Les 10 meilleurs albums de math rock à posséder sur vinyle

Polvo: Today’s Active Lifestyles

Supposément, Polvo a renié l'étiquette math rock, alors, autant commencer la liste avec ce groupe errant de Chapel Hill. Polvo est la signature astrologique du genre. Ash Bowie et Dave Brylawski jouent à la corde à sauter. Tirant d'un canon, Today’s Active Lifestyles avait probablement trop d'idées. Il y a tellement de transitions, mais cela sonne tellement unique. Le côté A et le côté B se terminent tous deux par des dirges de sept minutes qui dégagent le sentiment de quelque chose de plus ; le deuxième morceau de chaque côté est un rythme africain dément, tordu avec des guitares résonnantes. "Time Isn’t On My Side" n'a aucune influence et c'était tellement unique qu'il ne pouvait influencer quoi que ce soit.

Chavez: Ride the Fader

Matt Sweeney (voix/guitare), qui a collaboré avec Cat Power et Run the Jewels, peut être un défenseur de l'idée que le math rock est une blague, mais Ride the Fader doit être pris au sérieux. Co-produit par John Agnello (son dernier travail est Out In The Storm de Waxahatchee), Chavez a créé un album de pop torturée qui fait trembler les os.

Ride The Fader a un solo de guitare étendu et teinté de skronk (“Flight ’96”) qui prédate Jack White ; les guitares envahissent juste cet album. Comme un Superchunk plus distordu — les trois premiers albums de ce groupe étaient sur Matador — les clous en aluminium de Chavez font mal. Il y a des moments pop, des moments doux et une section métal avec un xylophone (“Tight Around The Jaws”). Le plus significatif, Scott Marshall envoie ses lignes de basse comme un tremblement de terre après une bombe A.

Don Caballero: What Burns Never Returns

Les groupes instrumentaux forcent l'auditeur à respecter l'instrumentation. Dans le cas de Donny Cab, cela change complètement la perception de la façon dont la musique peut être jouée. Dire que Don Caballero est des sorciers pourrait être un euphémisme ; c'est l'un des meilleurs jams du secteur du rock.

Les guitares d'Ian Williams (nous entendrons plus de lui plus tard) et Mike Banfield sont un système de panique entrelacé et spasmodique ; c'était rien que quiconque avait jamais entendu à l'époque. Le jeu de batterie incroyable de Damon Che n'est égalé par aucun autre batteur que lui. What Burns Never Returns commence avec "Don Caballero 3" — c'est leur troisième album après une mini pause, avec l’ancien bassiste Pat Morris — dans lequel Che lâche un roulement de caisse claire pour les âges, probablement le plus long roulement de caisse claire enregistré dans un studio professionnel. De là, les guitares bouillonnent derrière la manie de Che alors que nous nous grattions le menton, contemplant le prochain mouvement de Cab. C'est un jamming implacable ; Don Caballero fait juste ce qu'ils veulent. Que ce soit "Delivering the Groceries at 138 Beats Per Minute" ou "From the Desk of Elsewhere Go", la musique ne sera jamais la même.

June of 44: Four Great Points

C'est dommage qu'Henry Miller et Anaïs Nin — June of 44 porte le nom de leur correspondance — n'aient jamais pu entendre cette musique. À la fois exaltant et paranoïaque, Four Great Points a une livraison impeccable. C'est du côté plus doux du math rock, mais l'album a une progression menaçante ; June of 44 peut marteler un groove.

Trois des huit morceaux sont instrumentaux, et très cool en plus : "Lifted Bells" a une guitare agissant comme une sirène d'ambulance ; le rythme sur "Doomsday" a été créé avec des objets divers ; et "Air #17" met en vedette un gars parlant dans une machine à écrire aux côtés de la trompette paresseuse de Fred Erskine. Morceau par morceau, June of 44 pourrait être confondu avec un groupe complètement différent, mais ils en ont probablement assez de telles accusations. Four Great Points exige que vous retiriez votre art. "Gouverné par la résolution et les âmes nues," "n'oubliez pas de ramasser l'aiguille après le verrouillage."

