Los 10 mejores álbumes industriales que debes tener en vinilo

Throbbing Gristle 20 Jazz Funk Greats

Throbbing Gristle inventó la música industrial. De hecho, acuñaron el término: Industrial Records fue su sello, y la frase “música industrial para gente industrial” se convirtió en su lema, empezando con The Second Annual Report de 1977. Sin embargo, al principio, lo que significaba “industrial” no estaba tan bien definido. Formados como COUM Transmissions en el Reino Unido a mediados de los años 70, Genesis P. Orridge, Chris Carter, Cosey Fanni Tutti y Peter “Sleazy” Christopherson finalmente adoptaron el nombre Throbbing Gristle, realizando presentaciones en vivo confrontativas que presentaban imágenes pornográficas o violentas mientras creaban música cacofónica, a menudo con acompañamiento de spoken word, lo que llevó a obras maestras de horror como “Hamburger Lady” de 1978.

Su logro culminante fue 20 Jazz Funk Greats de 1979, un álbum que representa a Throbbing Gristle en su forma más musical, aunque ese es un término relativo. La portada del álbum muestra a la banda luciendo alegres en Beachy Head, un lugar notorio de suicidios en Gran Bretaña, una especie de estrategia de engaño que sirvió para provocar a los oyentes desprevenidos que hojeaban las estanterías de discos. A pesar de que este álbum es duro, también es rítmico y a menudo accesible en partes, ofreciendo sus interpretaciones de exotica, dub y synth-punk minimalista en la línea de Suicide. También contiene “Hot on the Heels of Love”, su número disco más directo, tomando prestado liberalmente del repertorio de Giorgio Moroder. Hay momentos de relativa calma, incluso ganchos, pero cada pista se siente precaria e incómoda, cada momento melódico existe para crear una falsa sensación de comodidad, solo para que la banda la arranque un momento después.

Killing Joke: Killing Joke

El grupo de post-punk de Londres Killing Joke, sin duda, no realizó la transformación completa al metal industrial hasta principios de los 90, cuando lanzaron Extremities, Dirt and Various Repressed Emotions. Sin embargo, la base de esos himnos implacables y desgarradores se encuentra en el duro stomp del punk rock de su álbum debut homónimo. El álbum, aunque completamente creado con una alineación tradicional de guitarra, bajo y batería, está inundado de sonidos fríos y metálicos y efectos corrosivos. El trino sintético que introduce “Requiem” es algo así como un modelo primitivo para los sonidos procesados y secuenciados que después adoptarían Ministry y Nine Inch Nails, mientras que el efecto vocal distorsionado y desorientador de Jaz Coleman en “Wardance” le otorga a la canción el tipo de terror extraño que se puede relacionar con el industrial anterior. En términos de industrial, el debut de Killing Joke es más crucial por establecer la base que por ver el sonido completamente realizado, pero es un eslabón esencial que faltaba.

Nurse With Wound: Homotopy to Marie

Stephen Stapleton no solo es una figura importante en la música experimental, sino también una persona altamente prolífica. Su catálogo cuenta con más de 60 álbumes de estudio, así como una larga lista de colaboraciones con artistas dentro de la música industrial (Current 93), prototipos del género (Faust) y aquellos totalmente fuera de él (Stereolab). Su obra maestra, Homotopy to Marie, llegó relativamente temprano en su carrera y es un collage sonoro de 50 minutos que empareja la estética de arte de performance del vanguardismo de Throbbing Gristle con una sensibilidad aún más absurda y surrealista. Pocos momentos en Homotopy to Marie se asemejan a melodías reales, y esos momentos suelen llegar después de que el oyente es guiado a través de horripilantes laberintos de platillos que chocan, diálogos encontrados, puertas chirriantes, perros ladrando y varios otros sonidos que son más inquietantes cuando las luces están apagadas y todo lo demás está inquietantemente en silencio. El hecho de que gran parte del álbum sea espacio vacío solo sirve para hacer que los ruidos en las cintas de Stapleton sean aún más aterradores. Mientras que los artistas industriales posteriores encontrarían patrones rítmicos de tales ruidos duros y efectos, Stapleton encontró su arte en una sinfonía torcida de caos.

