Intervista: Sunflower Bean

Solo quattro anni fa, Cumming era sull'orlo dell'istruzione superiore. Kivlen e Faber stavano terminando il loro primo anno quando il trio prese la decisione di perseguire Sunflower Bean—la band che li aveva portati in giro per New York City, inclusa una riuscita serie di concerti al CMJ nel 2014—a tempo pieno. Invece, questo trio collaudato non ha guadagnato le proprie stellette nel campus, ma su palchi in tutto il mondo. Il loro album di debutto Human Ceremony, pubblicato nel 2016, ha stabilito Sunflower Bean come una delle band più in voga di New York con un suono sofisticato che attingeva all'influenza del psych, punk e shoegaze, dimostrando che il trio era più saggio della loro età.

Ora, mentre Sunflower Bean si prepara per l'uscita del loro secondo lavoro, Twentytwo In Blue, in arrivo il 23 marzo, si avvalgono della consapevolezza acquisita negli anni successivi ai loro tardi teen e ai vent'anni. Sebbene tutti e tre abbiano 22 anni, Twentytwo In Blue è il risultato di una riflessione più interna sul mondo tumultuoso che li circonda.

“Non penso che siamo diventati meno esistenziali,” dice Faber, “ma siamo semplicemente diventati migliori a gestirlo e a muoverci intorno a quei sentimenti. È divertente come in alcuni modi maturi completamente oltre certe cose, ma si tratta di affrontare questi sentimenti in un modo più produttivo.”

Il risultato di tale produttività rafforza lo status di Sunflower Bean come camaleonti sonori. Twentytwo In Blue è un album di rock ’n’ roll senza compromessi che non mira a reinventare o sistemare il genere, ma eccelle come una lezione su quello che il rock potrebbe essere. Con brani come “Twentytwo,” “Burn It,” “Puppet Strings” e “Only For A Moment,” la raccolta è un omaggio a Fleetwood Mac, Norman Greenbaum, Three Dog Night, persino Lana Del Rey e il romantico e caotico mondo degli anni '70. Cumming dimostra la sua capacità come vocalist trasformativa, oscillando abilmente tra dolce sirena e forza energica. Quando Kivlen prende il microfono (come fa nel singolo principale “I Was a Fool”), è zuccheroso eppure audace, un invito alla meraviglia curiosa e cool. Se Human Ceremony era adatto per spazi DIY, Twentytwo In Blue è la colonna sonora per stadi e lussuosi pullman per tour.

VMP: Trovi cliché tutto il discorso su “Wow, sono più grandi e maturi ora”? Julia Cumming: Questo è il punto dell'essere nei tuoi primi vent'anni, pensi di sapere un po' di cose, ma probabilmente non lo sai affatto. Guardare indietro a tre anni è sempre imbarazzante, ciò che ti interessava e quello che ti piaceva. Quando sei realmente nel mondo a creare arte e metterla là fuori invece di pensare semplicemente a questo, devi essere a posto con le decisioni che prendi e fare una registrazione di chi sei. Avere quella mentalità di Human Ceremony eravamo noi allora e Twentytwo in Blue è chi siamo ora.

C'è qualcosa di molto significativo nei tuoi primi vent'anni e nelle cose che crei allora. JC: Possiamo tutti concordare che gli adolescenti sono terribili. Ma forse per alcune persone non lo sono, ma per la maggior parte delle persone, sono molto esistenziali e drammatici.

Ma voi siete riusciti a farlo funzionare creando qualcosa. Jacob Faber: Sì, Human Ceremony è stata un'accumulazione di tutto ciò che sentivamo in molte delle crisi esistenziali che stavamo attraversando.

JC: È come un'esperienza esterna e interna. Quando sei un adolescente, in Human Ceremony, hai bisogno di mettere i tuoi sentimenti là fuori e stai urlando nel vuoto. E stai dicendo, “Ciao, io sono qui e questo è come mi sento.” Sento che in questo album volessimo più andare dentro e guardare più in profondità le radici di perché ci sentiamo in quel modo, le radici di noi stessi.

Da dove è venuto quel cambiamento di mentalità? JF: È una questione di tempo e di fiducia. In un modo strano, penso che ci voglia più fiducia e forza per guardare dentro. Ci vogliono anni di tour e pratica e avere più fiducia per poter avere vulnerabilità dentro di sé.