Botch: We Are the Romans

Quatre imbéciles autoproclamés d'un coin pluvieux des États-Unis ont créé ce qui est probablement la sortie la plus importante d'Hydra Head Records de tous les temps. Remastérisé pour vinyle en mai 2012, We Are the Romans a été un véritable succès depuis 1999. Botch a apporté une révolution ; c'est de la science sous la forme de médecine occidentale. Non seulement ils ont le meilleur titre de chanson de tous les temps (“Frequency Ass Bandit”), les musiciens impliqués dans ce chargement de torrents ont donné naissance à une poignée de groupes décent : These Arms Are Snakes, Minus the Bear, Narrows et Russian Circles.

Enregistré en neuf jours, We Are the Romans est la bande sonore d'une chute à travers un trou noir. C'est du métal, ouais, mais c'est tellement plus. Botch avait beaucoup d'amplis à faire exploser ; ce n'était pas un jeu que Botch allait perdre. Alors que les guitares scintillent et se fendent, les yeux écarquillés deviennent habituels. Quelqu'un vient d'ouvrir en grand la porte arrière ; profitez de vos dernières secondes avant que ces Bandits de l'Ass Bouddhiste ne libèrent votre douleur avec des psychédéliques enivrés et des flèches aiguisées en abondance. Et tout cela avant la totalité du morceau titre du côté D, une sombre EDM à la Aphex Twin qui vous tire à travers un tunnel de coups de caisse claire. Bye bye maintenant.

Les Savy Fav: Go Forth

L'album le plus axé sur les paroles de cette liste, ce groupe emblématique a des qualités de math rock sur Go Forth, mais c'est plus comme un incroyable album de rock à ne pas manquer. Principalement plus mathématique sur le côté secondaire, les battements par minute de chaque chanson sont indiqués à côté des titres ; cela varie de 120 à 166 sur le côté A, et de 102 à 173 sur le côté B. Ce n'est pas quelque chose que nous voyons habituellement, mais nous ne pouvons rien attendre de moins d'un groupe qui a Tim Harrington, un chanteur principal qui préfère ramper plutôt que de marcher, un homme qui s'enfile des pots de café tout en chantant sur l'art de se faire draguer.

Puisque l'intégralité de Go Forth est cohérente, il est difficile de donner des points de référence spécifiques ; je conseille de l'écouter entièrement avec le moins d'interruption possible. Les Savy Fav pourraient changer votre vie. Maîtrisé par nul autre que Phil Ek, Go Forth scintille comme une étoile brillante tout en battant constamment l'auditeur avec une grosse caisse. Chantez avec "Reprobate’s Resume" (“please go easy on me”), partagez une petite victoire (“Daily Dares”) et laissez le groupe commettre un enlèvement. Avec une séparation spectaculaire — chaque pièce de Les Savy Fav est au premier plan — peu d'albums se terminent avec leurs deux meilleures chansons. "No Sleeves" et "Bloom On Demand" seront à jamais reconnaissables ; c'est une très forte conclusion à un LP magnifiquement rugueux.

Fear Before The March of Flames: Art Damage

Si un film d'horreur sanglant était un album, Art Damage serait celui-ci. Passant rapidement, c'est 29 minutes de hell mathématique lourd. Eh bien, il y a 57 secondes vers la fin (“A Tyrant Meets His Maker”) pour reprendre son souffle avec un peu de synthétiseur et de clavier, mais c'est tout. Art Damage est un déluge torrentiel de riffs. Un document de folie rempli de mélodies.

À l'apogée de Fear Before The March of Flames, ils étaient peut-être le groupe le plus drogué sortant du Colorado. Finalement, ils ont raccourci le nom à Fear Before, et lors de leur première tournée australienne en 2009, leur ami est tombé à travers un toit ; le groupe n'a jamais été le même. Il s'avère que l'intégrité était un pic en bois, et ils se sont tous fait avoir. Quoi qu'il en soit, l'horreur de Art Damage est impressionnante. C'est une libération rapide de frustration et de stress ; nous avons tous besoin de ça. À travers les yeux des malades, la musique n'est pas sacrée.

