Les 10 meilleurs albums de jazz moderne de Londres à posséder en vinyle

Facilitant cette montée du jazz moderne à Londres, l'esprit de collaboration qui unit ses stars est palpable. Ces virtuoses apparaissent fréquemment sur les disques des autres. Ils montent sur scène ensemble et se retrouvent dans le salon des uns et des autres lorsque nécessaire. La chimie d'une communauté artistique soudée peut être difficile à capturer et presque impossible à définir. Quand vous pouvez transférer cette chimie sur vinyle, cela ressemble à un petit miracle.

Pour les nouveaux venus cherchant un moyen d'accéder au jazz moderne à Londres, une écoute essentielle est la compilation de Brownswood We Out Here, l'un des premiers albums à encapsuler la magie. Ici, nous nous sommes concentrés sur 10 des meilleures déclarations en album complètes réalisées par des groupes et artistes individuels issus de The Old Smoke ces dernières années. Chacun fait office d'Exhibit A d'une scène jazz brûlante, indélébile et incontestable, qui exige une attention mondiale. Personne qui se branche en ce moment-ne l'oubliera jamais.

Shabaka and The Ancestors: Wisdom of Elders (2016)

Recherchez à Londres les figures centrales de sa nouvelle renaissance jazz et vous tomberez rapidement sur le saxophoniste intrépide et chef d'orchestre Shabaka Hutchings. Le bohémien britannique d'origine barbadienne a fait autant qu'une seule personne pour définir la scène. Parmi son vaste et audacieux corpus de travail, Wisdom of Elders est un évident chef-d'œuvre. Pour créer l'album, Hutchings s'est installé à Johannesburg et s'est connecté avec un groupe de musiciens locaux qui sont devenus connus sous le nom de The Ancestors. Le résultat est un album riche et puissant qui mélange les tons mélodiques de Hutchings, le patrimoine sud-africain du groupe et les leçons de Sun Ra. Décrit comme « un psaume en neuf parties », ce sont des compositions qui sonnent comme le côté maudit de la spiritualité. Les chants vocaux usés ressemblent à d'anciens mantras ou à des processions funéraires tragiques. Pourtant, le saxophone de Hutchings est détendu et voluptueux sur des morceaux comme « Joyous ». Pendant ce temps, « Give Thanks » présente l'accompagnement des batteries scintillantes de Tumi Mogorosi et peu d'autre chose, offrant un espace clair pour que Hutchings puisse laisser s'échapper un feu ardent à travers son instrument de prédilection.

Yussef Kamaal: Black Focus (2016)

Vous trouverez probablement Black Focus dans la section jazz de votre magasin de disques local. C'est sûr, c'est du jazz — les instrumentaux débridés de Yussef Dayes et Kamaal Williams se déplacent avec l'esprit du genre. Mais les deux Londoniens du sud-est mélangent les sons classiques du funk, de la soul, du boogie, de l'afrobeat et du hip-hop en une concoction élégante qui distille cet angle pluraliste et glorieux du Royaume-Uni. Évoquant, en particulier, les sons classiques du soul-jazz de Roy Ayers et Lonnie Smith, ainsi que la musique moderne des stars de la scène Los Angeles telles que Robert Glasper et Thundercat, les arrangements sont aussi intemporels qu'une cravate skinny ou du bourbon. Les percussions de Dayes claquent vraiment, tandis que les claviers stylés de Williams errent librement, aidant à porter les mélodies fluides de l'album. La chimie du duo s'exprime peut-être le mieux sur le morceau final « Joint 17 ». Cela prend un talent suprême et un style illimité pour faire sonner un arrangement aussi décalé de manière si détendue et sans effort.

Nubya Garcia: Nubya’s 5ive (2017)

Sur Nubya’s 5ive, la saxophoniste, originaire de Camden, Nubya Garcia, livre le nectar le plus doux de Londres. Prenez le dapper « Lost Kingdoms », qui glisse aussi doucement que du satin à l'oreille, tandis que le plus traditionaliste « Red Sun » évoque l'approche libre de Wayne Shorter. Bien que Garcia soit sans conteste la star ici, elle rassemble un groupe d'amis de la scène locale qui ajoutent leur propre sens du style à l'album. Les percussions décalées de Moses Boyd offrent la base parfaite tout au long de l'album, tandis que le piano débridé et sans limites de Joe Armon-Jones sur « Fly Free » est un morceau énergique et crescendo de jeu freestyle. « Hold » est propulsé par de puissantes contrebasses grondantes. Que la chanson soit présente ici dans deux versions différentes souligne le dévouement de l'équipe à l'expression freestyle.

