Une interview avec Hrishikesh Hirway du podcast Song Exploder

Bien versé dans la résolution de problèmes et l'expérimentation impliqués dans l'écriture de chansons, le musicien et producteur basé à Los Angeles a été inspiré pour créer Song Exploder après avoir passé du temps à travailler sur des remix de ses pairs. Écouter des pistes isolées a donné à Hirway une nouvelle perspective. Chaque épisode durant un peu moins de 20 minutes, Hirway s'efface de la conversation, permettant des résultats remarquablement concentrés et approfondis. Bien que la musique reste le centre de l'émission, Song Exploder est une écoute rafraîchissante pour quiconque cherche à accéder à son esprit créatif.

Vinyl Me, Please: Song Exploder donne l'impression de vivre à l'intérieur des notes de couverture d'un album. Cela faisait-il partie de l'inspiration pour le podcast ?

Oui, en fait. Le premier moment que je peux retracer à un sentiment de vouloir Song Exploder est venu en lisant les notes de couverture de Things Fall Apart par les Roots. Questlove avait écrit quelque chose dans les notes de couverture sur la façon dont il avait obtenu ce son de batterie qu'il cherchait depuis si longtemps. Malicieusement, il ne dit pas comment il a obtenu ce son de batterie... J'aimais le son particulier dont il parlait et je voulais approfondir cela. Ce n'était que quelques phrases. Il avait écrit quelques phrases pour chaque chanson et c'était tout ce que j'avais de ça. J'aurais lu un chapitre entier d'un livre rien que pour ça. Dans le fond de mon esprit, c'était une sorte de principe directeur pour comment je fais Song Exploder ou ce que j'espère que les autres en tireront.

Une fois que vous avez un artiste confirmé, comment décidez-vous quelle chanson sera mise en avant ?

C'est simplement une conversation en réalité. Cela dépend de l'artiste et de la situation. Souvent, il y a un nouveau disque qu'ils vont promouvoir, donc naturellement ils voudront peut-être parler d'une chanson de ce disque. Parfois, il y a des artistes où je dirais « Hé, voici une chanson que j'adorerais discuter avec vous, seriez-vous ouvert à cela. » Parfois ça marche, parfois j'approche quelqu'un et je dis que j'aime cette chanson, je pense qu'elle serait formidable pour Song Exploder et il revient en disant que cette chanson a une bien meilleure histoire, pouvons-nous en parler. Bien sûr, ils en savent mieux que moi. J'essaie juste de me baser sur ce que j'entends. Il n'y a pas de processus établi pour déterminer cela.

Comment vous préparez-vous pour vos interviews ?

Tout tourne autour de la chanson elle-même. J'obtiens les stems de l'artiste et je passe du temps à écouter la différence entre ce que je peux découvrir dans les stems et ce qu'il y a dans le mix final. Souvent, les choses que je pense être les meilleurs moments de l'émission sont ce que je découvre uniquement grâce aux stems. J'écoute et je réalise qu'il y a des choses que je n'avais jamais entendues dans cette chanson et j'essaie ensuite de centrer certaines de mes questions autour de ces sons. Ce qu'ils sont et les mettre en avant. Souvent ce sont soit des secrets, soit ils sont là pour une raison. Même si vous ne pouvez pas les entendre clairement, il y a une raison pour laquelle ils sont dans la chanson.

Les artistes semblent très à l'aise de parler avec vous. Cela aide-t-il que vous soyez d'abord un fan et non un critique ?

Je ne pense pas à moi-même comme un fan d'abord. Je ne dirais pas que c'est ainsi que je m'engage avec eux, mais je ne dirais pas non plus que je suis un critique. Le contexte des conversions est que j'essaie de l'aborder plus comme un pair. Ils sont musiciens et je suis musicien et je peux empathiser avec une partie du processus de création d'une chanson, les difficultés créatives et techniques. Le processus d'écriture des paroles, le processus d'écriture de la musique. Même s'ils n'ont aucune idée de qui je suis ou n'ont aucune idée de ce qu'est Song Exploder, c'est le contexte d'où je viens que j'apporte à la discussion, même s'ils n'en sont pas conscients. C'est ce qui informe la manière dont je pose mes questions pour que cela leur paraisse, je l'espère, comme s'ils parlaient à un pair.

