Bartees Strange ne peut pas ralentir

Il ne ralentit pas. Il est sur le point de devenir une star du rock indie, et Farm to Table rend cela encore plus inévitable. Le mélange de rock alternatif, d'Americana, de hip-hop et de R&B avec lequel il a fait une impression explosive sur Live Forever a cette fois été encore plus poli, présenté avec encore plus de confiance et élevé à des sommets encore plus grands. Des styles d'arène de « Heavy Heart » et du swagger Auto-Tune de « Cosigns », aux voix poignantes et soul de « Hold the Line » et aux chants autour du feu de camp de « Hennessy », il n'y a jamais eu un album comme celui-ci.

Strange prend cela avec philosophie. Il ne semble pas inquiété par le train qu'il est peut-être sur le point de manquer (spoiler : il l'a pris, environ cinq minutes après la fin de l'interview), ni par les éloges et l'attention qui augmenteront avec la sortie de cet album. Alors que sa voiture défile dans les rues de Manhattan, il discute avec VMP de la façon dont il navigue à travers tout cela.

VMP : Parle-moi de la réalisation de Farm to Table.

Bartees Strange : J'ai commencé à écrire l'album littéralement le jour où Live Forever est sorti. À un moment donné, cela devait juste être un EP, et j'ai soumis « Heavy Heart », « Wretched », « Mulholland Dr » et cette autre chanson qui sera une face B. Et le label a dit, « C'est génial, mais que penses-tu d'en faire un album ? » Et j'ai répondu, « Oh oui, ça a l'air cool », parce que j'avais beaucoup de musique. Donc en novembre 2021, je suis allé à Londres et j'ai enregistré six ou plus de chansons. Et c'était plutôt cool à faire après avoir signé avec 4AD.

Signer avec 4AD doit être particulièrement cool puisque tout a commencé avec votre EP de reprises de National.

C'est mon rêve depuis le lycée de travailler avec ce label, et je n'aurais jamais pensé que cela fonctionnerait. Donc je suis toujours très reconnaissant, et aussi juste choqué que cela ait fonctionné de la façon dont cela a fonctionné. Ils m'ont contacté, et ils étaient les derniers à le faire. Et je me souviens d'avoir pensé « ça ne va pas marcher » tout le temps, me préparant pour ça. Ce qui était bien — je me disais, je vais être là pour longtemps, peut-être que cela fonctionnera plus tard. Mais plus je leur parlais, plus cela semblait être le bon choix. C'est vraiment incroyable. Je ne m'attendais tout simplement pas à ce que cela arrive.

Comment vous êtes-vous poussé et avez-vous fait évoluer votre écriture de chansons en réalisant cet album ?

Depuis que Live Forever est sorti, je me suis vraiment plongé dans mon processus d'écriture et de production. Je voulais m'améliorer dans ces domaines. Alors j'ai passé une bonne partie de cette année à produire des disques pour d'autres personnes, et je pense que grâce à mon travail avec une multitude de groupes, j'ai acquis de nouvelles compétences. J'ai [devenu] un peu meilleur pour dire ce que je voulais dire de manière plus claire, et j'ai affiné certaines choses dans mon processus de production.

Il y a beaucoup de morceaux sur cet album qui sont en live, ce que je n'avais jamais fait auparavant. Je voulais vraiment avoir une gamme de sons extrêmement bruts et de sons extrêmement produits. Je voulais aussi faire de nouvelles choses sur l'enregistrement des voix. Sur quelques chansons, comme « Black Gold » et « Escape the Circus », je fais des chaînes d'enregistrement assez sauvages, comme enregistrer des voix à partir d'amplis et de micros bizarres, faire passer les voix à travers de gros pédales bizarres et obtenir ces boucles de bande dégradées que j'ajoute à la fin de mes phrases. Sur « Black Gold », il semble presque que la voix se casse à la fin des lignes, ce que j'ai en quelque sorte volé à Justin Vernon, en le regardant faire cela avec « CRΣΣKS ». Donc c'était amusant à faire.

C'était aussi la première fois que j'enregistrais un album dans plusieurs endroits. J'ai commencé dans le Maine. J'ai fait beaucoup d'enregistrements dans mon sous-sol. Ensuite, j'ai fait beaucoup d'enregistrements dans un studio en Virginie appelé 38 North. Puis je l'ai terminé à Londres. Donc c'était comme ce processus de transporter tous mes fichiers dans mon petit sac, et de parcourir le monde et de finir mon album avec toutes ces personnes. C'était vraiment spécial.

Sur la piste « Cosigns » vous parlez de faire connaissance avec des artistes comme Justin Vernon, Phoebe Bridgers, Lucy Dacus et Courtney Barnett. Avez-vous eu des conversations mémorables avec l'un d'entre eux ?

De chacun d'eux, je sens que j'ai beaucoup appris. La chose la plus cool pour moi en sortant avec ces groupes est que tu réalises qu'ils sont des personnes comme toi. La première fois que j'ai rencontré Phoebe, elle m'a invité chez elle à LA et nous avons simplement bu quelques verres et parlé, et c'était surréaliste. Parce que je me disais, je suis un grand fan, j'aime ta musique, ma sœur aime ta musique, tous mes amis aiment ta musique. Et nous étions juste en train de discuter.

