Les 10 meilleurs albums de Charles Mingus à posséder en vinyle

À l'origine étudiant du trombone et du violoncelle, Mingus était un multi-instrumentiste qui a fait la transition vers la contrebasse, qui est finalement devenue son motif musical. Mingus était largement reconnu comme un phénomène à la contrebasse, effectuant des tournées avec Louis Armstrong, Lionel Hampton et Duke Ellington avant de composer ses propres œuvres et de diriger ses propres groupes.

Mingus incarnait le travail acharné et le développement personnel, ce qui a abouti à une œuvre dépassant plus de 250 sorties. Il a investi son cœur et son âme dans son art, créant une liste variée et sublime de sorties. Le catalogue de Mingus est une aventure trépidante. C'est sauvage, imprévisible, instable, hostile et brillamment imaginatif. C'est tout ce à quoi vous vous attendriez d'un homme comme Charles Mingus.

Pithecanthropus Erectus (1956)

Ce disque est aussi innovant qu'audacieux. “Pithecanthropus Erectus” était une œuvre à concept élevé, Mingus révélant qu'il s'agissait d'un poème tonal. Le poème dictait le voyage de l'évolution d'un homme hominidé, passant de l'ape à l'homme debout, seulement pour que l'homme hominidé s'autodétruise à cause de la nature humaine.

Mingus a également créé l'incroyable charmante “A Foggy Day (In San Francisco),” dans laquelle il peint exactement cela, avec sa musique. Des sifflements se font entendre, des voitures klaxonnent et des sirènes résonnent, créant une image pittoresque d'un jour brumeux à San Francisco. En 1956, cela était simplement sans précédent. Mingus était audacieux, aventureux et courageux de tenter une telle chose. La beauté du morceau est qu'il n'est pas un cliché, ni sembler ennuyeux. Vous êtes vraiment transporté vers un autre temps et un autre lieu.

C'est pendant cet album que Mingus a réellement expérimenté avec la manière dont il composait et créait de la musique. Il aurait créé des solos et des compositions pour ses musiciens en fonction de leurs personnalités et non de leurs capacités. En tant que compositeur qui dictait traditionnellement les parties en les écrivant sur papier, Mingus a choisi d'abandonner cette forme de composition et de dicter les parties à l'oreille, laissant ainsi les musiciens s'exprimer librement.

Ce album prouverait qu'il était un père fondateur du jazz improvisé, ouvrant des portes à de nombreux musiciens et les encourageant à créer une musique défiant la musicalité conventionnelle. Pithecanthropus Erectus a établi des fondations musicales qui influenceraient le genre pour toujours.

The Clown (1957)

The Clown est un album qui poursuit la forme improvisée de Mingus. Néanmoins, il est audacieux et possède une identité si frappante. C'est durant cet album que Mingus fait sa déclaration comme l'un des plus grands contrebassistes et compositeurs.

Son solo lors de “Blue Clee” est tout simplement glorieux. Il a un côté bluesy, un son brut et est immédiatement séduisant. Mingus exige que vous écoutiez, que vous preniez note et que vous appréciiez. Mingus joue avec une confiance contagieuse. Sa capacité à modifier la dynamique de son instrument et de son groupe est sans égal.

Cela est de nouveau démontré dans “Haitian Fight Song.” Pendant un certain temps, Mingus joue seul. Il y a une ambiance sombre dans son solo. Il y a un moment où la musique semble sans direction, jusqu'à ce que le groupe revienne dans la chanson, puis vous réalisez que Mingus savait depuis le début où il allait.

“Reincarnation of a Love Bird” était une chanson qui n'a pas été initialement composée en mémoire de Charlie Parker, mais après un certain temps de création de la chanson, Mingus a réalisé que la chanson “était Charlie.” Tout comme Charlie Parker, la mélodie est une composition lâche, aléatoire et souvent perturbante. Les notes dérivent du plat au dièse, le rythme change d'un tempo rapide à un tempo lent. C'est confiant, puis confus. En termes de métaphores, vous ne vous rapprocherez pas de Charlie Parker.

La piste titre “The Clown” est révolutionnaire. Émaillée de sous-texte sarcastique, la piste semi-improvisée vous rend mal à l'aise dès le départ. La chanson est narrée par Jean Shepherd, qui parle d'un clown et de son désir d'affection et d'acceptation. Même lorsque le clown réussit à faire rire les gens, il se sent toujours dégradé. Bien que Mingus réussisse en tant que musicien, il a toujours eu le sentiment que ce n'était pas forcément selon ses conditions. Mingus était un individu torturé, souvent contrôlé par les restrictions et les barrières créées par la race, la classe et les maisons de disques. Même quand il réussissait, Mingus n'était pas nécessairement heureux. “The Clown” est une chanson qui vous offrira les aperçus les plus profonds et les plus sombres de la psyché de Mingus.

