Un guide sur Albert King

"Je joue de la guitare chantante," Albert King a dit à Guitar World en 1991. "C'est comme ça que je l'ai toujours appelée." C'était une auto-réflexion très juste : Bien qu'il n'était pas aussi techniquement habile que d'autres icônes du blues — ou même ses suiveurs rock, y compris Eric Clapton et Stevie Ray Vaughan — King était spécialisé dans des solos gutturaux et lyriques qui résonnaient sur un plan émotionnel au-delà du flashy, exprimant la tristesse et l'angoisse mieux qu'une voix ne pourrait jamais le faire.

Cette puissance brute l'a cimenté comme l'un des joueurs les plus vénérés du genre, en particulier pendant son séjour emblématique sur le label Stax de Memphis à partir de 1966. Au cours d'une décennie, le natif du Mississippi a affiné un style malléable de blues électrique qui s'inspirait de ses propres héros de la guitare (y compris T-Bone Walker), ainsi que de la soul riche en cuivres, du jazz, du funk, et du gospel — ce dernier s'infiltrant pendant son enfance tout en chantant à l'église.

King est techniquement né Albert Nelson, mais il a adopté son nom de scène au début des années 1950 — une tentative évidente de tirer parti de la renommée de B.B. King. (Selon la légende, il prétendait même être le demi-frère de B.B. et nomma sa guitare "Lucy," un clin d'œil à la célèbre guitare "Lucille" de l'autre King.) Et bien qu'il n'ait jamais atteint le même niveau de célébrité que son pair, il a fini par être presque aussi influent : Le gaucher King utilisait un style de jeu peu orthodoxe — un accordage alternatif sur une guitare pour droitier retournée — qui donnait à ses leads piquants, ses notes pliées et son vibrato lourd une tonalité unique.

Ses débuts chez Stax, Born Under a Bad Sign en 1967, sont devenus une pierre de touche définitive pour les artistes émergents du blues-rock et du psych-rock de l'époque : Clapton s'est notoirement inspiré du style de King sur "Strange Brew" de Cream cette année-là, et Jimi Hendrix étudiait de près son jeu de frettes. ("Hendrix prenait des photos de mes doigts pour essayer de voir ce que je faisais", a-t-il dit à Guitar World. "Il n'a jamais vraiment compris, mais Jimi était un sacré guitariste, le mec le plus rapide de l'époque.")

Bien que sa production ait ralenti à la fin des années 1970, King est resté actif toute sa vie : Il a joué son dernier concert deux jours avant sa mort en décembre 1992, et son dernier album, Red House, est sorti l'année précédente. Il y a des moments mémorables tout au long de son catalogue, mais King a atteint un sommet créatif pendant son passage chez Stax. Pour offrir aux non-initiés un point de départ, revisitons les cinq albums à découvrir en premier.

Born Under a Bad Sign (1967)

Si vous ne devez écouter qu'un seul album de King, n'allez pas plus loin que son acte de départ monumental chez Stax. Soutenu par le groupe de soutien de la label — comprenant Booker T. & the M.G.'s, les Memphis Horns et Isaac Hayes aux claviers — le guitariste s'aventure du blues rêveur et socialement conscient de la chanson-titre ("Je ne sais pas lire, je n'ai pas appris à écrire / Toute ma vie a été une grande lutte," chante-t-il avec un vibrato grave et soyeux) à la ballade teintée de gospel "I Almost Lost My Mind" en passant par la rendition agile de "Crosscut Saw" de Tommy McClennan, construite sur un groove afro-cubain.

Jammed Together (Avec Steve Cropper, Pops Staples) (1969)

L'as de Stax, Steve Cropper, avait déjà soutenu King sur plusieurs sessions avant ce disque groovy et décontracté — offrant une ancre de guitare stable pour les feux d'artifice de King au lead. Mais lui et "Pops" (ou "Pop") Staples obtiennent une co-tête d'affiche sur Jammed Together, un témoignage approprié de l'influence de Cropper avec son groupe Booker T. & the M.G.'s. L'ambiance ici est détendue et ludique, les trois guitaristes échangeant des solos et des riffs sur une section rythmique toujours en effervescence. Les morceaux originaux suintent tous de confiance (y compris le chant principal soul de Cropper sur "Water"), mais les reprises décontractées sont les plus percutantes, notamment une reprise funky de "What'd I Say" de Ray Charles menée par King.

Lovejoy (1971)

Le producteur de soul de Memphis, Don Nix, a guidé King vers un territoire plus funky sur Lovejoy, employant une équipe élargie de musiciens de session — y compris le batteur Jim Keltner et le dieu de la basse Muscle Shoals, David Hood — qui ont ajouté plus de muscle à sa palette de blues établie. L'album s'ouvre avec une rendition raffinée de "Honky Tonk Woman" des Rolling Stones, mêlant des licks de guitare granuleux et un piano claquant ; et sa reprise de "She Caught the Katy (and Left Me a Mule to Ride)" de Taj Mahal évoque également un swagger à la Stones, avec King se lamentant au sujet d'une "femme têtue" au milieu des riffs graisseux. Mais le centre de l'album est le très funky "Bay Area Blues," co-écrit par le bassiste Donald "Duck" Dunn, qui documente la vie en tournée.

I'll Play the Blues for You (1972)

Alors que Lovejoy plongeait doucement dans les eaux du funk, I'll Play the Blues for You s'y plon­geait en profondeur (et, eh bien, dans les graves): La basse mélodique et trépidante de James Alexander porte la plupart du matériel, y compris le groove maximaliste de "I'll Be Doggone" (équipé de wah-wah, de cuivres et de congas) et le "Little Brother (Make a Way)" strut­ting. King semble à l'aise en tant qu'élé­ment d'un puzzle plus large — comme sur "Breaking Up Somebody's Home," avec ses traînées de guitare brûlantes tissées à travers l'orgue Hammond ondulant et les lignes de saxophone baryton rugissant.

I Wanna Get Funky (1974)

Mission accomplie. Sur le deuxième dernier album de sa période de gloire chez Stax (publié un an avant que le label ne dépose le bilan), King continue de s'étendre au-delà des blues standard en 12 mesures avec des arrangements d'âme cinématographique (l'arrangement avec cuivres et cordes de "Flat Tire") et un funk de l'époque (une refonte agressive de près de huit minutes de "Crosscut Saw," qui se mue en un groove sinueux à mi-parcours). Il produit également certains de ses solos les plus raffinés, y compris sur cette dernière coupe, une torrent de notes pliées plus fumantes que les fumées de cigarettes qui ornent la pochette de l'album.