Un aperçu du flamenco

L'histoire du flamenco est aussi captivante que la musique elle-même. Les Roms, toujours nomades, sont arrivés en Espagne il y a plus de 500 ans, apportant avec eux les innombrables influences culturelles rencontrées en chemin. Les influences asiatiques et est-européennes qu'ils ont apportées se sont mélangées aux cultures arabe, juive et chrétienne, alors très présentes dans le sud de l'Espagne. Le flamenco est né comme l'expression culturelle des Roms dans la péninsule ibérique. La musique rom, tout comme les gens eux-mêmes, a été largement exclue de la culture espagnole générale pendant des siècles. Persécutés et marginalisés, les Roms se sont isolés et ont gardé le flamenco pour eux, le jouant seulement lors de rassemblements et d'occasions festives. Ce n'est qu'au 19e siècle que les voyageurs romantiques de toute l'Europe ont commencé à s'intéresser au genre, transformant finalement – et ironiquement – cette forme d'art négligée en une source de fierté nationale et d'identité pour les Espagnols.

Le flamenco est en grande partie un genre collectif. Les bailaores (danseurs), cantaores (chanteurs) et tocaores (guitaristes) se nourrissent des forces des uns et des autres et donnent vie à la musique avec leurs mains, leurs pieds et leurs voix. L'improvisation joue un rôle important dans les performances, les artistes laissant l'émotion du moment particulier dicter la direction de la musique. En dépit de la nature spontanée du genre, les performances suivent des structures préétablies qui empêchent les spectacles de tomber dans le chaos. Les styles traditionnels appelés palos établissent un modèle rythmique, harmonique et lyrique pour les chansons à suivre. Pensez-y comme les blues à 12 mesures : bien qu'il y ait des éléments facilement discernables que toutes les chansons partagent, il y a de la place pour la personnalité et les idées de l'artiste. La plupart du temps, le palo d'une chanson particulière est mentionné dans son titre, tandis que d'autres chansons n'auront pas de titre propre et seront identifiées uniquement par le style dans lequel elles sont interprétées. Énumérer tous les palos ici serait presque impossible, et bien que la structure établie par chacun d'entre eux puisse être difficile à comprendre, les styles les plus courants sont facilement reconnaissables par leur caractère. Les alegrías sont joyeuses et bien adaptées à la danse, les bulerías sont rythmées et passionnées, tandis que les saetas et les soleares sont dramatiques et étranges.

L'immensité de l'univers flamenco rend difficile le choix de seulement quelques artistes et albums. Bien que la liste suivante ne soit en aucun cas une liste définitive de tous les musiciens dignes de votre attention, c'est un bon point de départ pour comprendre le genre et son évolution artistique. Allez-y et profitez de certaines des meilleures musiques espagnoles jamais interprétées, et laissez ces artistes et albums vous entraîner dans le monde du flamenco.

La Niña de los Peines

Le poète espagnol Federico García Lorca – un fervent amateur de flamenco – a un jour décrit la voix de La Niña de los Peines comme étant faite d'ombre et d'étain fondu. Bien que de telles dénominations puissent sembler beaucoup trop ésotériques pour être une véritable description de la voix de quelqu'un, la métaphore prend tout son sens une fois qu'on écoute sa musique. Pastora Pavón Cruz – La Niña de los Peines – avait une capacité unique à dépouiller les chansons jusqu'à leur forme émotionnelle la plus élémentaire. En ajustant la forme de ses lèvres et en alternant entre ses tons nasaux et thoraciques, La Niña régulait le timbre de son chant pour influer le sentiment requis pour chaque ligne d'une chanson. Dans un affichage de pure virtuosité, elle fait traverser l'auditeur par une myriade de stades sentimentaux, exprimant une vie entière d'émotions même dans une simple lamentation sans paroles. Un témoignage de son talent et de son influence uniques est le fait que dans un genre dominé par les chanteurs masculins, le nom de La Niña de los Peines est un nom que personne n'hésite à mentionner lorsqu'on parle des plus grands cantaores de tous les temps. Les albums compilés tels que La Edad De Oro Del Flamenco-IV sont une vitrine parfaite de la capacité de La Niña à dépeindre les luttes de la femme andalouse comme personne d'autre ne le peut.

