la chitarra, formare band, registrare noi stessi e andare avanti. E abbiamo attivamente cercato altre persone in altri piccoli paesi che stavano facendo la stessa cosa.

Questo è il potere di un disco. Non mi sono mai stancato di questo. Grazie a Jackpot Records a Portland per aver curato così bene questa ristampa, e a Greg Sage per l'ispirazione.

Catherine Merrick,Assistente Manager del Negozio di Regali

Artista: Karen Dalton
Album: In My Own Time
Motivo: Nick Cave una volta ha detto che Karen Dalton era la sua cantante preferita; questo è stato sufficiente per me per indagare su chi fosse (anche se molti anni dopo la sua morte) e questo album, il suo ultimo prima della morte nel 1993, è stata la mia prima introduzione a lei. Dalla prima nota di apertura di "Something On Your Mind"—un drone ripetitivo che porta alla sua voce solitaria e infranta, sono rimasta affascinata da quella canzone da sola, e dal modo in cui cattura perfettamente il sentirsi di qualcuno che riconosce, in modo innato e amorevole, il dolore che circola dentro una persona a loro vicina. Con versioni di canzoni più familiari ("When a Man Loves a Woman" e "How Sweet It Is"), sono rimasta entusiasta delle interpretazioni di Dalton e specialmente della sua fraseggiatura unica, quasi jazzistica, che mi ha lasciato a volte chiedermi se stesse per "rientrare" nella canzone, ma lo ha fatto ogni volta. Registrata da molti altri artisti, la versione di Dalton di "Katie Cruel" (una tradizionale canzone folk americana/scottese) è spesso considerata la migliore. Con solo banjo, violino e la sua voce, ti trasporta praticamente su una cima montuosa nel bosco—l'aria carica di fumi di falò e foglie bagnate. Anche se si dice che la versione americana della canzone risalga alla Guerra Rivoluzionaria, non potevo fare a meno di chiedermi se Karen la riguardasse a un livello più personale, essendo stata parte della scena musicale folk di Greenwich Village negli anni '60 (e molto apprezzata da Bob Dylan, tra gli altri, all'epoca), ma questa è la genialità della sua voce. Aveva la capacità di interpretare le canzoni in modo così profondo che non puoi fare a meno di credere che stia cantando di se stessa. L'altra traccia che spicca per me è "Are You Leaving For the Country," una fusione rilassata e passeggiante di R&B e folk, con la dolce e fratturata voce di Dalton che fluttua languidamente sopra le chitarre acustiche e il basso, che non manca mai di innescare il desiderio di salire in macchina e trovare una vecchia strada sterrata da percorrere. A dire il vero, ho anche questo in CD, solo per ascoltarlo in macchina, ma il calore e la fragilità della voce di Karen Dalton, così come la purezza degli strumenti acustici, si sentono molto meglio in vinile. C'è qualcosa di molto più magico nell'ascoltare queste canzoni mentre sei seduto sul pavimento in una stanza debolmente illuminata, specialmente se sei con un amico che condivide il tuo entusiasmo per alzarsi e riavviare il disco da capo.