Playlist personnelle : Jack Tatum raconte les histoires derrière quatre chansons de Wild Nothing

En 2009, Jack Tatum de Wild Nothing a téléchargé une reprise rêveuse de « Cloudbusting » de Kate Bush, qui s'est répandue comme une traînée de poudre d'un blog .mp3 à un autre. À l'époque, Tatum, âgé de 21 ans, était étudiant à Virginia Tech dans la tranquille Blacksburg, en Virginie, et travaillait d'arrache-pied sur son premier album en tant que Wild Nothing, Gemini (2010). L'attention d'Internet a conduit Captured Tracks à sortir le disque, qui était un excellent premier album plein qui mettait en avant la passion presque obsessive de Tatum pour la musique des années 80, comme Cocteau Twins et The Smiths. Mais plus que cela, il présentait un auteur-compositeur émergent capable de créer son propre monde vaporeux et nostalgique avec une oreille studieuse pour des mélodies intemporelles depuis sa chambre d'étudiant.

En raison de son talent et de son goût pour développer des refrains mémorables, il n'est pas surprenant que l'engouement initial des blogs .mp3 n'ait pas été un feu de paille. Au fil de quatre albums et d'une presque décennie de musique enregistrée en tant que Wild Nothing, Tatum a constamment perfectionné même les parties les plus captivantes de son premier album. Nocturne (2012), qui était le produit de son déménagement de Virginie à Savannah, en Géorgie, puis à New York, était une amélioration plus intentionnelle sur Gemini, en partie en raison du fait qu'il a été enregistré dans un véritable studio. Son retour en 2016, Life of Pause, enregistré à Los Angeles, a permis à Tatum d'élargir sa palette musicale grâce à une inspiration subtile de la musique soul, comme les mélodies vocales d'Al Green et Marvin Gaye. Indigo, son effort le plus récent via Captured Tracks, est celui où il se sent le plus confiant. Enregistré près de chez lui à Los Angeles, il regorge de chansons ayant des échos d'autres artistes comme Roxy Music ou Prefab Sprout, mais filtrées à travers une lentille qui est distinctement celle de Tatum. Maintenant résident à Richmond, en Virginie, Tatum a littéralement été incapable de rester au même endroit, pas seulement sur le plan sonore.

“Live In Dreams”, tiré de Gemini (2010)

Jack Tatum : J’ai choisi celle-ci pour plusieurs raisons. Je veux dire, c'est la première chanson de l'album, mais c'est aussi, si je me souviens bien, la première chanson que j'ai jamais écrite pour ce projet et cela me semblait un bon point de départ. Le fait qu’elle s'estompe dans l'album a toujours semblé être une excellente introduction à ce monde, vous savez ? J'aime les introductions progressives et les fins fondues, même si certaines personnes les détestent. Quand j'ai commencé à écrire le premier album, je vivais en Virginie, mais je passais l'été à Savannah, en Géorgie, parce que j'avais des amis là-bas à l'époque. Je traînais à Savannah et je restais dans le salon de mon ami, j'avais aménagé un espace d'enregistrement là. C'était la première chanson que j'ai créée.

À l'époque, je n'avais pas vraiment une idée claire de ce à quoi je voulais que le projet sonne, je faisais juste des choses au fur et à mesure et voyais ce qui se passait. J'étais obsédé par The Smiths à l'époque et l'impulsion était juste que je voulais écrire une chanson qui ressemble à « There Is a Light That Never Goes Out ». C'était essentiellement à ma manière de tenter de copier cette chanson, mais cela s'est finalement transformé en son de ce premier album, de manière involontaire. Et donc je pense qu’à travers la création de cette chanson, j'ai en quelque sorte créé un cadre pour le reste de Gemini d'une certaine manière. C'est en fait l'une des rares chansons de cet album dont je ne me lasse jamais de jouer.

VMP : Une chose à propos d'écouter “Live In Dreams” maintenant, c'est que la première ligne, “Sitting on the cigarette butt front porch” me ramène immédiatement à l'endroit où j'étais à l'université quand je l'ai entendu pour la première fois. As-tu cette même nostalgie transportative ?

Oui, c'est intéressant. Surtout juste après cet été et en vivant ici à nouveau, cela a définitivement ravivé beaucoup de souvenirs, évidemment. Cela a le même effet sur moi. Je n'écoute que rarement cet album ces jours-ci, plus que les autres albums, parce que ça me semble étrangement douloureux. Je le regarde maintenant et j'étais si naïf et tellement trop nostalgique à propos de tout dans ma vie, ce qui était vraiment le charme de cet album. Je le reconnais, mais il m'est difficile d'écouter mon disque parce que cela me ramène à cette période ou à cette personne que je ne suis plus. C'est une capsule temporelle parfaite pour moi, ce qui me met mal à l'aise.