JC: Penso che sia facile nascondersi dietro uno schermo e questo non significa che non sia divertente, non sia utile e che non sia giusto ogni volta che lo fai. Quando inizi a tirare indietro quella tenda, devi vedere chi sei veramente. È come indossare il trucco. A un certo punto, devi vedere cosa c'è sotto e cosa ti informa. Sapevamo come suonare e sapevamo come fare uno spettacolo, ma siamo in grado di fare le canzoni e l'arte che vogliamo veramente? Una parte liberatoria di fare questo album è stata guardare la scrittura dei brani in un modo diverso in relazione a chi siamo.

Testualmente, questo emerge nell'album. Una riga come “Non vado silenziosamente nella notte che mi chiama anche quando sono solo” è un testo molto empowering. JC: Ti informa perché ti costringe a guardarlo. Una parola che mi viene in mente: resilienza. Gran parte del contenuto lirico e ciò che stiamo cercando di rappresentare è un certo livello di forza che abbiamo bisogno di ascoltare e che vogliamo anche esprimere all'ascoltatore. Anche se è un momento triste e strano in questo momento, anche personalmente, è ciò che desideri: forza.

È difficile non affrontare il strano tempo politico in cui stiamo vivendo. È possibile non toccare la politica nell'arte? JC: A meno che tu non stia facendo arte in un vuoto…

JF: Non è evitabile.

JC: Il modo in cui interagisci con il mondo influenzerà chi sei. Il fatto che sia un momento tumultuoso e strano, ha sicuramente informato l'album. Siamo riluttanti a dire che è un album politico. È un album fatto in particolari circostanze e la nostra reazione ad esse è personale.

JF: L'ultimo tour che abbiamo fatto su Human Ceremony è stato nell'autunno del 2016, proprio intorno alle elezioni. Eravamo stati nel Regno Unito e in Europa prima di quel momento e poi girando per gli Stati Uniti vedere i segni di Trump è stato piuttosto scioccante e allarmante. Quando siamo tornati a casa all'inizio del 2017 e abbiamo iniziato a scrivere questo album, era molto presente nelle nostre menti. Ha un peso.

Qual è il significato del titolo dell'album? Nick Kivlen: Quando fai un album e hai tutte queste canzoni e devi dar loro un titolo definente e chiamarle qualcosa quando sono una cosa a sé stante, è difficile scegliere un titolo che riassuma tutto. Stavamo pensando all'umore generale delle canzoni e a ciò che significano realmente per noi. Twentytwo In Blue è stato un nome piuttosto astratto ma tangibile da dare a tutte le canzoni insieme perché è qualcosa che condividono tutte. È l'età che avevamo quando le stavamo scrivendo e facendo l'album e l'umore che pensavamo pervadesse l'album.

JC: Avevamo accumulato molte immagini blu per molto tempo. Quando cercavamo di pensare al nome di questo album, siamo arrivati a Twentytwo In Blue e ci siamo chiesti, “È il blu troppo triste? Farà pensare alla gente che è qualcosa che non è?”

NK: Penso che con i colori possa evocare molte cose diverse. È un colore classicamente malinconico, ma può rappresentare un grande cielo blu aperto, o un grande oceano blu o una speranza. Penso che questo raccolga l'album: Noi che abbiamo 22 anni sentendoci così blu.

Quanto sono importanti le estetiche? JC: Ne stavamo parlando recentemente con qualcuno e loro hanno detto “E per la sinestesia?”. Non ci classificherei in quel senso, ma un album è un pezzo di arte davvero divertente e molto viscerale. Ha alcuni elementi che vengono ripetuti più e più volte. Quando pensi a te stesso come musicista, sei l'esecutore, sei un paroliere. Sei musicale, stai scrivendo poesia ma la poesia è messa in canzone. Raccogliere questi pensieri e queste idee è parte del modo in cui una persona deve presentarsi come artista in questo momento e probabilmente sempre, curando chi sei. Penso ci siano molti modi, come guardare foto di Cher e tutte queste donne che sono stimolanti ed entusiasmanti e significano molto per me e come fare il mio stile in un modo che sia glamour e divertente e cool e diverso, ma che tocchi ancora le persone che amo. È così: curare chi sei.

Cosa stava succedendo nella tua vita più ampia mentre scrivevi questo album? NK: La pietra miliare di cui penso è quando ci siamo incontrati per suonare di nuovo nel dicembre del 2016 dopo aver terminato il nostro tour e avevamo un paio di settimane di pausa dalla band. Abbiamo iniziato a suonare e scrivere ed è stato come se un rubinetto si fosse aperto. Avevamo così tante idee diverse e canzoni diverse. Era passato così tanto tempo dall'ultima volta che avevamo potuto suonare solo noi tre nel nostro spazio di prova senza tour o fare nulla di diverso dal tentare di creare canzoni. È allora che ci siamo eccitati davvero e siamo entrati in modalità iper nella creazione dell'album.

