Une interview avec Haruomi Hosono, le Brian Wilson du Japon

Comment vous sentez-vous à l'idée de voir votre musique être diffusée en dehors du Japon ? Avez-vous déjà eu le désir de réussir à l'étranger ?

Haruomi Hosono : Nous vivons à une époque où nous pouvons facilement revenir en arrière et redécouvrir la musique du passé, et personnellement, j'aime découvrir des raretés enfouies, dans un sens archéologique. Cela dit, je suis surpris de voir qu'il y a un intérêt pour mes propres albums maintenant, et en même temps, je voudrais dire merci aux personnes qui veulent les éditer. Avec Yellow Magic Orchestra dans les années 80, nous pensions davantage au marché étranger qu'au Japon. En même temps, nous avions l'impression de nous adresser aux quelques amateurs de musique spécifiques qui existent dans chaque pays. C'est le genre d'aspiration que nous avions avec YMO. La raison étant qu'avant cela, avec mes albums solo, je travaillais de manière très insulaire, en créant ce que je voulais. La musique n'était pas tournée vers l'extérieur ; elle était plutôt introspective. Ce genre de musique ne touche pas beaucoup de gens. J'avais l'impression qu'il aurait été difficile de continuer à faire de la musique de cette manière ; c'est pourquoi j'ai misé sur l'équipe que nous appelions YMO.

Qu'est-ce qui vous a poussé à jouer à l'étranger maintenant, après toutes ces années ?

Avec ces concerts, j'ai l'impression d'aller avec le courant, comme si je disais : « Voyons ce qui se passe. » Dans le passé, je n'aimais pas vraiment jouer en live, mais depuis environ 10 ans, pour une raison quelconque, j'ai joué en live de façon constante et j'ai commencé à y prendre du plaisir. Mais il y a le conflit de ce que j'appelle la « schizophrénie musicale » dont les baby-boomers au Japon sont toujours tourmentés - même si ma musique est comprise au Japon, je sens que ce ne sera pas le cas avec le public occidental. Donc, il est difficile de trop s'enthousiasmer à l'idée de jouer à l'étranger. Cela dit, lorsque j'ai joué pour la première fois à Taïwan et à Hong Kong en janvier dernier, j'ai été impressionné par la compréhension qu'ils avaient de ce que je faisais, bien plus que ce que je pensais. Maintenant, je pense que je serais à l'aise en Asie. Je ne sais pas entièrement à quoi m'attendre à Londres, donc je suis un peu plus inquiet qu'autre chose. Pour être honnête, plus que de jouer simplement à l'étranger, j'ai le désir de jouer dans un petit café quelque part comme à Brooklyn. Plutôt que de crier devant un public de taille inconnue, je préfère faire quelque chose de plus modeste et à plus petite échelle.

Apryl Fool, Happy End, YMO, artiste solo, musicien de studio, auteur-compositeur, producteur - vous avez assumé de nombreux rôles en tant que musicien. Lequel préférez-vous ? Parmi tous les projets auxquels vous avez participé, lequel est votre préféré ?

J'aime être en session en studio avec des gens avec qui je m'entends bien, comme au Muscle Shoals. Faire partie d'un groupe est comme tout plan ou projet, et cela apporte des relations tendues et des responsabilités. J'ai pu gérer ce genre de stress dans le passé, mais je ne veux plus de cela maintenant. Et comme j'ai réalisé que je ne suis pas aussi compétent que je le pensais, je ne veux pas me surmener et essayer de faire quelque chose juste pour le plaisir. Quel rôle me convient le mieux ? Ce serait écouter de la musique. Si je peux ajouter à cela, ce n'est pas seulement écouter de la musique, mais aussi distinguer tous les différents aspects de la musique.

Vous avez une incroyable carrière en tant qu'auteur-compositeur, non seulement pour vos propres disques mais aussi pour d'autres artistes. Mais récemment, vous avez dit qu'au lieu d'écrire de nouvelles chansons, il est plus important de reprendre les chansons des autres pour les préserver. Pourquoi cela ?

Il y a autant de magnifiques chansons du XXe siècle occidental qu'il y a d'étoiles. Je suis heureux d'écouter ces chansons chaque jour. Bien sûr, je n'ai pas perdu mon désir d'écrire de nouvelles chansons moi-même, mais il y a déjà tant de chansons classiques dans ce monde, je pense qu'il est plus important de les chanter pour les préserver. Les gens aujourd'hui ont tendance à oublier ces choses, donc parfois, on a l'impression que la musique est une espèce en voie de disparition. Nuances, groove, acoustique - il y a déjà beaucoup d'aspects qui ont été perdus.

Que pensez-vous des autres artistes qui reprennent vos chansons ?