“Nocturne”, tiré de Nocturne (2012)

Tu es retourné à Savannah après que Gemini ait décollé. Comment as-tu géré toute cette attention ?

C'était une année étrange. Il y avait tellement de choses dans ma vie à ce moment-là qui semblaient vraiment incertaines. Nous avons commencé à faire beaucoup de tournées sur Gemini, ce qui était tout nouveau pour moi. Je jouais dans des groupes à l'université et je travaillais sur ma propre musique depuis que j'étais enfant, mais vraiment pas à ce niveau. Nous avons commencé à faire des tournées pour Gemini à l'époque où l'album est sorti. Nous avons beaucoup tourné et j'ai décidé que je voulais déménager ailleurs et j'avais des amis à Savannah. Je suis donc parti en Géorgie et je tournais tellement que je n'avais jamais vraiment eu le temps de m'installer de beaucoup de manières. Je n'y ai vécu qu'une année et, en gros, j'étais soit en tournée, soit de retour en travaillant sur Nocturne. Cet album est devenu ma vie lorsque je vivais à Savannah et la seule chose que je faisait était de travailler sur ce disque.

Tu as dit dans des interviews à plusieurs reprises que tu étais très obsédé et un peu solitaire pendant sa création. Est-ce que cette concentration intense a vraiment coloré la façon dont tu perçois l'album maintenant ?

Oui, c'est sûr. Je ne sais pas si c'était un album plus solitaire que Gemini, même si j'ai fait tous mes débuts en solo. Le processus d'écriture de Nocturne était très isolé et dirigé par le fait d'être dans cet environnement nouveau où je n'avais jamais vraiment eu le temps de m'installer complètement ou de m'immerger dans la ville. Dans ce sens, je me suis complètement plongé dans l'écriture de cet album. À cette époque, j'ai établi ce précédent, que je ne voulais pas vraiment faire et qui est devenu un peu une habitude, mais j'ai réalisé que j'ai déménagé chaque fois que je suis sur le point de sortir un album. Je ne sais pas si je le fais inconsciemment ou si je le fais exprès, maintenant ou quoi. C'est drôle. J'ai déménagé à New York juste au moment où je terminais Nocturne, après cela, je suis parti à Los Angeles avant Life of Pause et maintenant avant Indigo, je suis à Richmond. Je ne sais pas, c'est bizarre.

Que te souviens-tu précisément de l'écriture et de l'enregistrement de la chanson titre ?

Pour certaines de ces chansons, je les ai choisies parce que, comme avec “Live In Dreams”, ce que cette chanson a fait pour Gemini, la chanson titre a fait pour Nocturne. Elle a établi ce précédent et fixé ce ton pour l'ensemble de l'album. Avec “Nocturne”, je me suis juste dit : « D'accord, c'est le son de l'album. » Ça arrive généralement lorsqu'il y a cette chanson et il y a juste quelque chose à propos de cela qui fonctionne et chaque chanson suivante tourne autour d'elle d'une certaine manière. Le démo original est également très fidèle à la façon dont il s'est terminé. D'une certaine manière, c'était moi essayant d'introduire plus d'éléments pop dans mes chansons. Ce n'est pas que le premier album n'ait pas eu des moments pop, mais je pense qu'avec “Nocturne”, je regardais Fleetwood Mac et essayais de comprendre pourquoi j'aime ce groupe autant et comment je peux écrire des chansons comme ça. Cela se résumait vraiment à ces structures de chansons pop et cela devenait très important pour moi. J'ai toujours été un fan des structures classiques couplet/refrain et de trouver un moyen de le faire pour que je ne ressente pas vraiment le besoin de jouer avec. Ça fonctionne simplement.

“Whenever I”, tiré de Life of Pause (2016)

Cette chanson n'a pas été sortie en single, mais en regardant les chiffres de streaming, c'est la favorite des fans de l'album.

J'avais un pressentiment à propos de cette chanson quand je l'ai écrite. Quand elle était à l'étape du démo, elle avait un son un peu différent et je ne savais pas si je pouvais l'inclure dans l'album. Pour moi, quand je l'ai écrite pour la première fois, je pensais qu'elle ressemblait à une chanson pop grand public, du moins telle qu'elle était dans le démo. J'ai peut-être trop réfléchi à cela. Rétrospectivement, il y a toujours des chansons où je pense qu'elles auraient dû être des singles. C'est à la fois décourageant mais encourageant de voir que cette chanson en particulier a eu un tel bon streaming basé sur rien d'autre que le fait que des fans l'aiment. C'est incroyable à voir mais je ne peux m'empêcher de penser qu'elle aurait dû être un single.

C'est aussi ma chanson préférée de l'album, pour plusieurs raisons. J'aime qu'elle ait un hook plutôt intentionnel dans le refrain. J'aime que ce soit une chanson pop qui ait aussi des racines dans beaucoup de disques soul et R&B que j'écoutais. J'adore toujours ces disques, mais surtout quand j'ai créé cet album, j'étais beaucoup plus dans The Isley Brothers, le Philadelphia Soul, les Delfonics et ce genre de choses. J'avais abandonné toutes ces références des années 80 pour l'instant et je me demandais comment je pouvais faire quelque chose de différent avec cet album.