Zara McFarlane: Arise (2017)

La musique de Zara McFarlane puise dans des fragments de son milieu d'East London, son héritage jamaïcain et sa vaste formation musicale formelle, qui inclut des stages au London College of Music et à la Guildhall School of Music and Drama. Elle a présenté sa voix vibrante et son son de club de jazz nocturne sur l'album encore excellent If You Knew Her, qui a remporté le prix du Meilleur Acte Jazz aux MOBO Awards 2014, mais Arise est le plus accompli des albums de la chanteuse. Travaillant avec le batteur et producteur Moses Boyd, qui partage le même héritage caribéen que McFarlane, l'album explore les rythmes de la Jamaïque : reggae, Kumina, nyabinghi et calypso. L'accent sur l'histoire est évident dès le court morceau d'ouverture « Ode To Kumina », inspiré par la tradition Kumina, une religion afro-jamaïcaine développée par des travailleurs sous contrat venus du Congo au 19ème siècle. Ailleurs, le magnifique rythme de « Peace Begins Within » souligne un hymne de justice sociale, avec le falsetto flottant de McFarlane prouvant qu'elle est son instrument le plus important.

Sons of Kemet: Your Queen is a Reptile (2018)

La scène jazz de Londres propose fréquemment des antiseptiques apaisants à la Grande-Bretagne de l'ère Brexit. Dirigé par l'homme Shabaka Hutchings, Sons of Kemet lancent l'un des disques les plus engagés politiquement à émerger de ce chaos. Instantanément frappants sont les titres des morceaux, chacun nommé d'après de grandes et influentes femmes noires. L'ouverture « My Queen is Ada Eastman », par exemple, est dédiée à l'arrière-grand-mère de Hutchings. Lorsque le vocaliste invité Joshua Idehen crie : « Brûlez UKIP, fuck les Tories / Fuck les fascistes, fin de l'histoire », il déchaîne la fureur de la capitale multiculturelle qui a rejeté fermement le Brexit mais doit vivre avec la montée des sentiments nationalistes. Soniquement, Your Queen is a Reptile, le troisième album du groupe, élargit leur palette musicale. Le mouvement occupé de « My Queen is Harriet Tubman » lie quelques cuivres graves, des solos énergiques et une percussion hyperactive à danser, tandis que le grondement de « My Queen is Mamie Phipps Clark » porte les empreintes des groupes ska comme The Specials.

Joe Armon-Jones: Starting Today (2018)

Le claviériste Joe Armon-Jones a perfectionné son art en tant que membre d'Ezra Collective et aux côtés de son ami Maxwell Owin sur l'EP commun Idiom, mais son premier album solo Starting Today offre une représentation complète de l'étendue des préférences musicales d'Armon-Jones. Son amour pour le R&B rétro, le funk, le hip-hop et le boogie est profondément ancré dans les grooves de l'album. Même la couverture de l'album, conçue par l'artiste et ami Divya Scialo, présente des images de l'appartement londonien d'Armon-Jones, reflétant la nature personnalisée des six morceaux.

Les moments forts incluent « Almost Went Too Far », un morceau soyeux qui évoque les sons R&B américains des années 1970 de Larry Levan, Paradise Garage et Shuggie Otis. Le morceau titre présente les croons passionnés du vocalist Asheber, offrant un appel à l'unité aux Londoniens les plus défavorisés (« Starting today, I'm gonna wipe the blood off these streets », chante-t-il. « Starting today, spread love in the community »). Parfois, les meilleurs albums de début sont le résultat d'une amalgamation d'idées — comme si le créateur était incertain de pouvoir entrer à nouveau en studio d'enregistrement, alors autant en tirer le meilleur parti. Ici, Armon-Jones nous donne tout ce qu'il a.

