Les meilleurs albums électroniques de 2019

Une décennie après son succès emblématique "Daniel", le dernier album de Natasha Khan n'a pas reçu l'éclat qu'il aurait mérité. Peut-être que le passage de Parlophone à une voie indépendante l'a rendu trop protégé par ses fans, ou peut-être qu'en 2019, le synthpop exquis de cet album sincère semblait quelque peu désynchronisé avec son époque. Mais Bat For Lashes n’a jamais été une question de tendance, et le Lost Girls concis et évocateur met en avant une auteure-compositrice qui n’a pas besoin de s’excuser pour ses influences rétro tout en mûrissant dans son art. Avec la contribution de son collaborateur de studio Charles Scott IV, "The Hunger" tremble comme les mini épiques de Peter Gabriel des années 80 et "Feel For You" scintille comme les singles de Danceteria de Factory Records de cette période.

Coïncée dans les débris collants de l'explosion indie-alt des années 2010 désagréablement surnommée PBR&B par certains, FKA Twigs aurait pu succomber à la narration qui a laissé de nombreux prédecesseurs sans espoir témoins du temps dans l'ambre de sous-genres. L'adulation critique hautaine et le flamboiement microscopique de la culture de potins menaçaient de compresser sa carrière, et un diagnostic de fibromes inquiétant aurait pu lui faire encore plus de mal. Donc, revenir quatre ans après le relativement mineur M3LL155X avec le stunning, non-conformiste et émotionnellement sans filtre MAGDALENE la place au-delà du canon de n'importe quel genre. L'une des chansons les plus fortes de sa carrière et de l'année entière, "Sad Day" transforme la fragilité en force, son refrain percutant quasi-opératique dans son exécution. Et vraiment, comment quelqu'un ne pourrait pas soutenir Twigs après avoir donné à Future sa meilleure chanson de l'année avec "Holy Terrain", une déconstruction trap avec l'apport d'anciens élèves de Yeezus, Arca et Skrillex?

Dans les dernières semaines de cette décennie, l'empreinte innovante de basses Hyperdub a habilement publié Tunes 2011 to 2019 de Burial. Une collection de chansons qui ne figuraient sur aucun de ses deux albums, le projet semblait presque cyniquement temporel pour s’adapter à la saison des listes annuelles des critiques de musique et aux rétrospectives de dix ans qui l'accompagnent. Bien que beaucoup vont mordre à l'hameçon et récompenser le producteur et ses bienfaiteurs pour une technicalité qui pourrait être justeifiable, cela ne devrait pas se faire au détriment d'un album réel du label méritant les éloges. Sans hésitation, je suis entièrement à l’aise de dire que le premier LP de Loraine James For You And I compte parmi les plus importants et essentiels des sorties Hyperdub depuis Untrue, peut-être même mieux. Une œuvre complexe et profondément humaine, l'album encapsule un Londres personnel caché qui en dit long sur la ville dans son ensemble. Son contenu traite de sa diversité sexuelle dans une tempête palpitante de styles urbains et de club, présent dans les frissons nerveux et les rêveries vidéoludiques de la chanson titre ainsi que dans "My Future" du rappeur Le3 BLACK. Le bruit jungliste lâche de "So Scared" évoque des sentiments tendus autant que le refrain parlé en boucle de James, et il persiste comme un fantôme d'écoute bien après la fin de l'album.

Personne ne maîtrise le basses comme Kevin Martin. En tant que quelqu'un dont le catalogue, en particulier en tant que The Bug, se tourne sans cesse vers les traditions reggae pour extraire respectueusement de l'or des basses, la décision de retirer cette couche sonore pour le dernier projet King Midas Sound a fait de Solitude une aberration curieuse dans sa discographie. Avec les réflexions de Roger Robinson sur une relation effondrée remplaçant le poids des basses par un poids émotionnel, le duo construit un monde de chagrin et de tempête. Une rage silencieuse envers soi-même, l'autre et le monde déborde à travers les paysages de rêve métastatiques de "In The Night" et sous les drones gémissants de "Zeros". Ce n’est pas une dystopie ballardienne ou un escapisme de sound system, mais plutôt la réalité écrasante et la solitude existentielle du présent.

Alors que les applications abondent et influencent presque chaque décision que nous prenons, le simple plaisir de regarder The Weather Channel pour vérifier la température locale s’est éloigné de la vue comme tant de petits nuages moelleux. Que les sensations New Age de cette expérience vous aient échappé ou non, Nonlocal Forecast recapture les vibrations mystiques sur cette œuvre époustouflante de kitsch comme art. L'album rare dans lequel on ne se plaint pas d'avoir à vivre pendant un certain temps, Bubble Universe! déborde de rebondissements délicieux et ruisselle de teintures révélatrices, un travail d'amour qui récompense ceux qui peuvent laisser de côté des idées préconçues et permettre à un peu de malice prog-lite et de flair smooth jazz d'entrer dans leur vie. "Cloud-Hidden" se déroule comme un pré-réglage de clavier devenu conscient, tandis que "Foam, Vaccum, One" laisse ses drones ambiants se délecter et scintiller. "Planck Lengths" s’élance avec la joie de la machine à tambour de niveau Phil Collins, ne se tenant en arrière que pour le chant des oiseaux et la respiration.

