Musique dans les films et l'espace qu'elle aide à représenter

Il y a une émotion ésotérique à conduire sur une autoroute vide avec les fenêtres ouvertes alors que l'odeur du crépuscule s'infiltre dans votre voiture et que le soleil se couche à côté de vous, ou à s'asseoir un jour d'été sur une pelouse verte en observant vos alentours, tout en écoutant une chanson qui rend l'ambiance chanceuse. Il y a des films qui réussissent à transmettre ces moments méditatifs à l'écran, les rendant tangibles. Ils utilisent souvent de longs plans et une dimensionnalité qui nous permettent d'apprécier les couleurs, la composition, l'éclairage et les sons. Lorsque ces films ont des bandes sonores ou des musiques de fond qui s'alignent avec l'espace montré dans la composition, tous les cinq sens sont éveillés en ne se concentrant que sur deux, et c'est alors que nous oublions que nous sommes assis dans une salle sombre pleine d'inconnus et commençons à explorer leurs mondes.

Le spatialisme, un mouvement artistique fondé par l'artiste Lucio Fontana, cherchait à synthétiser la couleur, le son, l'espace, le mouvement et le temps en un nouveau type d'art. Fontana a dit : « Je ne veux pas faire une peinture ; je veux ouvrir l'espace, créer une nouvelle dimension, relier le cosmos, alors qu'il s'étend sans cesse au-delà du plan confiné de l'image. » Certains artistes ne peuvent qu'essayer de synthétiser tout cela en dehors du cinéma. Cependant, rien ne vaut la sensation d'être complètement absorbé par un bon film.

Les films suivants utilisent l'espace en harmonisant musique et image pour nous plonger plus profondément dans leur narration. Dans le livre de Robert Irwin, A Conditional Art, il dit : « Chaque jour, je fais l'expérience d'une série de choses qui surpassent tout art que j'ai connu. Elles ne sont liées à aucun être particulier et parfois — en fait, le plus souvent — elles ne durent qu'un moment. Leur continuité réside dans le fait que dans un moment, j'en vivrai une autre. Chacun de ces phénomènes perceptifs n'est pas fait d'une seule chose, mais plutôt d'un chevauchement compliqué, d'un tout interactif — parfois les parties convergentes de nombreux ensembles séparés. » Ces films utilisent une bande sonore musicale pour nous rappeler des moments éphémères et magnifiques.

Paris, Texas

« Le frisson de combiner musique et images m'a vraiment poussé à continuer davantage dans le processus de narration », a déclaré le réalisateur Wim Wenders. Wenders a perfectionné cette combinaison dans son film de 1984, Paris, Texas. Le film s'ouvre sur l'immensité des sables et des cieux bleus dans les déserts du Texas avec le protagoniste, Travis, errant avec une casquette de baseball rouge, tout seul avec un gallon d'eau. Accompagnant la vaste étendue, il y a “Paris, Texas” de Ry Cooder, une chanson minimaliste de blues slide guitar. Chaque note est éparpillée, vibrant à travers l'espace entre elles et résonnant à travers le paysage que nous voyons, faisant écho à la solitude de Travis. Cooder et Wenders nous le font clairement comprendre, nous ne sommes pas là pour échapper à la réalité de nos vies et émotions quotidiennes, mais plutôt pour y plonger.

Pendant les 26 premières minutes du film, Travis reste silencieux; la musique de guitare déchirante qui accompagne le visage de Harry Dean Stanton nous raconte une histoire à elle seule. Tout au long du film, il y a une abondance de silence. La guitare blues entre lentement quand l'atmosphère s'y prête, passant inaperçue alors qu'elle nous attire plus profondément pour ressentir les émotions de Travis alors qu'il est perdu et cherche quelque chose qu'il n'est pas sûr de trouver. Les images sont remplies de bleus et de rouges dans des paysages désertiques vides, faisant écho au sentiment de perte et de frustration de la musique.