Cabaret Voltaire: 2x45

Cabaret Voltaire de Sheffield comenzó de manera similar a Throbbing Gristle, a través de presentaciones de arte de performance combinadas con experimentos de bucles de cinta. Sin embargo, la banda, llamada así por un club de Zúrich en el centro del movimiento dadaísta a principios del siglo XX, evolucionó a través de varias fases de su carrera, dejando una primera impresión con sencillos de synth-punk como “Nag Nag Nag” antes de incorporar sonidos más oscuros y duros que se asemejan más a la intensa aproximación de lo que ahora conocemos como “industrial”. Su cuarto álbum 2x45, lanzado después de sus álbumes más duros y el material más apto para la pista de baile de su período de música corporal electrónica (EBM), es el lanzamiento más salvajemente creativo de Cabaret Voltaire, fusionando dance punk, no wave y el militarismo pesado en electrónica del temprano industrial. Es uno de sus álbumes más divertidos, impulsado por los ritmos de destacados como la pista inicial “Breathe Deep” y “Protection”, pero también se encuentra entre sus grabaciones más extrañas y siniestras. Las voces retorcidas y la densidad caótica de “War of Nerves” se perciben un poco como un Godflesh funky. Es uno de los álbumes más accesibles de la banda, a pesar de los elementos duros a veces, y, notablemente, fue el primero en llegar a la lista de álbumes del Reino Unido.

Einstürzende Neubauten: Halber Mensch

El nombre de Einstürzende Neubauten se traduce como “edificios nuevos que se colapsan”, lo que resume esencialmente el ethos de la banda alemana. Llevaron la idea de industrial a su extremo literal, creando sonidos a partir de piezas de metal y hardware, los ruidos duros que producían alineándose a menudo más con musique concrete que con la escritura de canciones real. Halber Mensch (traducción: medio hombre) representó un avance para la banda en que sus composiciones se volvieron mucho más musicales, más humanas, incluso, aunque seguían siendo bastante aterradoras. La pista titular del álbum es una pieza coral, por ejemplo, pero es material de pesadillas: un septeto de voces cantando como si estuvieran involucrados en un ritual de culto. “Yü-Gung”, por más abrasiva que pueda ser, todavía está impulsada por un sólido ritmo de 4/4 y los ladridos rítmicos de la voz de Blixa Bargeld. Hay incluso una peculiar belleza en los momentos destacados “Seele Brennt” y “Sensucht”. En los años venideros, el grupo abrazaría melodías más convencionales, sus videos apareciendo incluso una o dos veces en 120 Minutes de MTV, pero ningún álbum fusionó de manera tan fluida la cacofonía de su instrumentación de chatarra metálica con canciones auténticas como este.

Foetus: Nail

J.G. Thirlwell ha acumulado casi tantos alias como grabaciones a lo largo de los años: You’ve Got Foetus On Your Breath, Scraping Foetus Off the Wheel, Steroid Maximus y Clint Ruin, por nombrar algunos. Pero la evolución de sus muchos apodos habla de la constante creatividad de la mente del loco científico musical australiano. Nail, su cuarto álbum de estudio como Foetus (Scraping Foetus Off the Wheel, para aquellos que llevan la cuenta), es a la vez su más accesible y su conjunto de música más creativamente ilimitado. Una fusión de los sonidos percusivos metálicos y estruendosos de la industrial con blues, jazz, post-punk e incluso melodías de shows, el álbum a veces se siente como las partituras de dibujos animados de Raymond Scott interpretadas por robots malvados.

Los puntos de referencia de Thirlwell son numerosos y diversos, tomando prestado de Shakespeare en el stomp de punk-blues “Throne of Agony”, mientras que “Enter the Exterminator” incorpora elementos de “In the Hall of the Mountain King” de Grieg y “DI-1-9026” hace referencia a Timothy Leary. Para cuando el álbum llega a la pista final “Anything (Viva!)”, Thirlwell grita: “¡Puedo hacer cualquier maldita cosa que quiera!” De hecho.

Coil: Horse Rotorvator

La portada del álbum Horse Rotorvator de Coil, una imagen simple pero inquietante de un gazebo vacío con sombras que se extienden a través de un campo vacío, se imprime con una breve narrativa sobre un “inmenso dispositivo de movido de tierra” hecho con las mandíbulas de los caballos de los Cuatro Jinetes del Apocalipsis. Eso es un buen indicador de los tipos de horrores ominosos que esperan al oyente en el álbum. Donde un artista como Nurse With Wound es aterrador por la incomprensibilidad absoluta de lo que está sucediendo, Coil crea un tipo similar de horror a partir de algo mucho más accesible, incluso bonito. John Balance, Stephen Thrower y el ex miembro de Throbbing Gristle Peter Christopherson encuentran belleza en la depravación y viceversa, mostrando un lado inquietantemente tierno en la balada “Ostia (The Death of Pasolini)”, una elegía proto-neofolk sobre el asesinato brutal del director de cine Pier Paolo Pasolini en 1975. También está el implacable stomp marcial de EBM en “Penetralia” y la atonalidad escalofriante en “Blood From the Air.” Una voz familiar para los oyentes de new wave también aparece en la destacada de death-blues “Slur”, a saber, el de Marc Almond de Soft Cell, acreditado bajo el nombre de Raoul Revere. De hecho, solo dos años antes, Coil había hecho su propia versión de “Tainted Love”, que Soft Cell hizo famosa, con Almond apareciendo en el video simbolizando el Ángel de la Muerte.