La conversation que j'ai eue beaucoup est avec des amis soit en studio, soit en tournée. C'était Carl Newman des New Pornographers, nous avons fait un épisode l'année dernière et il s'inquiétait qu'il n'y ait pas assez à dire sur la chanson. Nous avons fini par parler facilement pendant une heure. Ensuite, je l'ai remercié et il a remarqué à quel point il était surpris de voir à quel point la conversation s'est déroulée facilement. Il l'a formulé d'une manière que je pensais être exactement ce que j'espérais qu'il ressente. Il a dit que cela ressemblait à la conversation que vous avez à 3h du matin à l'arrière du bus de tournée. C'était vraiment gratifiant. C'est exactement ce que je veux qu'ils ressentent. Que ce soit naturel, je veux que les auditeurs se sentent comme s'ils étaient témoins de cette conversation qui n'est pas nécessairement publique normalement.

Comment avez-vous décidé de vous retirer de la conversation pour le montage final ?

Au début, lorsque l'émission n'était rien, je voulais faire attention à éviter de donner l'impression que je cherchais à créer un véhicule pour ma propre personnalité. Dans la version la plus pure de l'idée, comme les notes de couverture, comme les notes de couverture de Questlove, c'est lui qui communique directement avec le lecteur et l'auditeur. Vous n'avez pas la personne à qui il dicte ces choses, vous n'avez pas leurs empreintes partout. La métaphore des notes de couverture est une bonne comparaison parce qu'elle devrait donner l'impression que cela vient directement de l'artiste. Cela devrait ressembler davantage à une présentation de l'artiste plutôt qu'à l'auditeur apprenant ces informations par l'intermédiaire d'un tiers. Je sentais que cela gênerait une partie de la directivité et de l'intimité de l'expérience d'écoute.

Tant d'épisodes se concentrent sur de petites décisions en studio ayant un grand impact sur le disque. Y a-t-il un exemple qui vous marque toujours ?

Un qui me vient immédiatement à l'esprit, je ne sais pas si cela compte comme une petite décision. J'ai adoré pendant longtemps les sons de batterie sur Writer’s Block, le disque de Peter, Bjorn et John. La production sur ce disque en général est fantastique, et pendant longtemps après la sortie de ce disque, j'étais obsédé par cette production. Pour ma propre musique, essayant de penser à combien elle est magique et essayant de trouver ma propre manière de retrouver les choses que j'aimais le plus à ce sujet. J'étais excité de pouvoir leur parler de "Young Folks" de ce disque en septembre dernier pour de nombreuses raisons différentes, sans savoir quelle était l'histoire. Sachant juste que j'aimais les paroles et tout à propos de ce disque. Ce à quoi je ne m'attendais pas, c'était l'histoire de pourquoi le disque sonne comme il le fait et pourquoi les percussions sonnent comme elles le font. Pour moi, il a ce son de batterie parfait. Il s'avère que sur leur disque avant Writer’s Block, ils étaient allés en studio et avaient dépensé beaucoup d'argent en pensant que ce serait leur disque de percée. Ils ont fini par se sentir comme s'ils n'avaient pas obtenu ce qu'ils y avaient mis et espéraient.

Ils ont failli se séparer et ont décidé de faire un autre disque et de donner une autre chance. Ils ont décidé de le faire à moindre coût et l'ont enregistré dans leur espace de répétition. L'espace de répétition était acoustiquement très contraignant parce que c'était cette petite pièce aux sons un peu boîteux. Ils n'ont pas enregistré les percussions avec des cymbales. Les symboles crash n'allaient pas sonner bien donc la raison pour laquelle ces percussions sonnent si serrées est qu'ils n'avaient pas à se soucier de les mixer de manière à tenir compte des cymbales. À la place, ils ont utilisé tous ces autres sons à la place des cymbales. Ils ont utilisé le son d'un réservoir de réverbération frappant le sol comme cymbale à certains endroits ou une feuille de tonnerre d'une section de percussion orchestrale. Dans tous les cas, les sons de batterie, dont je n'étais pas sûr s'ils les avaient bouclés ou s'il s'agissait d'un échantillon… Je ne pouvais pas comprendre pourquoi ils étaient si parfaits et serrés. Il s'avère que ce n'était pas à cause d'une magie de studio incroyable, mais des résultats de leur dernier disque n'ayant pas bien réussi. Cette histoire m'a frappé.

