Interview: Sunflower Bean

Il y a seulement quatre ans, Cumming était sur le point de poursuivre des études supérieures. Kivlen et Faber terminaient leur première année lorsqu'ils ont pris la décision de se consacrer à plein temps à Sunflower Bean - le groupe qui les avait emmenés à des concerts dans toute la ville de New York, y compris une tournée réussie au CMJ en 2014. Au lieu de cela, ce trio testé par la route n'a pas gagné ses galons sur le campus, mais sur des scènes du monde entier. Leur premier album Human Ceremony, sorti en 2016, a établi Sunflower Bean comme l'un des derniers groupes à la mode de New York avec un son sophistiqué qui s'inspire du psyché, du punk et du shoegaze, prouvant que le trio était sage au-delà de leurs années.

Maintenant, alors que Sunflower Bean se prépare à sortir leur deuxième album, Twentytwo In Blue, prévu pour le 23 mars, ils puisent dans l'assurance acquise au cours des années depuis leur adolescence et le début de leur vingtaine. Bien que tous trois aient 22 ans, Twentytwo In Blue est le produit d'une remise en question plus interne du monde tumultueux qui les entoure.

« Je ne pense pas que nous soyons devenus moins existentiels », dit Faber, « mais nous sommes simplement devenus meilleurs pour y faire face et pour manœuvrer autour de ces sentiments. C'est drôle de voir comment, d'une certaine manière, on mûrit complètement au-delà de certaines choses, mais il s'agit de gérer ces sentiments de manière plus productive. »

Le résultat de cette productivité assure le statut de Sunflower Bean en tant que caméléons sonores. Twentytwo In Blue est un album de rock 'n' roll sans vergogne qui ne vise pas à réinventer ou à réparer le genre, mais excelle comme une masterclass de ce que le rock pourrait être. Avec des morceaux comme « Twentytwo », « Burn It », « Puppet Strings » et « Only For A Moment », la collection rend hommage à Fleetwood Mac, Norman Greenbaum, Three Dog Night, voire Lana Del Rey et à la romance intemporelle et au chaos des années 70. Cumming prouve sa capacité en tant que vocaliste transformative, rationalisant habilement entre une douce sirène et une force énergique. Lorsque Kivlen prend le micro (comme il le fait sur le single principal « I Was a Fool »), c’est sucré mais tranchant, un appel à l'émerveillement cool et inquisitif. Si Human Ceremony était adapté aux espaces DIY, Twentytwo In Blue est la bande sonore pour les stades et les bus de tournée somptueux.

VMP : Trouvez-vous que le fait de dire « Waouh, ils sont plus âgés et plus mûrs maintenant » est un cliché ? Julia Cumming : C’est ça le problème d’être dans ses 20 ans, c'est qu'on pense savoir des trucs, et bien sûr on ne sait rien du tout. Regarder en arrière après trois ans est toujours si embarrassant, ce dans quoi on s'intéressait et ce qu'on aimait. Lorsque vous êtes réellement dans le monde et que vous créez de l'art et que vous le publiez, au lieu de simplement y penser, vous devez accepter de prendre des décisions et d’enregistrer qui vous êtes. Avoir cet état d'esprit que Human Ceremony représente qui nous étions à l'époque et Twentytwo in Blue est qui nous sommes maintenant.

Il y a quelque chose de très percutant dans votre début de la vingtaine et les choses que vous créez alors. JC : Nous pouvons tous convenir que l'adolescence est terrible. Peut-être que pour certaines personnes, ce n'est pas le cas, mais pour la plupart, c'est très existentiel et dramatique.

Mais vous avez réussi à le faire en créant quelque chose. Jacob Faber: Oui, Human Ceremony était l'accumulation de tout ce que nous ressentions dans beaucoup des crises existentielles que nous traversions.

JC: C'est à la fois extérieur et intérieur. Quand vous êtes adolescent, sur Human Ceremony, vous devez exprimer vos sentiments et vous criez dans le vide. Et vous dites, « Bonjour, c'est moi et c'est ce que je ressens. » Sur cet album, nous voulions aller plus en profondeur et examiner les raisons pour lesquelles nous ressentons ce que nous ressentons, les racines de nous-mêmes.

D'où est venue ce changement de mentalité ? JF : C’est une question de temps et de confiance. D’une manière étrange, je pense qu'il faut plus de confiance et de force pour regarder à l'intérieur de soi. Il faut des années de tournées, de pratique et de prise de confiance pour avoir la vulnérabilité en soi.

