Le nouvel album visuel de Washed Out aborde l'hyperstimulation intense d'aujourd'hui

C'est aussi un album visuel - en accompagnement de l'album, qui dure un peu plus d'une demi-heure, il y a un ensemble complet de visuels qui reflètent l'incapacité de se concentrer. « La musique joue un grand rôle pour me garder heureux et m'empêcher de perdre la tête », proclame une voix désincarnée que Greene tisse dans sa psychédélie enduite de crème solaire, offrant une méthode possible pour combattre la folie. Là où les morceaux précédents de Washed Out se concentraient sur les bonnes vibrations, les sons baignés de soleil ici donnent l'impression d'une tentative consciente de tenir à distance une obscurité toujours plus envahissante - des sujets stressants sont chantés calmement, imprégnés d'une sensation de sérénité et de grâce. Cela pourrait être le disque de Washed Out avec la perspective la mieux développée, et pas seulement parce qu'il a effectivement une perspective. Fraîchement arrivé d'un voyage en Europe, j'ai parlé avec Greene au téléphone depuis son studio à domicile à Atlanta, en Géorgie.

VMP : Vous vous êtes séparé de Sub Pop après avoir sorti deux albums avec eux. Mister Mellow a été sorti par Stones Throw Records, un label célèbre pour ses artistes orientés vers le beat. Comment avez-vous pris contact avec eux?

Ernest Greene : Je suis un grand fan du label depuis longtemps. Leurs artistes ont été une grande influence pour moi au fil des ans, et certains de mes albums préférés ont été publiés sur Stones Throw. À un certain niveau, ça a toujours été un rêve de travailler avec eux, et Mister Mellow me semblait avoir des caractéristiques alignées avec leur esthétique et les albums qu'ils ont tendance à sortir. Une fois que j'ai terminé mon précédent contrat, cela semblait juste être la bonne décision. Même si c'est principalement connu comme un label de hip-hop, ces dernières années ils ont sorti des albums très diversifiés. Pour moi, ils publient beaucoup de musique dont je suis fan, et je pensais que cet album y trouverait une bonne place.

Qu'est-ce que cela fait d'être à nouveau un agent libre?

J'ai assemblé l'album moi-même, et après qu’il soit terminé, je l'ai joué pour Stones Throw. Je l'ai aussi joué pour quelques autres labels, mais Stones Throw a toujours été en tête de liste pour moi. La partie la plus étrange de trouver un foyer pour l'album était basée sur le fait que son son est un peu différent et peut-être un peu plus hors des sentiers battus que les albums précédents de Washed Out. De bien des façons, c'est beaucoup plus expérimental que tout ce que j'ai fait auparavant, donc je ne savais pas comment il serait reçu lorsque j'ai commencé à le jouer pour les gens. Cela aurait peut-être été différent si c'était un album pop simple - les labels pourraient simplement parler de potentiel commercial ou autre. Je pense que c'est un album un peu bizarre, donc je me demandais si les labels seraient intéressés ou non. Heureusement, la réponse a été positive, et ce fut un grand soulagement. Mais il y a eu une période qui était définitivement un peu stressante.

Quelle a été l'inspiration derrière le fait de faire de Mister Mellow un album visuel?

Dès le début du processus, l'art visuel et certains types d'animations ont été vraiment influents pour moi lorsque je composais la musique pour l'album. En particulier, il y avait des animations expérimentales vintage des années 60 et 70 qui ont ce côté brut, collage-y qui m’a vraiment inspiré. En regardant les albums précédents que j'ai faits, ils ont été enregistrés de manière traditionnelle en studio, où j'essayais d'obtenir un enregistrement sonore aussi propre et parfait que possible, tout en produisant un son aussi large et complet que possible. Avec ce projet, l'idée était de faire complètement l'inverse. Je voulais qu'il ressemble à une esquisse brute qui aurait pris cinq minutes à dessiner, qu'il se sente brut et spontané. Ce genre de vibe a conduit la voie avec cet album. C'était une approche fraîche pour moi, et j'aimais l'idée d'être un peu négligé lorsque je composais ces chansons, peut-être un peu décalé de temps en temps, ajoutant au sentiment légèrement chaotique de certaines des pistes. Une fois que je me suis plongé de plus en plus dans le processus, j'ai eu ce moment « A-ha ! » où j'ai réalisé que je devais juste mettre ensemble les sons et les visuels qui les inspiraient.

Ceci est une image extraite de la chanson "Burnout Blues" de l'album visuel.