Avec tout le respect dû aux algorithmes amoraux d'Autechre, nous ne parlons plus du IDM principalement parce que cela a plus ou moins cessé d'avoir de l'importance. Pourtant, l'héritage de ce que les Rephlex Records d'Aphex Twin ont malicieusement baptisé braindance a aidé à guider tant de ce que nous avons à offrir dans la musique électronique underground aujourd'hui. Un ancien camarade de label de ces pionniers de Warp, patten fait de la musique qui prend en compte les données antérieures avant de les appliquer à des structures rythmiques plus contemporaines retrouvées dans le club sur son Flex auto-publié. Moins tellement épris du fétichisme futuriste de son prédécesseur, il soumet le drill, le grime et le trap à des abus de vagues sur des morceaux comme "Night Vision" et "Snake Eyes". Une arme clé dans l'arsenal de patten est la manipulation vocale, ajoutant une touche frénétique au footwork de "Infrared" et au tumulte post-rave de "Memory Flood".

La science-fiction a fourni beaucoup d'inspiration aux musiciens électroniques et jazz, pour le meilleur ou pour le pire. Dans le cas de l’opéra spatial de Salami Rose Joe Louis, c’est indiscutablement le premier. La sonorité divertissante de jazz claviériste de Brainfeeder sur "Octagonal Room" et "Nostalgic Montage" distrait occasionnellement et joyeusement la narration solaire expositive fournie au-dessus. Même si vous ne suivez pas son histoire, Zdenka 2080 progresse avec sa mission musicale, principalement à travers des morceaux assez brefs de la longueur des extraits de beat tape. Pourtant, bien que le label de FlyLo ait été connu pour s’adapter au format de la scène de L.A., ce travail cohérent se tient tout seul. Les voix évoquant les chœurs célestes dirigés par Kamasi Washington donnent un certain charme à "Love The Sun" et "Cumulous Potion".

Comme souvent l’année dernière, le reggaetón a continué à secouer le monde en 2019 en tant que phénomène pop. Même si J Balvin et Daddy Yankee globetrotent en tant qu’ambassadeurs commerciaux éminents du style, Tomasa Del Real représentait la véritable essence d'un underground inclusif des personnes que le genre avait autrefois systématiquement exclues. Un successeur solide à son Bellaca Del Año, l’album semi-éponyme de la leader du néoperreo chilienne TDR empêche le dembow de stagner avec son essence collaborative et émancipatrice. Elle est directe sur le plan sexuel dans "Ella Quiere Culiar" aux côtés de TECH GRL, et commande le dancefloor sur "Perrea Conmigo" avec le légendaire DJ Blass. Typiquement spritzé, sinon totalement arrosé d’auto-tune, la voix de Del Real ancre des morceaux tournés vers l'avenir comme "Los Dueños De Neoperreo" et le ludique "Braty Puti".

Trop souvent, la célébrité de Diplo éclipse le fait que Major Lazer n'est pas un simple projet solo, mais plutôt le produit d'énergies collaboratives, y compris celles du DJ/producteur jamaïcain-américain Walshy Fire. Né d'une tentative délibérée de réconcilier les scènes musicales contemporaines souvent désespérément séparées en Afrique et dans les Caraïbes, son Abeng relie des artistes comme Mr. Eazi et Runtown de la première à Kranium et Machel Montano de la seconde. Au regard de la cohérence et de la puissance des résultats de cet exercice, le clash des sons d'Afrobeats, dancehall, et soca, parmi d'autres styles régionaux, s'avère un succès profond. En évitant la négativité au profit de la positivité, la chaleur générale et la camaraderie de "No Negative Vibes" et "Round Of Applause" contribuent à la guérison diasporique.

Considérant combien de flashs éphémères des années 2000 sont devenus froids avant les années 2010, il est plus que légèrement fou de penser qu'un groupe ayant lâché certains de ses meilleurs titres après l'électroclash pourrait encore être en vie et actif. Pourtant, alors que certains de leurs pairs montent mollement des retrouvailles pour une jeune génération étrangement susceptible de nostalgie, les boys sarcastiques de Chk Chk Chk n'ont même jamais arrêté en premier lieu, se tournant davantage vers le disco que le punk artistique à partir de Thr!!!er de 2013 et continuant avec des suites dans la même veine As If et Shake The Shudder. Indiscutablement meilleur que ces deux derniers, Wallop trouve le groupe aussi percutant et pop que jamais, avec le glamour de house fracassant de "Couldn’t Have Known" et le funk rock désinvolte de "Serbia Drums".