Antonio Mairena

Il est certain que le flamenco ne serait pas le même aujourd'hui sans Antonio Mairena. Figure de proue de la transition du flamenco d'une expression folklorique interprétée dans l'intimité des célébrations familiales à une forme d'art établie, il a plaidé pour la préservation des plus anciennes traditions du genre. Mairena affichait un engagement artistique que très peu avaient montré avant lui, plongeant profondément dans l'histoire du flamenco et redonnant vie aux palos et aux compositions qui avaient été longtemps perdues dans la tradition orale des Roms. Outre son rôle dans la préservation du flamenco, c'est la voix captivante de Mairena qui lui a valu une place parmi les plus grands du genre. Des albums comme Cantes de Antonio Mairena et La gran historia del cante gitano andaluz capturent le vibrato puissant et la précision microtonale du cantaor à son apogée, transformant même les mélodies les plus simples en déclarations émotionnelles fortes de douleur et de joie.

Camarón

José Monje Cruz – plus connu sous son nom de scène Camarón – est sans doute la plus grande star que le flamenco ait jamais eue. En plus du chant abandonné et ardent commun au genre, Camarón était capable de chanter avec retenue et délicatesse, alternant les approches dans une quête pour tirer le maximum de chaque composition. Son chant personnifiait la pleine maîtrise et le raffinement du genre : toutes les qualités viscérales qui rendaient le flamenco si unique au départ étaient encore là, mais cette nouvelle itération polie du genre montrait un sens de la nuance qui était nouveau pour cette forme d'art. Des albums comme Como el agua ont montré sa compétence inégalée et capturé l'intérêt du plus grand public que le genre ait jamais eu. Sa déclaration artistique la plus marquante est cependant l'album emblématique La leyenda del tiempo. Initialement vilipendé par les cercles de flamenco très conservateurs pour sa fusion de rock, de jazz et de musique du Moyen-Orient, cet album signifiait la conquête de la tradition du genre et ouvrait les portes à des explorations au-delà de ses limites.

Paco de Lucía

Il y a une bonne raison pour laquelle le guitariste de jazz influent John McLaughlin a mentionné Paco De Lucía dans la même phrase que Miles Davis et Igor Stravinsky lorsqu'il discutait des plus grands musiciens du 20e siècle. Il y a eu plusieurs guitaristes de flamenco virtuoses – Sabicas, Diego del Gastor et Tomatito viennent à l'esprit – mais aucun autre n'a eu l'impact que Paco De Lucía a eu sur le genre. Bien que riche et unique pour ses performances ardentes, le jeu de guitare flamenco manquait de raffinement et de nuance avant De Lucía. Paco a apporté la technique polie de la guitare classique et l'harmonie du jazz au genre, changeant à jamais le cours du flamenco. Les accords flamboyants et les coups percussifs du genre ont soudainement été rencontrés avec de beaux arpèges, des trémolos rapides et des accords complexes pleins de couleur et de sentiment. Pour avoir un aperçu de ce que Paco était capable de faire, écoutez Almoraima et Fuente y Caudal, ou plongez dans ses explorations de flamenco-jazz aux côtés d'Al DiMeola et John McLaughlin lui-même.

Le Flamenco Aujourd'hui

Bien que le flamenco soit un genre fortement associé à la tradition, il ne s'agit en aucun cas d'une expression artistique exclusivement passée. Une fois les vannes de la fusion ouvertes, il n'y avait plus de retour en arrière. De multiples itérations du genre ont vu le jour depuis les années 80, contribuant davantage à l'évolution et à la croissance de l'idiome. Le flamenco n'est plus limité aux Roms ni même aux habitants du sud de l'Espagne. La musique de ces artistes devient de plus en plus nuancée, multiculturelle et multi-thématique, diversifiant les sujets lyriques d'un genre qui traitait généralement uniquement de la tristesse, de la douleur et de la joie. La jeune chanteuse Rosalía est devenue une sensation internationale avec son approche modernisée du flamenco, incorporant des éléments de pop, de hip-hop et de musique alternative aux éléments mélodiques et esthétiques pour lesquels le genre est connu. El Niño de Elche, comme elle, cherche à garder le flamenco vivant en brisant les règles qui restreignaient le genre dans le passé. L'instrumentation électronique, le spoken word et le krautrock façonnent tous la musique d'El Niño tout en adhérant aux palos orthodoxes qui le relient à l'essence même du flamenco. D'autres artistes, comme Diego El Cigala, affinent le chant traditionnel du genre et l'introduisent dans de nouveaux contextes tels que ceux du jazz et de la musique latine. Que ce soit en actualisant son son et en le fusionnant avec des expressions musicales contemporaines ou en perfectionnant ses canons les plus traditionnels, les artistes de notre époque prouvent que les possibilités artistiques du flamenco sont loin d'être épuisées.