Mingus Ah Um (1959)

Mingus Ah Um est un album merveilleux. Bien que courant de nos jours, Mingus faisait des déclarations politiques dures sur la race et la ségrégation en 1959 que très peu osaient faire. “Fables of Faubus” était une attaque directe contre le gouverneur de l'Arkansas et son opposition à l'intégration de neuf étudiants afro-américains dans le Little Rock Central High School. Mingus était audacieusement téméraire de faire une telle déclaration, mais il ne se souciait tout simplement pas des normes sociétales, qui gouvernaient selon lui le contexte de sa musique. En fait, ces règles avaient l'effet inverse et Mingus canaliserait souvent son mécontentement dans sa musique, comme on le voit dans “Fables of Faubus.” La mélodie semble presque joviale, peut-être même comique, créant un air ironique et presque ludique pour se moquer du gouverneur de l'Arkansas. C'est une exposition joyeuse d'une hostilité intelligente.

“Goodbye Pork Pie Hat” était un hommage au défunt Lester Young et est un morceau lent et mélancolique, à nouveau représentant le génie de Mingus lorsqu'il est derrière sa contrebasse. C'est une offre musicale somptueuse. C'est harmonieux, doux et délicat. “Pussy Cat Dues” est d'un genre similaire, offrant une ambiance suave et alcoolisée alors que la musique cool s'écoule librement.

Mingus Ah Um est un album qui est vénéré pour sa cohérence et sa personnalité. Bien que le style de musique varie considérablement, l'album est plein et vous vous sentez satisfait à la fin de chaque chanson. Écoutez-le du début à la fin, vous le méritez.

Presents Charles Mingus (1960)

Mingus a sorti cet album sur le célèbre label Candid, qui lui a permis un contrôle créatif plus important que les précédents labels pouvaient se permettre. Par conséquent, Mingus a pu enregistrer des voix sur le “Fables of Faubus” mentionné précédemment, qui a été ré-enregistré et renommé “Original Faubus Fables.” Columbia records a refusé de sortir la chanson originale avec des paroles, car celles-ci étaient d'une hostilité telle que Columbia les considérait comme trop antagonistes pour que le pays soit associé. Pendant le nouvel enregistrement de cette chanson, Mingus et son groupe chantent que le gouverneur Faubus est un “idiot,” un “nazi” et est “malade.” De tels actes héroïques étaient rarement témoins dans les lumières vives de la culture populaire. La chanson elle-même est un chef-d'œuvre de rythmes interchangeants, de solos alternatifs et de textures musicales fluides. C'est une piste dépouillée, avec une sensation semi-improvisée. John Handi et Shafi Hadi se relaient pour enrichir la piste de riches solos de saxophone ténor, avant que la musique ne s'arrête brusquement et que Mingus prenne le contrôle de sa contrebasse. Il joue férocement, glissant de haut en bas sur son manche avec une intention vengeresse. L'agression et la moquerie sont antagonistes, ce qui est un délice à voir.

Le plaisir que l'on peut tirer de Presents Charles Mingus est celui du contrôle créatif mentionné précédemment. “What Love” est l'œuvre du phénoménal quartet comprenant Mingus, Eric Dolphy, Ted Curson et Dannie Richmond. La musicalité transcendante est provoquée par la liberté qu'ils ont grâce à Mingus. Mingus menait le groupe avec sa basse, déclarant qu'ils étaient libres de créer la musique qu'ils voulaient mais devaient s'adapter à ce qu'il jouait sur sa contrebasse, tant rythmiquement que tonalement. Chaque musicien joue à son tour un solo, créant ainsi une composition inimitable. De toutes les œuvres de Mingus, c'est une pièce marquante d'improvisation unique. L'album dans son ensemble est un chef-d'œuvre créatif.

Blues and Roots (1960)

Blues and Roots est un album palpitant. S'appuyant sur le blues, le gospel et la musique soul, Mingus a déclaré dans les notes linéaires qu'il a créé cet album pour affronter les critiques sur l'idée qu'il ne swingait pas assez. Lorsque Charles Mingus était poussé dans ses retranchements, il sortait souvent en force. Avec Blues and Roots, c'était littéralement le cas.