Minus the Bear: Menos el Oso

De Botch à Minus the Bear, le guitariste Dave Knudson a effectué un changement. La terreur est partie, à sa place quelque chose de excentrique et beaucoup plus détendu. Minus the Bear est Tetris sous forme musicale ; des chansons construites à partir de blocs tombants. Apparemment sur une série de vacances, Menos el Oso (la traduction espagnole du nom du groupe) est le cadre parfait pour un coucher de soleil sur la plage. Cela flotte dans l'air, de l'air non pollué.

Atmosphériquement pédestre, Menos el Oso a des touches instrumentales aux bons moments ; c'est glissant comme un serpent, mais reste calme. La première écoute est étrange, mais cet album sophomore vit par procuration si vous lui donnez suffisamment de temps. Si vous êtes un adulte sur une côte avec un endroit où dormir, vous pouvez redevenir un enfant.

Battles: Mirrored

Mirrored est un début critique d'un groupe compliqué formé de musiciens expérimentés ; le monde de la musique a immédiatement adopté cet album. Ian Williams, ancien membre de Don Caballero, à la guitare et aux claviers ; John Stainer, ancien membre de Helmet, improvisant à la batterie avec le support de cymbales le plus haut de la ligue ; Dave Konopka à la basse, à la guitare et aux effets ; et Tyondai Braxton, qui n'a jamais fait partie d'une autre production de Battles, à la guitare et aux claviers, faisant passer sa voix à travers un ballon d'hydrogène. Mes amis, c'est un pays des jouets intoxiquant de rythme et de suspense infusé d'Adderall.

Que se passe-t-il quand le musicien traditionnel est défié ? Mirrored s'est produit. C'est plus troublant s'il n'était pas si optimiste. Passé à travers des machines, le son est déshumanisé ; la guitare est un pistolet à fuzz. Battles a révolutionné la façon dont la musique rock et l'électronique devraient fonctionner ensemble. En effet, c'est de la musique vraiment folle qui remet en question la réalité. Les sons viennent à l'avant, reculent, pour réapparaître à nouveau. Le bruit de sifflement provient-il de voix ou d'une guitare ? Est-ce un éléphant qui grogne ? Quelqu'un se choke-t-il ? Une musique aussi inexplicable devrait probablement être prétentieuse ; cela ne pourrait pas être moins. Mirrored est parfaitement ludique. Dans une boîte en verre, cela n'a été fait qu'une seule fois.

The Dillinger Escape Plan: Ire Works

Toujours en train de tromper leurs fans, The Dillinger Escape Plan a joué son dernier concert le 29 décembre 2017, à Terminal 5 à New York ; c'était une série de trois nuits consécutives. Mais une décennie auparavant, sur Ire Works, le groupe a créé une vague énorme de D-beats délirants et de breakdowns à casser la tête. Et DEP était étonnamment séduisant ; "Black Bubblegum" aurait dû être un succès commercial. Dillinger est terminé, mais ils ont laissé une carrière pleine de messages cachés et d'hymnes classiques.

La plupart des breakdowns de Ire Works doivent être ressentis pour être crus — "Party Smasher" est exactement cela. Sept minutes et demie ne laissent pas beaucoup de temps pour une série de changements stylistiques, mais DEP emballe cinq morceaux dans ce petit morceau ; c'est une performance époustouflante. "Milk Lizard" a été conçu pour remplir une arène (écoutez le coup de corne innovant dans le refrain) et le jazz de maison haletant de "Mouth of Ghosts" se dissout dans ce qui peut maintenant être entendu comme un dernier au revoir. Ire Works est remarquablement artistique pour un groupe qui a été à tort accusé d'être un buffle.