JC: Je pense qu'il est facile de se cacher derrière un écran et cela ne signifie pas que ce n'est pas amusant, ni que ce n'est pas utile ni approprié chaque fois que vous le faites. Lorsque vous commencez à tirer ce rideau, vous devez voir qui vous êtes vraiment. C’est comme mettre du maquillage. À un certain moment, vous devez voir ce qu'il y a en dessous et ce qui vous informe. Nous savions comment jammer et nous savions comment faire un show, mais sommes-nous capables de créer les chansons et l'art que nous voulons vraiment ? Une partie libératrice de la réalisation de cet album a été de considérer l'écriture de chansons de manière différente par rapport à qui nous sommes.

Lyriquement, cela se voit sur l'album. Une phrase comme « Je ne vais pas tranquillement dans la nuit qui m'appelle même quand je suis seul » est une phrase très puissante. JC: Cela vous informe parce que cela vous oblige à le regarder. Un mot qui me vient à l'esprit : résilience. Une grande partie du contenu lyrique et ce que nous essayons de transmettre est un certain niveau de force que nous avons besoin d'entendre et que nous voulons également exprimer à l'auditeur. Même si c'est une période triste et étrange en ce moment, même personnellement c'est ce que vous voulez : la force.

Il est difficile de ne pas aborder la période politique étrange que nous vivons. Est-il même possible de ne pas parler de politique dans l'art ? JC : À moins de faire de l'art dans un vide...

JF : Ce n'est pas évitable.

JC : La façon dont vous interagissez avec le monde informe qui vous êtes. Le fait que ce soit une période tumultueuse et étrange a certainement influencé l'album. Nous sommes prudents de dire que c'est un album politique. C'est un album fait dans des circonstances particulières et notre réaction est personnelle.

JF : La dernière tournée que nous avons faite sur Human Ceremony était à l’automne 2016, juste avant l’élection. Nous étions allés au Royaume-Uni et en Europe avant cela, puis avons tourné aux États-Unis et voir les panneaux physiques de Trump était assez choquant et alarmant. Quand nous sommes rentrés chez nous au début de 2017 et avons commencé à écrire cet album, c'était très présent dans nos esprits. Cela pèse lourd.

Quelle est la signification du titre de l'album ? Nick Kivlen : Lorsque vous faites un album et que vous avez toutes ces chansons et que vous devez leur donner un titre définissant et les appeler quelque chose alors qu'elles sont individuelles, il est difficile de choisir un seul titre pour les résumer toutes. Nous réfléchissions à l'ambiance générale des chansons et à ce qu'elles signifient vraiment pour nous. Twentytwo In Blue était un nom assez abstrait mais tangible à donner à toutes les chansons collectivement, car c'est quelque chose qu'elles partagent toutes ensemble. C'est l'âge que nous avions lorsque nous les écrivions et faisions l'album et l'ambiance que nous pensions imprégner dans l'album.

JC : Nous avions accumulé de nombreuses images bleues depuis longtemps. Lorsqu'on cherchait à nommer cet album, nous en sommes venus à Twentytwo In Blue et nous nous sommes demandé : « Le bleu est-il trop triste ? Cela va-t-il faire croire aux gens que c'est quelque chose que ce n'est pas ? »

NK : Je pense qu'avec les couleurs, cela peut évoquer beaucoup de choses différentes. C'est une couleur classiquement mélancolique, mais elle peut représenter un grand ciel bleu ouvert, ou un grand océan bleu ou une espérance. Je pense que cela résume l'album : Nous ayant 22 ans et ressentant ce bleu.

Quelle est l'importance des esthétiques ? JC : Nous en parlions récemment avec quelqu'un et il a dit : « Qu'en est-il de la synesthésie ? » Je ne nous classerais pas dans ce sens, mais un album est une œuvre d'art vraiment drôle et très viscérale. Il a quelques éléments qui se répètent encore et encore. Quand vous vous voyez comme un musicien, vous êtes le performeur, vous êtes un parolier. Vous êtes musical, vous écrivez de la poésie mais la poésie est mise en chanson. Accumuler ces pensées et ces idées fait partie de la façon dont on doit se tenir en tant qu'artiste de nos jours et probablement toujours, en se curant soi-même. Je pense qu'il y a beaucoup de petites façons, comme moi regardant des photos de Cher et toutes ces femmes qui sont puissantes et passionnantes et qui comptent beaucoup pour moi et comment faire mon propre style de manière glamour, amusante et cool et différente mais toujours en touchant des personnes que j'aime. C'est comme ça : juste en se curant soi-même.

Que se passait-il dans le cadre plus large de vos vies lorsque vous écriviez cet album ? NK : Le jalon auquel je pensais était quand nous nous sommes retrouvés pour jouer en décembre 2016 après avoir terminé notre tournée et nous avions quelques semaines de congé du groupe. Nous avons commencé à jouer et écrire et c'était comme si un robinet s'ouvrait. Nous avions tellement d'idées et de chansons différentes. Cela faisait tellement longtemps que nous n'avions pas pu jouer juste nous trois dans notre espace de répétition sans tourner ni faire autre chose que de créer des chansons. À ce moment-là, nous avons tous été vraiment excités et nous sommes passés en hyperdrive pour travailler sur l'album.