Je deviendrai moi-même un jour une espèce disparue, donc je serais reconnaissant s'il y a quelqu'un qui peut perpétuer cela.

Vous avez mentionné que vous n'avez jamais aimé chanter jusqu'à récemment. Pourquoi cela a-t-il pris 50 ans pour en arriver là ?

Parce que je ne suis pas bon en chant. Mais il y a environ 10 ans, j'ai réalisé qu'il était amusant de chanter des chansons que j'aime.

Depuis votre jeune âge, vous êtes fasciné par la culture populaire américaine, comme la musique country, les films occidentaux, la musique pop de la côte Ouest. Qu'est-ce qui vous a conduit sur cette voie ? Est-ce lié à l'ère de l'Occupation japonaise ?

Quand je suis né deux ans après la fin de la guerre, c'était dans la capitale d'un pays vaincu — Tokyo. Le quartier général du GHQ était là, et l'américanisation déferlait sur le Japon. Mais beaucoup de grands films et de la musique en découla, et quand j'avais environ 4 ans, j'écoutais sans cesse de la musique boogie-woogie sur des 78 tours. Il y avait beaucoup de musique militaire et de rokyoku, mais je choisissais toujours la musique swing ou Disney pour moi-même. Pendant mes spectacles en direct au Japon, je murmure toujours sur la manière dont le GHQ m'a lavé le cerveau pour jouer du boogie-woogie.

Quelles ont été vos premières impressions en venant en Amérique - était-ce différent de ce que vous aviez imaginé ? Que pensez-vous de l'Amérique aujourd'hui ?

Nous avons enregistré au célèbre studio Sunset Sound, fait une session avec Van Dyke Parks, observé Little Feat enregistrer Dixie Chicken - c'était une expérience d'apprentissage importante. À part cela, nous avons acheté une tonne de disques et mangé beaucoup de hash browns chez Denny's. J'avais 22 ans à l'époque. Pourquoi les disques américains sonnent-ils si bien ? Est-ce l'électricité ? Est-ce les champs magnétiques ? Ce sont le genre de questions que nous nous posions chaque jour. À l'époque, l'Amérique semblait tellement éloignée du Japon culturellement, et j'avais une forte admiration pour elle. Mais plus maintenant. C'est pareil pour le Japon aussi. Je me demande ce qui a tant changé...

Vous avez qualifié Van Dyke Parks de « sensei ». Qu'avez-vous appris en tant qu'élève de sa part ? Quel genre d'Amérique avez-vous découvert en écoutant son album Discover America ?

Ce que j'ai appris du maestro, c'est la méthode de superposition des différentes couleurs de sons une par une, en faisant de la musique comme un peintre. Discover America m'a appris comment la musique en Amérique a été grandement enrichie par sa culture hybride, prenant des indices de la musique caribéenne ou créole, par exemple.

Quelle est pour vous la plus grande source d'inspiration musicale : le monde imaginaire vu à travers le prisme des films Hollywoodiens et de l'exotica que vous aimez depuis votre jeunesse, ou le monde réel que vous voyez devant vos yeux ?

Vivre au sein de la société est la réalité pour les êtres humains - et cette société peut nous inhiber. Mais relativement parlant, nous avons une certaine liberté dans notre temps personnel. Lorsque je conduis une voiture, par exemple, j'aime penser que nous avons encore la liberté d'aller n'importe où. Mais même alors, les voitures ne peuvent pas sauter à travers le temps. Nos cœurs, cependant, ont la capacité de voler jusqu'au bord de l'univers. C'est le monde de l'inspiration. L'exotica m'a offert un sentiment de libération du cadre de la réalité.

Il semble que votre « trilogie tropicale » et YMO dans son ensemble étaient conceptuels en ce qu'ils exploraient comment le Japon était perçu à travers les yeux de l'Occident. En d'autres termes, renverser le script de « l'orientalisme » et l'exprimer à travers la musique d'un point de vue japonais. Pourquoi vous intéressiez-vous à ce genre de perspective subversive ?

Dans le passé, la musique de chaque pays avait sa propre couleur. Mais dans les années 80, la musique faite avec des synthétiseurs et des programmations émergeait au niveau de la ville et Tokyo n'était pas différente. Mais la société de l'information a rendu ces individualités au niveau de la ville pratiquement insignifiantes. Maintenant, c'est soit de la musique globale, soit un genre de musique très personnel créé par l'enregistrement en chambre. À l'époque du YMO, plutôt que de chercher l'inspiration à l'étranger, il était plus amusant pour nous de rafraîchir notre perspective sur notre propre maison de Tokyo. C'est le même genre d'excitation que les touristes ressentent lorsqu'ils visitent Tsukiji à Tokyo ou entrent dans un salon de pachinko. Donc ce n'était pas de l'orientalisme ; c'était une aspiration au chaos. Je pense que les gens ont tendance à être attirés par le chaos dans l'ordre, ou l'ordre dans le chaos.