Vous avez mentionné que vous utilisez un test « maman » pour garder l'émission accessible aux non-musiciens. Quelle est l'histoire derrière cela ?

Mes parents, très gentiment, écoutent tout ce que je fais. La musique que je fais... ils sont venus voir mon groupe jouer dans des salles de punk rock. C'est plutôt génial. Ils écoutent l'émission, donc il est facile pour moi de penser à eux comme un substitut pour un public potentiel plus large. Des personnes en dehors de ce bus de tournée à 3h du matin. La conversation que vous avez alors est une chose, mais comment l'éditez-vous, la cadrez-vous, et la contextualisez-vous de manière à ce que les gens qui n'ont jamais été dans un bus de tournée puissent y trouver un sens et une signification.

Y a-t-il des tendances lorsque vous parlez avec des artistes nouveaux vs. des vétérans expérimentés ?

Une tendance, cela ne se divise pas vraiment selon la durée de carrière de l'artiste, mais quelque chose que je pense être le produit de l'époque moderne est que tout le monde utilise l'application mémos vocaux sur leur iPhone. C'est l'outil de démonstration par excellence des écrivains. C'est génial quand je peux inclure ceux-ci dans un épisode. Le premier moment, où vous pouvez entendre la naissance de la chanson dans ce contexte. Tout le monde, de Chet Faker à Metallica, a mentionné utiliser des mémos vocaux comme un endroit où ils commencent leurs idées.

Vous avez dit plusieurs fois qu'une grande partie de votre émission repose sur la résolution de problèmes. Quel a été le plus gros problème que vous avez dû résoudre depuis que vous avez commencé ?

Le plus grand changement que l'émission a subi a été la structure. Les quatre premiers épisodes originaux de l'émission ont été publiés avec une petite introduction suivie de la chanson jouée dans son intégralité et ensuite les explications. J'ai commencé à comprendre la portée de qui pourrait potentiellement écouter l'émission. C'est quelque chose où le test maman entre en jeu aussi. Je n'avais pas réalisé le potentiel d'un public aussi général pour l'émission. Je pense que je m'attendais à un public qui ressemblait beaucoup plus au mien et à d'autres musiciens. Pas nécessairement des musiciens, mais des gens qui venaient culturellement à l'émission du même endroit que moi. Il y avait un aspect de conservation, presque DJ de l'émission où je me disais voici une chanson cool, maintenant voyons comment elle a été faite.

Il s'avère qu'il y avait beaucoup de gens qui ne connaissaient pas certains des groupes. Quelqu'un a mentionné avoir découvert ce groupe The Postal Service grâce à ce podcast Song Exploder. Cela m'a étonné. Pour moi, dans mon expérience, The Postal Service… un artiste de platine, ils étaient omniprésents en 2003 jusqu'à je ne sais quand. Je ne pouvais pas imaginer que ce podcast naissant qui comptait quelques milliers d'auditeurs introduirait un groupe comme ça à quelqu'un. C'était quelque chose où je n'avais pas réalisé qu'il y avait un problème à résoudre jusqu'à ce que l'émission sorte. J'ai dû dire, eh bien dans ce cas, il pourrait y avoir des gens qui écoutent cela avec un ensemble différent d'assumptions et de contexte culturel que ce que j'ai. J'ai parlé à quelques personnes, obtenu des conseils et ensuite modifié l'émission de manière à ce que la conversation ait lieu en premier pour que les gens puissent établir un certain attachement à l'artiste, un certain investissement dans la chanson. Il pourrait y avoir un certain mystère, des pièces qui se mettent en place pour que la chanson jouée à la fin ressemble à une révélation.