Inutile de dire que Mingus fait passer son message de la première à la dernière note. Blues and Roots swingue fort et déborde d'âme. “Wednesday Night Prayer Meeting” est du blues brut à son meilleur. Le groupe swingue de toutes ses forces, avec Horace Parlan jouant du piano avec une autorité imposante. Le groupe prend tour à tour le relais pour pleurer le blues, sonnant frais et raffiné, tout en étant à la fois dépouillé et unique.

Pepper Adams est particulièrement prolifique sur cet album, son saxophone baryton ajoutant une texture terreuse aux cuivres qui fait vraiment ressortir le blues dans la musique. Cela est particulièrement évident pendant “Cryin’ Blues.” Pepper Adams fournit une ossature au groupe, arrachant un riff de saxophone baryton profond et grave. Les ténors Jackie McLean et John Handy s’associent avec brio à Pepper Adams et s'unissent pour créer un vacarme.

Il est difficile de séparer chaque piste et de choisir pourquoi elle est brillante. Blues and Roots est un voyage, alors allez-y et profitez de la balade.

Oh Yeah (1962)

Oh Yeah présente ce qui pourrait être considéré comme une formation de cuivres de premier ordre. Le cocktail de Booker Ervin et Roland Kirk est phénoménal, et l'auditeur aurait du mal à trouver une meilleure amalgamation de cuivres que celle-ci.

“Devil Woman” est un cocktail secoué avec la section de cuivres ci-dessus, créant une jam douce et terreuse qui est du blues et du post-bop à parts égales. C'est une piste alléchante, avec Mingus dirigeant cette fois au piano. Les notes tombent comme des gouttes de pluie, tout en étant accompagnées par la meilleure combinaison de cuivres au monde. Roland Kirk et Booker Ervin offrent ensuite des solos individuels qui fondent dans la bouche. Les solos sont doux et chaque note est jouée parfaitement. Moins c'est plus, ou du moins, c'est ce qu'on dit.

Une fois que vous êtes bien détendu, le rythme change avec “Wham Bam Thank You Ma’am.” C'est un hard bop à son meilleur. Le groupe frappe un rythme rapide, dirigé par un Mingus animé qui crie tout au long de la piste. Roland Kirk aborde à nouveau un solo féroce, tout en étant incité par Mingus. “Ouais, Roland!” crie-t-il. Vous ne pouvez pas vous empêcher de faire de même. Cela vous entraîne vraiment.

Il en va de même pour “Eat That Chicken.” Cette mélodie est un autre classique joyeux de bop. Vous ne pouvez pas vous empêcher de hocher la tête et de danser autour de ce que vous faites à ce moment-là.

Tijuana Moods (1962)

Tijuana Moods est la définition même du chaos organisé. L'album comprend “Ysabels Table Dance” et il faut dire, jamais une chanson n'a eu un titre plus parfait. Le rythme de ce titre vous fait tourner la tête. Au départ, “Ysabels Table Dance” éclate dans un désordre total, seulement pour ralentir afin de laisser place à un somptueux solo de Curtis Porter. Comme sorti de nulle part, le rythme redémarre et le chaos reprend. Ysabel Morel aux castagnettes mérite d'être mentionnée, ses castagnettes étant un point fort particulier durant cette chanson. Le son crissant des castagnettes surgit au premier plan de l'anarchie avec son son engageant et irrémédiablement unique. Soyez avertis, cette musique pourrait vous encourager à participer aussi à une danse de table.

La beauté de cet album réside dans la métamorphose du chaos à l'impassible, d'une bagarre à un baiser. Peut-être que cela personnifie parfaitement le diagnostic bipolaire de Mingus. “Flamingo” est la piste de clôture, et est une clôture langoureuse et errante. Bill Triglia joue du piano pendant que Clarence Shaw se lamentent sur sa trompette. Le duo complète le style de jeu de l'autre, créant une ambiance veloutée à en mourir. C'est une fin inégalée pour un album. C'est un café après un grand repas ; c'est une cigarette après le sexe.

The Black Saint and the Sinner Lady (1963)

Tout comme Mingus Ah Um, The Black Saint and the Sinner Lady a été reçu avec révérence. The Black Saint and the Sinner Lady est une œuvre d'art abrasive et querelleuse. On pourrait soutenir que cet album de big band tombe sous le coup de l'avant-garde, tout en restant fidèle aux caractéristiques d'un album de big band traditionnel.

Mingus a enregistré cet album avec une large gamme de musiciens talentueux, y compris Booker Ervin au saxophone ténor, et les arrangements ayant été concoctés par l'infâme Bob Hammer. Établir cette relation avec Hammer a été inestimable pour le développement musical personnel de Mingus. Il l'appellerait plus tard son “Beethoven.”