Et puis il y a la deuxième réalisation de se dire, oh, cette personne dirige également une entreprise très réussie. Comment jonglent-ils avec tout cela ? Et tu vois les rouages internes de leur esprit et comment ils dirigent leur entreprise et comment ils l'ont rendue durable. Lucy Dacus était si ouverte sur le fait que, yo, la musique est amusante mais elle ne vaut pas la peine de mourir pour cela. Aucune tournée ne vaut ta santé mentale, protège toujours toi-même et ton énergie. Et cela a été très inspirant de voir comment elle le fait pour elle-même, son groupe et son équipe.

J'ai juste appris plein de petites choses de chacun d'eux au cours de l'année et demie passée que j'utiliserai certainement en continuant. Je suis tellement reconnaissant que ces personnes aient pris le temps de leur vie pour me dire, « Oui, je vais partager quelques astuces avec toi, pour que tu ne commettes pas les erreurs que j'ai faites. »

Alors que votre carrière s'épanouit, comment gérez-vous la prise de décisions et les choix qui se présentent du côté business des choses ?

Eh bien, j'ai dû prendre des décisions ces deux dernières années qui ont été vraiment, vraiment difficiles. Et pour moi, tout revient à ce qui sert la musique. Créer de la musique qui connecte avec les gens et organiser des spectacles qui font que les gens se sentent à leur place — si cela est menacé alors je dois changer certaines choses. Donc j'essaie juste de garder cela en point de mire. Ce qui est le mieux pour la musique, et aussi ce qui est le mieux pour moi et ma santé. Je suis intéressé par le fonctionnement de l'industrie, parce que je veux y réussir, mais je ne me vois pas m'épuiser pour rendre quelqu'un plus à l'aise avec moi ou autre. Je crée en quelque sorte mes propres limites et je passe par là de manière qui a du sens pour moi.

Je sais que dans votre Pitchfork feature, vous avez parlé d'être une personne très compétitive et ambitieuse. Qu'est-ce que cela signifie pour vous quand vous pensez au succès ? Comment le planifiez-vous ?

J'essaie de le faire davantage. J'ai l'impression que toute ma vie j'ai été le genre de personne qui dirait, « OK, si tout va mal, comment puis-je m'assurer que ça fonctionne quand même ? » Mais j'essaie d'être une personne qui dit, « OK, il y a de bonnes chances que cela fonctionne, alors que faisons-nous après que cela fonctionne ? » C'est une façon très différente de penser. C'est un peu sortir d'un état d'esprit de rareté, et reconnaître la vérité, qui est [que] il y en a assez pour tout le monde.

Mais je me mesure à moi-même. Il y aura toujours une partie de moi qui est super compétitive, et qui veut se surpasser. Donc, Live Forever a très bien marché, je veux que Farm To Table marche mieux. Je veux que les gens l'aiment plus. Je veux que ce soit un album plus grand. Je me pousse toujours dans ce sens.

Pensez-vous que le fait de venir d'un monde DIY vous donne une perspective différente sur le succès ? Surtout que nous voyons des artistes de ce monde, comme Japanese Breakfast et Lucy Dacus, atteindre un énorme succès eux-mêmes.

Je pense que ne pas avoir peur de travailler et de faire les choses par soi-même est essentiel pour réussir dans la musique. Comme, Doja Cat est l'une des personnes qui travaille le plus dur dans l'industrie musicale, c'est pourquoi elle a autant de succès. Elle est dans les réunions créatives, elle est au tournage tôt, elle est la dernière à partir. C'est une énorme pop star, elle n'a pas besoin de faire ça. [Mais] elle travaille dur, et c'est pourquoi elle est géniale. Même chose pour Megan Thee Stallion, même chose pour Tyler, the Creator. Ces gens travaillent extrêmement dur. Même si ce n'est pas un espace DIY dans lequel ils se trouvent, ils en font encore beaucoup.

Donc je pense que pour les gens dans mon monde, c'est comme si [des artistes comme Japanese Breakfast et Lucy Dacus] gagnent en reconnaissance et deviennent plus grands, mais c'est à cause de leur éthique DIY, et parce qu'ils n'ont pas peur de se salir les mains et de faire le travail. Donc oui, je prends beaucoup de cela, car je me sens comme un bosseur. J'aime travailler dessus, et je suis sûr que, à mesure que les choses deviennent plus grandes, je plongerai encore plus profondément.

Quels sont vos objectifs les plus fous en tant qu'artiste ?

Je ne serais pas contre avoir la vie d'Aaron Dessner. [Rires] Je veux produire de gros disques pour des artistes que j'admire, et je veux faire des disques que j'aime et que les gens aiment. J'ai toujours dit que je voulais gagner un Grammy, ou je voulais composer la musique d'un film — ce sont des étapes de carrière, mais dans la plus grande image, c'est comme, je veux juste avoir une vie durable, heureuse, saine, travailler avec des gens qui m'inspirent. Et pour pouvoir aussi amener d'autres personnes que je pense mériter une chance. Donc je veux beaucoup de choses, je suppose, mais je pense qu'il y a assez de temps pour y arriver.