La Femme des Sables

Un autre film qui vous enveloppe de frustration est le film existentiel du réalisateur japonais Hiroshi Teshigahara, racontant à nouveau le mythe de Sisyphe, La Femme des Sables, avec une musique du compositeur japonais Toru Takemitsu. Niki, un entomologiste, se retrouve piégé avec une femme à l'intérieur d'un énorme trou dans les dunes de sable au Japon après qu'il ait été invité à passer la nuit par des villageois qui l'ont conduit avec une échelle de corde. La femme le nourrit puis se met à creuser du sable après avoir eu une conversation amicale. Elle creuse, remplit des sacs de sable et les envoie aux villageois jusqu'à l'aube.

Le lendemain matin, il se réveille pour constater que l'échelle a soudainement disparu et un accord strident retentit. Les tentatives d'escalade du sable ne font que faire tomber encore plus de sable. La musique rend l'espace dans lequel se trouve le personnage beaucoup plus étroit et impose au spectateur le besoin de s'échapper.

La majorité des deux heures et demie du film est silencieuse; la musique ne joue que pendant peut-être 20 minutes au total. Chaque fois que le sable dégringole de manière imprévisible avec de magnifiques gros plans texturés des couches de sable, la musique joue et les sons déformés de drones, de cordes, de flûtes et de harpes se superposent et complètent les images, créant une accumulation de suspense.

Call Me By Your Name

L'espace représente bien plus qu'un simple lieu dans tous les films de Luca Guadagnino — c'est particulièrement évident dans “Call Me By Your Name” : l'espace entre les personnages, l'espace dans lequel ils se trouvent, l'espace dont ils ont besoin et l'espace qui nous est donné en tant que spectateurs. Le film nous place dans un paysage du nord de l'Italie où nous assistons à la romance secrète entre Oliver et Elio. Nous ne pouvons pas parler. Nous ne pouvons pas juger. Nous ne pouvons que nous asseoir et apprécier le sentiment de devenir amoureux de quelqu'un.

« Je pense que l'espace est un personnage dans mon film. Que ce soit l'Italie ou un autre endroit. Je tends à m'assurer que vous, en tant que spectateur, pouvez vivre le voyage d'un personnage par sa physicalité et non seulement par son parcours émotionnel. Comment comprendre quelqu'un si vous ne pouvez pas mettre en contexte la figure par rapport au paysage ? » a dit Guadagnino. La musique de Sufjan Stevens est aussi un personnage ajouté au film. Elle place le poids des émotions qu'Elio a ressenties tout au long de son été sur le spectateur pendant la dernière scène du film où Elio pleure devant la cheminée. Timothée Chalamet écoutait “Visions of Gideon” de Stevens à travers une oreillette pendant que la scène était filmée.

La musique mélancolique est une grande partie de la représentation de l'espace que nous voyons entre Oliver et Elio à travers la composition de la caméra. « Plus tard », dit Oliver alors qu'il s'en va, laissant Elio seul après lui avoir fait visiter Crema. À ce moment-là, nous entendons pour la première fois “Une Barque Sur L’océan from Miroirs” d'Andre Laplante ; de là, elle joue chaque fois qu'ils sont séparés alors que nous aspirons à voir Oliver et Elio ensemble. Les notes fluides remplissent la distance et créent un désir subtil pour Oliver chez le spectateur.

La musique dans “Call Me By Your Name” renforce la sensation de cueillir une pêche mûre et de la mordre, de voir la brise frapper les feuilles d'un arbre, de sauter dans une rivière froide au milieu de la nuit, tout en tombant amoureux. Quand la vie semble excitante et que le temps semble sans importance.

Il y a encore beaucoup d'autres films dont nous pourrions parler qui mettent en vedette des compositeurs tels que Brian Eno, Ryuichi Sakamoto et Angelo Badalamenti, qui ont créé des bandes sonores prouvant que le cinéma a le pouvoir de prendre deux sens et d'activer tous les cinq. Comme l'a dit Sakamoto, « pourquoi est-ce que je veux jouer beaucoup plus lentement qu'avant ? Parce que je voulais entendre la résonance. Je veux avoir moins de notes et plus d'espaces. Des espaces, pas du silence. L'espace est résonant, il continue de résonner. Je veux profiter de cette résonance, l'entendre grandir, puis le son suivant, et la note ou l'harmonie suivante peuvent venir. C'est exactement ce que je veux. »