Une piste marquante serait “Group Dancers.” Jaki Byard a jeté les bases de cette chanson, avec un piano délicat et doux. Cela commence doucement, Byard dictant le rythme de la piste avec autorité. Après des moments de ce qui semble être une dérive, le rythme change radicalement et les cuivres s'introduisent dans la musique comme un taureau dans un magasin de porcelaine, brisant tout sur leur passage. En un instant, le chaos se calme et Jaki Byard nous ramène sur terre, nettoyant le désordre qui a été fait. C'est incroyable.

Les trois dernières pistes de cet album sont fusionnées en un seul mouvement et durent 17 minutes. Elles sont intitulées “Trio and Group Dancers,” “Single Solo’s and Group Dance” et “Group and Solo Dance.” Les trois pistes sont un fouillis bruyant qui descend souvent dans le chaos, avec des cuivres volants à gauche et à droite. Le big band s'unit pour créer un son énorme qui vous fait taper des pieds. Le groupe atteint un crescendo phénoménal, opérant à une vitesse fulgurante à peine entre laquelle vous pouvez taper du pied. Avant même de vous en rendre compte, le groupe ralentit complètement. The Black Saint and The Sinner Lady peut être épuisant, mais aussi exaltant.

Mingus Mingus Mingus Mingus Mingus (1963)

Une fois de plus associé à Bob Hammer, Mingus propose un album post-bop quelque peu dépouillé et tonitruant. Bien qu'un big band figure dans cet album, Mingus Mingus Mingus Mingus Mingus semble plus brut que les enregistrements précédents.

“II B.S” met en avant le puissant jeu de la contrebasse de Mingus. Il tire sur les cordes de sa contrebasse, posant une ligne de basse concrète pour le groupe, qui entre et sort lorsque Mingus le permet. Mingus est en plein contrôle, avec ce morceau exhibant toutes ses compétences tonitruantes. “Better Get Hit in Yo’ Soul” est du même acabit, et met en avant l'autre monde d'Eric Dolphy qui mène une section de cuivres qui prend son envol à travers ce morceau. Les solos sont brillants et effervescents, le groupe affichant une synergie et une confiance qui ne peuvent être cultivées que par des musiciens dirigés par Hammer et Mingus.

“Theme for Lester Young” est un morceau plus lent et somnambulant. C'est élémentaire, et empreint de caractère. De la première note à la dernière, vous vous sentez transporté. Lorsqu'il commence, vous êtes immédiatement transporté dans un bar enfumé de New York, et vous prenez un verre avec le regretté Lester lui-même. C'était une chanson conçue en mémoire de Lester Young, qu'il aurait adorée.

Mingus Mingus Mingus Mingus Mingus est souvent négligé, mais il ne devrait pas l'être. C'est un album post-bop confiant et bien poli qui mérite votre attention.

Let My Children Hear Music (1972)

Let My Children Hear Music est un magnifique morceau d'orchestration et ce que Mingus considérait être le “meilleur album” qu'il ait jamais réalisé. Au cours de cet album, Mingus a synthétisé avec les compositeurs et transcripteurs Sy Johnson, Alan Raph et Hub Miller. Ils ont aidé Mingus à créer une composition étanche allégeant une partie des pressions qui avaient précédemment causé une dépression chez Mingus et une rupture subséquente avec la musique.

Subséquemment, Let My Children Hear Music était un album qui prenait une approche différente des autres albums de Mingus. Bien que Mingus contrôlait le corps principal de la musique, il y avait plus de délégation impliquée lors de cet enregistrement et un apport consécutif d'autres personnes. Bien que la musique créée n'ait pas été fondamentalement nouvelle pour Mingus, les techniques de post-production, gérées par Teo Macero, offraient aux auditeurs un album de Mingus produit avec de nouvelles techniques et idées. Teo Macero utilisait habilement un cocktail de superpositions, d'effets sonores et d'échantillons existants pour créer une sensation profonde, cuivrée et brusque.

“The Chill of Death” est sublime, ressemblant plus à une bande originale pour un film d'horreur qu'au morceau de bop classiquement formé que vous vous attendez. La section de cordes est hantée, avec Mingus récitant un poème au-dessus de ces cordes qui vous donne des frissons.

“Hobo Ho” est un morceau de bop magnétique. Bobby Jones vous le fait ressentir sur son saxophone ténor, tandis que Joe Wilder et Lonnie Hillyer se battent avec des solos de trompette sauvages sur une piste de 10 minutes, qui ressemble à des musiciens de cuivres dans une bagarre musicale de bar. L'orchestration sur cet album est vraiment si bonne, et vous sentez que le soutien d'une si grande et imperméable orchestre donne au soliste une confiance qui illustre ses compétences.