Ministry: The Land of Rape and Honey

Los primeros años de Ministry se pasaron tirando casi todo a la pared y viendo qué se quedaba (synth-pop, nuevo romántico, goth rock), y las últimas dos décadas los han visto asentarse en un metal industrial político cargado de bromas. Pero a mediados de los 80, Al Jourgensen y compañía encontraron su rumbo, creando esencialmente el modelo para el rock industrial. Donde el industrial históricamente ha tenido un pie en el espacio artístico y el otro en la pista de baile, Ministry ha preferido durante mucho tiempo esta última, sus sonidos cargados de samples creando una colisión de ritmos electrónicos y guitarras de heavy metal.

The Land of Rape and Honey no es de ningún modo su álbum más fluido, pero es fácilmente su mejor, una explosión creativa de amenaza oscura y pura volumen. Con “Stigmata”, crearon un himno de club para rivalizar con su sencillo anterior más kitsch “Every Day Is Halloween”, mientras que “The Missing” los encontró empujando más hacia la estética metal y “Golden Dawn” evocó una atmósfera apocalíptica y cinematográfica que conjura imágenes de edificios en ruinas y nubes de humo. Aunque Ministry está lejos de ser la banda más seria en la historia del industrial, fueron los primeros en dominarlo como una producción a gran escala, amigable con el mainstream.

Godflesh: Streetcleaner

Justin Broadrick tenía solo 19 años cuando hizo su debut en el metal industrial con Godflesh, Streetcleaner, de 1989. Eso es un hecho notable considerando que no suena como el trabajo de un apenas adulto: es el tipo de sonido que esperas escuchar de seres malévolos e inmortales que viven debajo de la superficie de la tierra. Donde las raíces del metal industrial provinieron principalmente de artistas que evolucionaron de las raíces iniciales del industrial y el post-punk, como Killing Joke o Ministry, el personal de Godflesh ya estaba algo establecido más en el metal mismo, siendo Broadrick quien había tocado brevemente en Napalm Death antes de ralentizar el tempo y enlistar una máquina de ritmo. Streetcleaner, como resultado, no es en absoluto un álbum de baile: es una dura serie de gritos primales alterados en tono, riffs de guitarra desgarradores y golpes de bajo Roland. Es el sonido de una distopía particularmente sadista.

Nine Inch Nails: The Downward Spiral

Para la gran mayoría de los actos industriales pioneros, la aceptación por parte del mainstream no fue un factor importante, y en el caso de Throbbing Gristle, el éxito en el cruce fue una idea que iba completamente en contra de sus sensibilidades provocativas. Sin embargo, para Trent Reznor, un artista que realmente colaboró con miembros de Throbbing Gristle, pop e industrial no eran contradicciones. Rolling Stone describió el debut de Nine Inch Nails, Pretty Hate Machine, como “el primer álbum industrial de cantautor”, y con su seguimiento de 1994, The Downward Spiral, Reznor utilizó ese primer esquema para construir un álbum cohesivo y conceptual de art-rock usando las herramientas del industrial para crear su sonido de gran formato.

Al momento de su lanzamiento, The Downward Spiral fue un avance sin precedentes para la música industrial, mostrando tanto los extremos maníacos del metal industrial basado en samples (“March of the Pigs”) como su balada más introspectiva y devastadora (“Hurt”). A veces, el álbum incluso se asemeja a una entidad robótica caminando a través de lluvias de chispas, como en la feroz “Reptile”. Es una obra maestra de producción, que hizo que la idea de la música industrial fuera universalmente reconocida, gracias en gran parte al éxito arrollador de la canción de sexo “Closer.” El hecho de que Maxwell hubiera interpretado la canción en MTV Unplugged solo un par de años más tarde marcó un momento algo surrealista donde la línea entre una cultura subterránea una vez llena de ruidos y el Top 40 finalmente se había desdibujado.