Comment avez-vous trouvé les collaborateurs pour la partie visuelle de l'album?

J'avais une liste d'animateurs dont j'étais grand fan que je suivais depuis un moment sur les réseaux sociaux. Je les ai contactés et j'ai eu une très bonne réponse. La belle chose est que bien qu'ils aient tous des styles très distincts, et même travaillent dans des domaines très différents de l'animation, tout leur travail partage cette qualité faite à la main, cette qualité humaine, que je sentais bien associée à la musique que j'avais faite. Et je pense que les deux parties du projet s'amplifient mutuellement d'une façon intéressante.

Quel genre de lignes directrices, s'il y en avait, avez-vous donné aux artistes qui ont travaillé sur les visuels de l'album?

J'avais une séquence approximative pour l'album au moment où j'ai commencé à contacter des gens pour leur demander s'ils voulaient faire partie de l'album. J'avais aussi une instinctive intuition sur quelles chansons fonctionneraient avec quels animateurs, en se basant sur leurs styles. Je leur attribuais une chanson et ensuite nous avions une brève discussion sur ce que la chanson signifiait pour moi et des idées potentielles pour aborder les visuels, parce que j'avais une idée générale de la manière dont je voulais que l'album évolue d'un point de vue visuel. Il n'y a pas de vraie narrative linéaire, c'est plus un sentiment qui relie tout ensemble. Et le truc cool est que chacun des artistes a un style si unique, et comme j'étais un si grand fan de leur travail, j'étais d'accord que leur laisser libre cours et faire ce qu'ils voulaient. Je pense qu'ils ont apprécié la liberté qu'ils ont eue. Habituellement, lorsqu'ils sont commandés pour un spot publicitaire ou quelque chose, c'est rare qu'ils aient l'occasion de faire leur propre truc, et je pense que le projet a fini par obtenir des visuels vraiment spéciaux car ils avaient de la marge pour s'exprimer.

Quelle a été votre réaction lorsque vous avez reçu les visuels de chaque artiste?

J'ai fait des vidéos dans le passé de manière plus traditionnelle, avec des acteurs. Et dans ces cas-là, il y a un certain degré de liberté dans le montage d'un projet de ce type. Vous pouvez passer par plusieurs tours de montage où de nombreuses perspectives différentes donnent leur avis et les choses peuvent changer. Mais le genre d'animation utilisé pour les visuels ici est si chronophage et orienté processus qu'il y a très peu de retour que vous pouvez donner en cours de route. Le produit fini est à peu près le produit fini dans de nombreux cas. C'était vraiment excitant et aussi un peu stressant d'attendre que ces vidéos soient terminées et de voir ce qu'avaient imaginé les animateurs. Et j'étais content que dans tous les cas, j'aie été époustouflé et surpris par ce que ces artistes avaient pu imaginer, et je pense qu'ils ajoutent beaucoup à la musique.

Il y a un thème récurrent tout au long de l'album concernant la surstimulation et le bombardement constant de stimuli sensoriels.

« Surcharge sensorielle » est une phrase que j'utilise assez souvent ces derniers temps pour décrire ce qui se passe dans notre vie quotidienne. Entre la famille, les amis et le travail, j'ai l'impression que nous avons très peu de moments de répit, et en plus, avec les réseaux sociaux et les flux d'actualités, nos cerveaux sont toujours en ébullition. J'aimais l'idée que la musique et les visuels puissent refléter cette sensation. Il y a tellement de couches dans les deux. Et je trouve plutôt drôle que ce soit mon album le plus court - un peu plus de trente minutes - parce que je pense que s'il avait été plus long, ça aurait été trop! Il faudrait faire une pause. Avec les visuels, il y a très peu de moments de pause, car il coule comme une mixtape. Vous n'avez jamais vraiment la chance de reprendre votre souffle.

Comment personnellement gérez-vous la surstimulation d'aujourd'hui?

Heureusement pour moi, la musique m'aide beaucoup à cet égard. Le processus de création musicale, je le fais depuis si longtemps que lorsque je m'assois et commence à travailler, je suis dans une zone où on ne pense même pas tant que ça, on fait juste les choses en temps réel, et cela m'aide énormément à bloquer le reste des millions de choses qui réclament mon attention. Mais se déconnecter du monde a été important pour moi. Que ce soit les week-ends ou les soirs par-ci par-là, j'essaie de me retirer et de lire un livre ou de faire quelque chose pour m'aider à prendre du recul par rapport à tous les stimuli qui nous bombardent constamment.