Kamaal Williams: The Return (2018)

Nous ne saurons peut-être jamais ce qui a provoqué la rupture soudaine de Yussef Kamaal. Après Black Focus, perdre le duo a semblé être un coup dévastateur pour la scène jazz londonienne. Quelles que soient les raisons de la séparation, Kamaal Williams a rapidement proposé de se positionner comme le continuum naturel du groupe. La couverture de l'album et les polices de The Return correspondent à celles de Black Focus, une saisie claire de l'héritage du groupe. Plus important encore, The Return a proposé davantage de grooves cosmiques qui ont satisfait tout autant cette seconde fois. Les percussions sont funky, la basse est à fond, et les claviers rétro-futuristes de Williams sont merveilleusement soyeux. Dès que les accords lents et les vagues synthétiques éthérées de l'ouverture « Salaam » démarrent, il ne faut pas être musicologue pour dire que cela représente un retour rapide aux affaires pour le Sud-Londoniens.

Tenderlonious: The Shakedown (2018)

Tenderlonious, alias Ed Cawthorne, est un saxophoniste, DJ, responsable de label et une figure clé dans l'arène jazz londonienne. The Shakedown est le résultat d'une seule session de huit heures, mais avec certains des meilleurs musiciens de la scène dans l'équipe — surnommée The 22archestra, qui comprend Yussef Dayes à la batterie et Hamish Balfour aux claviers — c'est un album funky de grooves cool, de flûte urbaine et de claviers décontractés. Il y a aussi une forte influence hip-hop ici : « SV Interlude » et « SV Disco » sont un hommage à Slum Village, tandis que le jeu de flûte de Tenderlonious sur « Togo » est dit être inspiré par les grooves du virtuose d'autrefois de Slum, J Dilla ou MF DOOM.

The Shakedown, cependant, est un album de jazz dans son核心. « Yussef’s Groove » débute avec une batterie entraînante, et chacun des membres de The 22archestra entre progressivement, exploitant pleinement leur puissance virtuose, passant entre basse profonde, solos de piano chics et électricité floue. Il y a des moments de plus de retenue, avec une ambiance style Bitches Brew offrant une palpable sensation d'anticipation et de passion, tout en conservant ce balancement groovy et tardif des années 70 qu'ils maîtrisent si bien. The Shakedown pourrait avoir été enregistré à peu près en même temps qu'il faut pour voler de Londres à New York, mais le groupe est dans un si doux groove qu'il semble qu'ils ont tout le temps du monde.

Moses Boyd: Displaced Diaspora (2018)

Il ne peut y avoir qu'un seul Flying Lotus, mais cela ne signifie pas que Moses Boyd ne peut pas se glisser confortablement dans le créneau ésotérique de FlyLo. Boyd crée de la musique électronique ancrée dans la tradition jazz. Ayant d'abord exposé son mandat inhabituel sur la sortie en quatre pistes de 2017 Absolute Zero (un morceau comme « Square Up » sonne comme extrait d'un Sega Genesis piraté), Boyd étend les frontières de son son sur Displaced Diaspora. Voir comment l'ouverture « Rush Hour/Elegua » mélange des chants africains traditionnels avec les électroniques soul de Boyd. Zara McFarlane est en guest sur la ballade bleu nuit « City Nocturne ». Pendant ce temps, le groupe expérimenté Kevin Haynes Grupo Elegua figure sur quatre morceaux, aidant à ajouter une sensation de jazz plus traditionnel aux morceaux. Le meilleur de tous pourrait être « Rye Lane Shuffle », la concoction animée de cuivres retentissants, de solos de guitare et de percussions rapides capture la rue animée de Peckham d'après laquelle elle tire son nom.

Camilla George: The People Could Fly (2018)

Quand elle était enfant, la mère de Camilla George lui lisait souvent des histoires issues de The People Could Fly, un livre de contes africains empreints du thème de l'esclavage. Le fort sens de l'esprit humain que la artiste d'origine nigériane, basée à Londres, tire de ces histoires influence son album du même nom. Ce recueil de morceaux impeccablement produits et étroitement arrangés possède une ambiance légère — aucun ne dépasse six minutes. Mais le sentiment de George, morceau par morceau, est palpable. Le son des chaînes qui s'entrechoquent sous-tend puissamment le saxophone de George au début du câlin « The Most Useful Slave ». Loin d'être unidimensionnelle, « The People Could Fly » offre un côté plus joyeux à son art. L'album se termine par une reprise de « Here, but I’m Gone » de Curtis Mayfield, liant George aux grooves socialement conscients des années 1970, ressuscitant des récits opportuns pour le ici et maintenant.