JC : La première chanson sur laquelle nous avons travaillé sous quelque forme que ce soit était « Burn It. » C'est toujours ces premiers pas où vous essayez un nouveau son et défiez une partie différente de vous-même que vous grandissez le plus et c'est le plus excitant. Pour moi essayer différents styles vocaux sur cet album et Jacob essayant différents styles de batterie.

L'album sonne comme un collage de divers styles. JC : C'est une critique que nous avons reçue : cela ressemble à un groupe différent d'une chanson à l'autre. Quelque chose à propos de Sunflower Bean qui est peut-être différent des autres groupes est que ce n'est pas seulement un auteur-compositeur. Même lorsque nous avons une idée, nos membres du groupe sont nos humains de confiance lorsque nous travaillons ensemble pour créer quelque chose de meilleur que comment il a commencé. Chacun de nous a ses propres influences qui entrent dans ce que nous voulons faire. Ce que vous obtenez est quelque chose de très dynamique car il couvre beaucoup de styles différents. Travailler avec Jacob Portrait d'UMO qui a co-produit et Matt Molnar, je pense que toutes les chansons donnent l'impression d'être dans le même monde. C'est la chose la plus importante. Si elles étaient dans des mondes différents, ce serait un peu chaotique.

On sent que cela vient définitivement d'un certain moment et d'un certain endroit. JC : Quelque chose dont nous avons également parlé est que nous voulons voir chaque chanson jusqu'à ce que cette chanson soit complète. Vous avez une chanson comme « Twentytwo » ou « Any Way You Like » où vous l'écrivez comme, « Je pense que cela a besoin de violons ! Je pense que cela doit être luxuriant à la Phil Spector. » Cela ne signifie pas que chaque chanson de l'album va avoir des cordes mais afin de laisser chacune respirer et être la meilleure version d'elle-même, elles vont sortir un peu différentes les unes des autres.

Quel est votre processus d'auto-édition ? JC : Cela dépend totalement de chaque chanson. Nous apportons ce sur quoi nous travaillons à divers niveaux d'avancement. Parfois, c'est un riff, parfois ce sont des mots.

NK : Cela ressemble à élever un enfant. Nous nous rapprochons tous de cette idée de ce que c'est et nous devons l’élever.

JC : Vous devez naturellement et respectueusement faire confiance aux personnes avec qui vous travaillez pour pouvoir ouvrir votre art à eux. Je pense que nous avons la chance de nous faire tellement confiance et d'avoir travaillé ensemble de très près depuis un certain temps. Je sais quand Jacob a une idée pour la batterie qui est différente de la mienne et de Nick et nous devrions leur faire confiance et tout essayer pour arriver au résultat le plus spécial.

Nk : Parfois, vous devez passer à autre chose et mettre fin à quelque chose. Nous avons fini de jouer avec, laissez-le aller. Je pense que c’est aussi important.

Alors il arrive un moment où vous vous demandez ce que vous essayiez de faire au départ. JC : Il est facile de devenir paralysé par votre ambition ou par ce que vous pensez pouvoir faire. C'est tellement différent que de mettre réellement les choses que vous aimez là-bas pour être entendues et aimées ou détestées. Je pense que la musique est vraiment communicative. Quand vous la faites, vous avez cette envie de dire quelque chose ou de faire quelque chose et aussi l'envie de la partager avec les gens. Vous faire assez confiance pour savoir où est la fin et l'accepter.

Parfois, nous devenons trop ambitieux et cela finit par être paralysant. JC : J'aime l'ambition et je pense que nous sommes tous très ambitieux et c'est une grande chose à être mais c'est l'une des raisons pour lesquelles le rock est si cool. L’une des choses les plus libératrices du punk est que vous n'aviez pas besoin d’être techniquement le meilleur pour commencer. C'est ce que nous essayons de dire aux enfants chaque fois qu'ils viennent nous parler aux concerts à propos de vouloir commencer un groupe : Allez le faire. Prenez une guitare, prenez une basse, trouvez vos amis et commencez juste. C'est libérateur et tout le reste tombera en place.

C’est l’impulsion que les gens ont besoin d'entendre de la part de quelqu'un qui le fait réellement. JF : Cela semble facile, mais je pense qu’avant de l'entendre ou que quelqu'un te montre que c'est réellement possible, cela peut sembler vraiment impossible. J'avais un virus rock 'n' roll en moi depuis que j'étais enfant et au fond je voulais faire ça et je ne pensais pas que c'était possible du tout. Il est important de trouver des gens avec qui vous pouvez vous identifier et qui aiment la même musique et peuvent aller explorer et trouver ces choses.

JC : Il y a une différence entre apprendre sur [la musique] en classe, même dans la meilleure classe informée, et la faire réellement.