Andrew Bird : Voyage vers les écholocalisations

par Rudolph Santarromana

Je veux que vous tous découvriez de nouvelle musique ce week-end. Prenez votre album du mois de Vinyl Me, Please, votre cocktail, et installez-vous dans une pièce avec une fenêtre. Placez cette aiguille dans la rainure et écoutez un album en entier. Mettez ce téléphone en mode avion et décrochez du monde.

Nous vivons dans un monde de plus en plus numérique. Nous avons l'habitude d'obtenir ce que nous voulons rapidement. Vous pouvez obtenir toutes les informations dont vous avez besoin en quelques secondes, et les enfants d'aujourd'hui ne connaissent pas la difficulté de posséder réellement un dictionnaire ou d'apprendre à faire quelque chose sans une vidéo youtube utile. Avez-vous déjà voulu apprendre une chanson à la guitare ou au piano et avez-vous cherché les notes ou les accords sans jamais vous asseoir et essayer d'apprendre à jouer l'instrument en entier ? J'admets que je l'ai fait auparavant. Nous sommes piégés dans un piège à nous concentrer tellement sur le but final que nous pouvons parfois oublier à quel point le parcours ou l'expérience dans son ensemble est important. Mais c'est ce parcours qui crée les génies musicaux modernes. Ce type de vision globale de la musique est incarné dans la méthode Suzuki de formation musicale.

Qu'est-ce que la méthode Suzuki, demandez-vous ?

La méthode Suzuki est basée sur la manière dont nous apprenons notre première langue quand nous sommes bébés (on l'appelle aussi la méthode de la 'langue maternelle'). Nous n'avons aucune compréhension préalable de la langue comme base, mais nous finissons quand même par comprendre la langue. Cela se fait en commençant dès un jeune âge et en entourant l'enfant d'un environnement qu'il peut imiter. Nous parlons aux bébés et leur enseignons des noms en répétant « maman » et « papa » jusqu'à ce qu'ils imitent ces sons pour produire « maman » et « papa ». Plutôt que de dire au bébé qu'il a tort, un renforcement positif constant de ces petites victoires amène l'enfant à améliorer progressivement ses compétences, jusqu'à ce que finalement « maman » devienne « mère » et « papa » devienne « père », et tout cela se fait avant même qu'il n'apprenne à lire. Une fois qu'il y a une compréhension de base, l'enfant commence alors à lire et à écrire. Il n'y a pas de tests, de niveaux de réussite ou de mesures de maîtrise dans la façon dont nous apprenons la langue et c'est ainsi que la méthode Suzuki enseigne la 'langue de la musique'.

Andrew Bird, originaire de Chicago, est un contemporain de la méthode Suzuki à travers qui il devient clair le type de musicien que cette méthode peut développer. Il a commencé à jouer d'une version du violon fabriquée à partir d'une boîte à chaussures à l'âge de quatre ans. Selon Bird :

“Je suis vraiment reconnaissant que le style de Suzuki avec lequel j'ai grandi soit resté fidèle à l'idée d' « apprendre par cœur » et au concept de 'langue maternelle'. Cela a eu un énorme impact sur le type de musicien que je suis.

Si la lecture avait été l'accent, je pense que je serais devenu différent. Les notes étaient là devant nous mais elles faisaient simplement partie de la cérémonie de jouer. C'était purement par oreille. Ensuite, nous avions des leçons de groupe et des leçons particulières une fois par semaine et c'était très social. Ma mère était très impliquée. Elle venait à tout et en fait, elle a commencé à jouer (violon) avec moi la première année.

Je suis plus reconnaissant envers la méthode Suzuki que pour toute opportunité musicale que j'ai eue.