YMO a été décrit comme le son de Tokyo. Comment décririez-vous le son de Hosono ?

Travailler avec un groupe ou en tant que producteur est similaire à travailler avec une équipe de design. Mais la musique que je fais pour moi-même est plus comme le travail d'un peintre ou d'un sculpteur. En utilisant des instruments comme une palette, j'empilerais des couches de son ou les enlèverais. Donc, c'est juste ma propre musique personnelle.

Vous avez mentionné que vous êtes attiré par un mélange de différentes cultures, comme dans la musique de la Nouvelle-Orléans. En ce sens, que pensez-vous de la culture japonaise, qui ne semble pas aussi diversifiée par rapport à certaines grandes villes américaines ?

Dans les années 1950, de la musique intéressante était créée partout dans le monde, y compris au Japon. C'était une époque où tous les grands styles de musique s'influençaient mutuellement. Au Japon, il y avait une forte influence mambo, inventant même un nouveau rythme appelé « Dodompa ». Les musiciens de la Nouvelle-Orléans étaient influencés par des chansons comme « What I’d Say » de Ray Charles, et incorporaient de nouveaux sons dans leurs styles locaux. Là où naît la musique est toujours accidentel, recherchant le plaisir, simple et clair, et il n'y a jamais de difficultés.

Vous avez toujours eu un intérêt pour les technologies les plus récentes et les avez intégrées dans votre musique. Est-ce toujours le cas maintenant ? Que pensez-vous des derniers synthétiseurs et instruments logiciels ?

Malheureusement, je suis désillusionné. Au début des années 2000, les PC étaient encore flexibles, et il y avait de nombreux plug-ins intéressants. Maintenant, les systèmes sont tellement contrôlés que les outils que j'avais l'habitude d'utiliser commencent à mourir à chaque mise à jour de l'OS. Nous avons maintenant des fichiers sonores de haute qualité, et vous pouvez même créer des orchestres réalistes avec eux. La CG a connu la même évolution. Mais l'outil que je veux maintenant est le premier Emulator. Je l'ai utilisé pour créer l'album Philharmony, ce qui serait impossible à faire maintenant. J'aimais les sons basse résolution contenus dans les grandes disquettes, mais je n'ai plus l'équipement pour les décoder. Je n'ai pas l'énergie en moi pour raviver cela. Mais je suis sûr qu'il y a des fichiers sonores comme ça. Je vais les chercher. En passant, j'utilise des vieux micros RCA pour des enregistrements récents. Mais c'est mixé à 96khz. L'entrée est des années 40, et la sortie est la plus récente - c'est comme ça.

Parmi tous les instruments que vous avez utilisés pour faire de la musique, lequel est votre préféré ?

Une guitare acoustique et une guitare espagnole que j'ai beaucoup utilisées récemment. La première est un modèle Gibson « Nick Lucas » des années 1930. La seconde a été fabriquée sur mesure par un merveilleux luthier à Tokyo, avec un manche fait pour s'adapter à mes mains et un design similaire à la fameuse guitare Arcangel que j'adore. Elle a un son magnifique. Oh, et je ne peux pas oublier cela - je suis principalement bassiste. Je chéris ma Fender Jazz Bass de 1964.

Que pensez-vous du fait de regarder en arrière votre passé ?

Le passé vous rattrape toujours. Mais il n'est pas bon d'avoir trop d'intérêt pour soi-même. Il doit être laissé de côté.

Vous avez mentionné que venir avec des noms de groupes est un passe-temps à vous. Quel est le nom de votre prochain groupe ? Avez-vous de bons noms de groupes que vous n'avez jamais utilisés ?

Je m'en suis lassé. Je me lasse de la plupart des choses. Mais je prends toujours des notes de mots qui pourraient devenir de bons titres de chansons. Et ce pourrait être bien de former un groupe. Avec mon nom caché. Vais-je m'en lasser aussi ?

Quel est votre prochain projet ?

Argh, je ne suis pas bon avec l'idée de projets. Je n'ai jamais pu planifier ma vie. Il y a maintenant plus de passé que de futur, donc je ne peux pas penser trop en avant. Si je peux cacher mon nom, je jouerais avec une unité techno. Mais je ne le ferai probablement pas. Qui sait ? Je ne suis pas vraiment sûr.

En dehors de la musique, qu'est-ce qui vous passionne en ce moment ?

La physique théorique, comme la théorie quantique et la théorie des supercordes, qui nous demandent combien de personnes peuvent connaître le monde. En d'autres termes, je ressens la « Fin du Monde » chaque jour. Comme vous le savez, vivre ici à Tokyo, les tremblements de terre se produisent fréquemment.