JC: La prima canzone su cui abbiamo lavorato in qualsiasi incarnazione è stata “Burn It.” È sempre in quei primi passi in cui stai cercando un suono nuovo e sfidando una parte di te stesso che stai crescendo di più che è il più emozionante. Per me provare stili vocali diversi in questo album e Jacob provare diversi stili di batteria.

La canzone suona come un collage di vari stili. JC: È una recensione che abbiamo ricevuto: suona come una canzone di un band differente da canzone a canzone. Qualcosa di Sunflower Bean che forse è diverso da altre band è che non c'è solo un paroliere. Anche quando abbiamo un'idea, i membri della nostra band sono i nostri fidati collaboratori mentre lavoriamo insieme per creare qualcosa che sia migliore di come era iniziato. Ognuno di noi ha le proprie influenze che influenzano ciò che vogliamo fare. Quello che ne risulta è qualcosa di abbastanza dinamico perché copre stili diversi. Speriamo che lavorando con Jacob Portrait da UMO, che ha co-prodotto, e Matt Molnar, tutti i brani si sentano come se fossero nello stesso mondo. Questa è la cosa più importante. Se fossero in mondi diversi, sarebbe un po' caotico.

Sembra che provenga sicuramente da un certo tempo e luogo. JC: Qualcosa di cui abbiamo anche parlato è che vogliamo vedere ogni canzone finché non diventa ciò che deve essere. Hai una canzone come “Twentytwo” o “Any Way You Like” in cui la stai scrivendo pensando, “Penso che ci vogliano i violini! Penso che debba essere lussureggiante come Phil Spector.” Questo non significa che ogni canzone dell'album avrà delle corde, ma per consentire a ciascuna di esse di respirare e di essere la migliore versione di se stessa, usciranno un po' diverse l'una dall'altra.

Qual è il tuo processo di auto-modifica? JC: Dipende totalmente da canzone a canzone. Portiamo quello su cui stiamo lavorando a vari livelli di completezza. A volte è un riff, a volte sono parole.

NK: Sembra crescere un bambino. Ci avviciniamo tutti a quest'idea e dobbiamo crescerla.

JC: Devi necessariamente e rispettosamente fidarti delle persone con cui lavori per aprire la tua arte a loro. Penso che siamo fortunati a fidarci così tanto l'uno dell'altro e di aver lavorato davvero a stretto contatto per un po'. So quando Jacob ha un'idea per la batteria che è diversa dalla mia e da quella di Nick e dovremmo fidarci di loro e provare tutto per ottenere il risultato più speciale.

NK: A volte però devi andare avanti e porre fine a qualcosa. Abbiamo finito di giocarci, lascialo andare. Penso che sia anche importante.

Poi arriva un momento in cui ti chiedi cosa stavi cercando di fare in primo luogo. JC: È facile essere paralizzati dalla tua ambizione o da quello che pensi di poter fare. Questo è così diverso dall'effettivamente mettere le cose che ami là fuori per essere ascoltate e amate o odiate. Penso che la musica sia davvero comunicativa. Quando la crei, hai questo impulso di dire o fare qualcosa e anche l'impulso di condividerlo con le persone. Fidarsi di se stessi abbastanza da sapere dove sia la fine e accettarlo.

A volte diventiamo troppo ambiziosi riguardo alle cose e alla fine risulta paralizzante. JC: Amo l’ambizione e penso che siamo tutti super ambiziosi ed è una grande cosa, ma è uno di quei motivi per cui il rock è così fantastico. Una delle cose più liberatorie del punk è che non dovevi essere tecnicamente il migliore per iniziare. Questo è qualcosa che cerchiamo di dire ai ragazzi ogni volta che si avvicinano a noi e ci parlano durante i concerti riguardo al voler avviare una band: Inizia. Prendi una chitarra, prendi un basso, trova i tuoi amici e inizia. È liberatorio e tutto il resto andrà a posto.

Questa è la spinta che le persone hanno bisogno di sentire da qualcuno che lo sta effettivamente facendo. JF: Sembra facile, ma penso che finché non lo senti oppure qualcuno ti dimostra che è effettivamente possibile, può sembrare davvero impossibile. Ho avuto il virus del rock ’n’ roll dentro di me sin da bambino e in fondo desideravo farlo e non pensavo fosse affatto possibile. È importante trovare persone con cui puoi relazionarti e che amano la stessa musica e possono esplorare e trovare queste cose.

JC: C'è una differenza tra imparare [la musica] in un'aula, anche la migliore aula informata, e farlo realmente.