WIVES fait de la musique qui fait trembler le sol

L'histoire de création de WIVES se déroule comme leur son : un équilibre confiant et un trébuchage assuré qui vous mène d'une manière ou d'une autre exactement au bon endroit. Beach, le guitariste Andrew Bailey, le batteur Adam Sachs et le bassiste Alex Crawford étaient tous impliqués dans la scène musicale DIY de New York, travaillant sur leurs propres projets musicaux lorsque l'effondrement d'un projet précédent et une séance d'enregistrement non annulée les ont attirés dans le studio. Beach le résume succinctement en partageant : « C'était très amusant et quand nous avons entendu les enregistrements, nous avons pensé : 'Wow, c'est vraiment bon.' Alors, nous sommes juste devenus WIVES. » L'album a été créé sur une période de deux ans, avec les amis profitant de moments volés dans le studio, ne le prenant jamais trop au sérieux et suivant simplement ce qui leur semblait juste et bien.

« Lorsque nous étions tous les quatre réunis, c'était définitivement un son unique que nous n'avions jamais atteint auparavant dans nos autres vies musicales. Je pense que chacun apporte quelque chose de vraiment unique. J'écris des chansons qui sont, je suppose, plus traditionnelles. Notre bassiste est un grand fan de My Bloody Valentine, et son atmosphère est vraiment shoegaze ; notre guitariste est plus moderne. Notre batteur Andrew est super passionné de death metal et de hip-hop. Je sais que le son de WIVES a beaucoup de sens parce que je sais d'où chacun vient, mais chacun vient de lieux différents, » explique Beach.

Le groupe a commencé à Queens, le plus grand arrondissement de New York et le comté le plus diversifié du pays. Tout comme WIVES, c'est plein de gens venus de différents endroits, mais cela se joue harmonieusement.

« Nous avons un amour fou pour Queens, et je pense que Queens est de loin le meilleur arrondissement de New York, » partage Beach lorsqu'on lui demande le contexte de leur début. « Les gens sont un peu plus détendus à Queens ; c'est un peu plus une ambiance familiale, et il y a encore beaucoup de communautés ethniques intactes. Il y a une communauté polonaise florissante et une communauté d'Europe de l'Est, le petit Bangladesh, le petit Népal, » dit Beach. « C'est comme une bonne expérience sociale. Prenons la quantité de personnes la plus diverse possible et, comme, mettons-les dans un endroit, et cela fonctionne généralement, vous savez ? »

Cette réunion organique peut être entendue dans des morceaux comme “Even The Dead.” Ce n'est en rien sur-pratiqué ou artificiel ; c'est exactement ce que vous entendriez en live. « Il n'y a pas de sur-enregistrements, rien du tout, » partage Beach lorsqu'on lui demande au sujet de la piste. « Nous avons juste commencé à jouer ce riff et y sommes allés pendant ces cinq minutes et l'avons enregistré sur bande. C'est tout. C'est la piste finale. Évidemment, ce genre d'éclair dans une bouteille n'arrive pas tout le temps. C'est rare. Mais quand nous avons une pièce, comme, nous y croyons vraiment, nous la gardons. Nous ne l'en touchons pas. Ça pourrait ne pas être parfait. Ça pourrait ne pas être un single N° 1 mais ça a quelque chose, une spontanéité, qui est vraiment difficile à trouver. »

Un des moments plus pop de l'album arrive avec “The 20 Teens.” Beach partage que tout en écoutant A Flock of Seagulls jouer dans un restaurant de Bushwick, il a pensé que toutes les paroles auraient pu tout aussi bien être “C'est les années 80, c'est les années 80,” puisque le morceau semblait incarner la décennie tellement bien. Il a décidé de se confronter à ce morceau et de créer sa propre version pour les années 2010, pleine de références à des gens lisant des magazines en papier et portant des salopettes. Le morceau commence par une ligne vive et inquisitrice : “certains disques sont si tordus qu'ils se sont réellement produits,” une phrase que Beach a trouvée dans un ancien journal dans lequel il écrivait en écoutant de vieux 45 tours.

« On pourrait dire que c'est positivement ironique ; je pense que dans nos chansons il y a une touche de douceur et de nostalgie, » dit Beach, riant, lorsque je mentionne que les chansons semblent être parfaites à écouter à la fois avant une fête et après une rupture. « Même s'il y a aussi cette attitude de cynisme new-yorkais, c'est là aussi, » ajoute-t-il.

Il y a quelque chose dans la façon dont Beach chante qui vous fait tendre l'oreille. Comme Lou Reed d'une chaire, cela semble biblique. Vous ne pouvez pas vous empêcher d'essayer de déchiffrer des messages cachés dans les paroles, quelque chose qui pourrait nous sauver du chaos actuel, ou au moins nous rendre plus à l'aise avec cela. L'album a des moments de répit, mais il vous attire de nouveau vers un chaos conscient. Vous voyez, vous pouvez danser sur un morceau comme “Hideaway” et bouger pour oublier, mais ensuite le morceau de clôture, “The Future is A Drag,” vous rappelle à l'état des choses à nouveau. Tout comme le quartier animé de Queens, il y a un calme, mais pas sans agitation.

« Quand j'écoute de la musique, il s'agit plus d'être ici et maintenant dans ce temps et ce lieu et d'écouter ces sons. Parfois, c'est un vieux disque de blues, parfois c'est un disque de T-Rex, parfois c'est Vince Staples — peu importe ce que c'est. Il y a quelque chose qui se capture parfois que j'appelle ‘le lent dans le rapide.’ Pour moi, c'est la chose la plus incroyable que je puisse imaginer vivre. C'est ce mariage entre rythme et, je suppose, mélodie et, pour ne pas avoir l'air bête, mais il y a un changement qui se produit sur de très bons disques comme My Bloody Valentine ou quelque chose comme ça, où il y a quelque chose qui change sous vos pieds. Le sol change. Ça pourrait être une chanson rapide — le hip-hop le fait vraiment bien — ou ça peut être quelque chose de très shoegaze qui est plus lent. Mais c'est un peu ce que nous visons. Nous voulons émouvoir les gens de la manière que nous savons être possible d'être ému parce que nous sommes juste des amoureux de la musique.