Musicalement, ce qui est le plus important à propos de cela, c'est que, puisque je n'ai pas appris à lire la musique tout de suite, j'ai établi une connexion directe avec ce qui était dans ma tête. Cela permet à la musique de non seulement entrer dans mon oreille mais aussi de sortir de ma tête et de venir sur mon instrument. Et en tant qu'écrivain, compositeur et improvisateur—quand j'ai fait ce saut du répertoire classique à la musique folk ou au jazz au fil des ans, ce n'était pas un grand saut. Et j'ai vu d'autres musiciens autour—des personnes au conservatoire—qui ne pouvaient pas bouger vers la gauche ou la droite sans les notes écrites.”

Cet hiver, Andrew Bird a repris ses intimes performances “Gezelligheid” (un terme néerlandais qui se traduit approximativement par 'cosy' ou 'pittoresque') pendant quatre nuits consécutives à l'Église presbytérienne de Fourth à Chicago, et j'y étais présent. Ce n'était pas la première fois que je le voyais en direct, mais je dirais que c'était ma performance préférée. Avant que les portes ne s'ouvrent, la sécurité a parcouru la ligne et a demandé à tout le monde de ne pas utiliser leurs téléphones pour des photos, vidéos, enregistrements de quelque nature que ce soit, ou toute autre utilisation—c'était, après tout, dans une église. Et honnêtement, un enregistrement ne donnerait pas justice à l'expérience. Ce serait comme raconter une histoire, voir le regard désintéressé de votre public (même si je ne peux pas voir vos visages maintenant) et conclure par 'vous deviez être là', ce qui, je suis sûr, nous l'avons tous fait auparavant, donc je vais m'épargner de suivre ce chemin. Ce que je vais dire, c'est que l'attention aux détails était évidente, à la fois acoustiquement et visuellement, et ils se sont bien combinés avec l'atmosphère intime de l'événement. Après tout, chaque spectacle a une histoire liée qui encapsule l'expérience globale.

Avec l'idée de l'environnement en tête, “Un nouveau projet en cours d'[Bird] appelé Echolocations est une extension de Gezelligheid où [il] ‘joue pour la salle’ que ce soit un canyon dans l'Utah ou un aqueduc du XVIIIe siècle à Lisbonne.” Le premier de la série 'Echolocations' a été publié plus tôt cette année. Echolocations: Canyon a été enregistré dans les canyons de Coyote Gulch dans l'Utah. Écoutez attentivement, et vous pourrez entendre l'écho sur le mur de pierre du canyon, ainsi que ce qui semble un ruisseau d'eau sur le sol dans cette composition ambiante. Les futurs volets prévus d'Echolocations incluent : Rivière, Ville, Lac, et Forêt.

Making of Echolocations: Canyon

Soundcloud d'Echolocations: Canyon

Andrew Bird continue de créer et d'enregistrer de la musique et est un grand défenseur de la participation musicale des jeunes découlant des expériences positives qu'il a eues en tant qu'enfant. Bird a joué à The Hideout à l'issue de sa série de 2015 Gezelligheid à Chicago et tous les bénéfices ont été reversés à la Bourse Andrew Bird, mise en place pour financer des cours de musique pour les étudiants de l'École secondaire pour les arts de Chicago. Il dit, “La musique rend votre vie plus riche... Elle crée des individus avec des valeurs différentes. Des valeurs qui vont plus profond que la poursuite de l'argent et des choses matérielles.”

Alors la prochaine fois que vous essayez d'arriver quelque part, considérez votre parcours et les bénéfices que l'expérience peut apporter. Impliquez tous vos sens et soyez présent dans l'instant. Ces expériences peuvent mener à quelque chose de plus complet que ce que vous aviez initialement prévu. Pour Andrew Bird, la musique est plus que la bonne combinaison de sons et d'instruments—elle reflète aussi votre environnement. Après tout, la musique est une expérience, n'est-ce pas ? C'est pourquoi nous aimons les disques vinyles. Le poids du disque dans nos mains, apprécier la grande couverture de l'album, la beauté du disque noir, rose, violet, rouge ou transparent lui-même, et entendre ces premiers crépitements pendant que l'aiguille trouve sa rainure vous fait tous savoir que c'est réel. Un écran de téléphone numérique ne peut pas offrir une expérience comme celle-là.