Qu'en est-il de ces disques ?

Je pense que cela se résume à la mélodie. Ce qui m'attire dans ces disques, ce sont les mélodies vocales et la formation de bons refrains à travers les mélodies. Je pense que c'est aussi le fait que ces disques sonnent tellement joliment mais qu'ils ne sonnent pas trop bien. Il y a quelque chose dans la façon dont tout cela fonctionne avec les mélodies, l'instrumentation et la production. J'apprécie beaucoup plus les compétences techniques maintenant que je suis plus vieux et j'apprécie de plus en plus d'entendre ces musiciens de studio.

Une chose que j'adore dans cette chanson, c'est à quel point les paroles sont ambiguës. Surtout les lignes, “And I thought you’d be good for me / But I know what you are now.”

Je me surprends à faire cela souvent et je ne sais pas si c'est vraiment intentionnel. Je pense qu'une partie de cela, c'est un reflet de ma propre expérience. Que cela soit directement lié à quoi que ce soit dans ma vie ou non, je pense que c'est vrai par rapport à la façon dont les choses sont, vous savez ? L'amour n'est jamais si simple. J'ai l'impression que l'amour n'est jamais si simple. Vous pouvez avoir des sentiments compliqués. C'est toujours une question de tapoter dans cette zone grise. C'est là que se situe mon intérêt.

Quoi qu'il en soit sur les opinions des gens concernant cet album, j'aime vraiment Life of Pause. Je pense que beaucoup de fans ne savaient pas quoi faire avec cet album, mais je sens que j'aurai toujours cette chanson. Cette chanson était la parfaite encapsulation de ce que j'avais l'intention de créer. “Whenever I” n'est pas seulement une chanson favorite de cet album, mais c'est probablement l'une de mes chansons préférées que j'ai jamais écrites.

“Wheel Of Misfortune”, tiré de Indigo (2018)

Dans les documents de presse de cet album, tu es cité en disant : "Ma vie est devenue moins une question de courir après ces élans créatifs et plus de savoir orienter ma créativité.” Que voulais-tu dire par là ?

Ce que je voulais vraiment dire par là, c'est qu'au début, écrire des chansons pour moi était plus une question d'attendre qu'une grande idée me frappe et ensuite je sautais dessus. Beaucoup des chansons de Gemini étaient comme ça, où j'avais une idée et je l'enregistrai en une journée puis je passais à autre chose. Il pouvait même y avoir quelques semaines où je n'enregistrais ou ne travaillais sur rien. Alors qu'avec cet album, j'ai enfin mis en place un espace de studio à Los Angeles, qui était un peu séparé de ma maison, donc les choses devaient être plus intentionnelles. C'était étrange. Cet album était beaucoup plus axé sur l'établissement d'un calendrier de créativité, ce qui peut sembler vraiment ennuyeux, mais c'était en fait vraiment intéressant et juste une façon différente de travailler. C'était juste comme : « D'accord, je vais aller au studio pour travailler un petit moment et voir ce qui en sort. » Je pense qu'en le faisant, cela a légèrement changé les choses en essayant d'être toujours créatif au lieu d'être créatif uniquement lorsque le moment se présentait.

Alors pour rebondir là-dessus, comment s'est passée l'écriture de “Wheel of Misfortune ?”

C'est un peu drôle. J'ai choisi celle-ci parce que, d'une certaine manière, la création de cette chanson était un peu séparée de cette mentalité : C'était l'une des seules chansons de l'album que j'ai écrites en une seule session. J'étais juste chez moi et je pense que mon colocataire de studio, avec qui je partageais mon espace à L.A., utilisait le studio, donc j'étais juste chez moi. J'ai écrit cette chanson sur une guitare acoustique, ce que je fais rarement sauf pour peut-être une ou deux par album. J'ai commencé à gratter quelques accords et à écrire les paroles, ce que je fais aussi rarement. Je suis un tel procrastinateur quand il s'agit des paroles. C'était juste une chanson qui s'est mise en place très rapidement et je en suis vraiment fier.

Pour moi, cela ressemble à une chanson pop classique. Elle a toutes les choses dans mon esprit que j'aime en écoutant des groupes comme Fleetwood Mac ou Prefab Sprout ou tout point de référence que je recherche constamment pour de l'inspiration. C'est très concis. Elle a aussi un peu cette zone grise dans les paroles où je pense personnellement à cela comme une chanson encourageante sur l'amour, mais elle a aussi l'ambiance où tout le monde va se prendre des coups. Cela peut aussi être cynique par rapport aux choses. C'est à chacun d'en décider, ce qui est toujours amusant.