Los 10 mejores álbumes dobles que debes tener en vinilo

Bob Dylan: Blonde On Blonde

Como con tantas cosas en la música pop, Bob Dylan es el que llevó el álbum doble al mainstream del rock. Ha habido algunos álbumes dobles relativamente exitosos en el jazz antes, pero Blonde On Blonde de Dylan trajo el formato a la luz pública a principios de 1966. Dylan, que solo tenía 25 años en ese momento, se encerró en un estudio de Nashville, donde trabajó con una multitud de músicos de sesión. Blonde On Blonde se convirtió en un símbolo de la confianza creativa de uno de los mejores compositores de todos los tiempos, con Dylan a menudo inventando sus letras en el acto. Hasta el día de hoy, el álbum doble suena deslumbrante y marca uno de los momentos más emocionantes en la extensa carrera de Dylan.

Jimi Hendrix: Electric Ladyland

No pasó mucho tiempo para que otros gigantes del rock reconocieran el álbum doble como una oportunidad para explorar y experimentar. En el caso de Jimi Hendrix, el objeto de su fascinación era, por supuesto, la guitarra eléctrica. Al igual que lo hizo Dylan en Nashville, Hendrix, entonces de 26 años, entendía el estudio como otro instrumento. El proceso de grabación de Electric Ladyland tuvo lugar en el famoso estudio de Nueva York del mismo nombre, donde Hendrix mismo produjo esta bestia de blues de dos cabezas. Electric Ladyland, que dura 75 minutos, presenta dos versiones de "Voodoo Chile", una de las cuales sirve como cierre del álbum y es precedida por "All Along The Watchtower" y "House Burning Down".

The Beatles: The Beatles

Es quizás el álbum doble más conocido del mundo, y con razón. En 1968, The Beatles sorprendieron al mundo al parecer resumir todos los lados de su personalidad musical en un solo proyecto. La publicación en la que resultó, a menudo llamada The White Album, tiene un rango más grande que las discografías completas de otras bandas. Después de que buena parte del material se había escrito durante cursos de meditación en India, estallaron discusiones entre los miembros de la banda mientras grababan el álbum en Londres, siendo la omnipresencia de la nueva pareja de John Lennon, Yoko Ono, problemática. Parece lógico que The Beatles sea quizás el disco más divisivo en la discografía de los Fab Four, con sus letras posmodernas evocando controversias y supuestamente inspirando a Charles Manson.

Miles Davis: Bitches Brew

El vinilo, y los álbumes dobles específicamente, permiten que la música respire. Y aquí hay mucho para respirar, en Bitches Brew de Miles Davis. Hiperventilando, para ser más precisos. En 1970, el maestro trompetista causó su propia gran explosión, combinando elementos hasta culminar en una reescritura radical del libro de reglas del jazz, despidiéndose del bebop y abrazando la música africana. Dos guitarras bajas y tres pianos eléctricos aseguraron que Davis dispusiera de una nueva paleta para dar color a sus composiciones. Una de esas guitarras bajas fue tocada por Harvey Brooks, quien anteriormente había trabajado con Bob Dylan y simbolizaba la aceptación por parte de Davis de progresiones de acordes asociadas con el rock, convirtiendo a Bitches Brew en uno de los primeros álbumes en trascender géneros y crear nuevos por sí mismo.

The Who: Quadrophenia

Hay dos tipos de álbumes dobles, en términos generales: álbumes dobles que proporcionan a los artistas el espacio que desean y álbumes dobles que les brindan el espacio que necesitan. La segunda ópera rock de The Who seguramente cae en la última categoría. Después del éxito comercial de Who’s Next, una decepción personal para Pete Townshend, The Who transitó aguas algo familiares con Quadrophenia de 1973. La banda británica ya había logrado aclamación con su brillante y extraña ópera rock Tommy. Tan radical como parecía esa publicación, Quadrophenia fue (relativamente) refinado, un álbum sin las limitaciones del éxito de un sencillo como 'Pinball Wizard' y un proyecto con simplemente demasiada historia que contar para un solo álbum. Townshend y compañía cuentan la historia de Jimmy, uno de sus primeros fanáticos, en el contexto del movimiento mod de los años sesenta al que estos maestros pertenecieron. Aunque The Who aquí se basaron en sus propias raíces, la historia de un chico solitario buscando amor en la ciudad resultó ser tan atemporal como gran parte de la música de Quadrophenia.

Led Zeppelin: Physical Graffiti

Los álbumes dobles pueden permitir que los artistas se aventuren en territorios previamente desconocidos, pero también les permiten perfeccionar elementos que han ejercitado anteriormente. En 1972, Robert Plant y Jimmy Page viajaron juntos a India e inspirados por músicos de estudio locales. Las grabaciones que hicieron sentaron las bases para el álbum más extremo y ecléctico que la banda, normalmente relativamente económica, haya lanzado. Hay más aventura en el libre fluir de "In My Time Of Dying" que en cualquier otro instante de 11 minutos, y escuchar "Kashmir" y "In the Light" demuestra de una vez por todas que Led Zeppelin eran la banda más pesada del planeta.

Stevie Wonder: Songs in the Key of Life

Hay mucho de Songs in the Key of Life, resulta: este álbum doble de Stevie Wonder de 1976 dura casi dos horas y cada minuto de él es tan alegre como el anterior. Aquí, Wonder da paso a una calidad completamente diferente del álbum doble. El formato no solo está destinado a abundantes conceptualizaciones serias: también está destinado a divertirse y dar rienda suelta a tu multi-instrumentalismo y musicalidad, como lo hace Wonder en grandes éxitos como "Sir Duke", "I Wish" y "Isn’t She Lovely". Songs in the Key of Life fue el décimo octavo álbum de Stevie, pero uno de las figuras más populares en la música R&B y pop aquí suena tan entusiasta como siempre, como un niño en una tienda de golosinas. Esa imagen colorida que este álbum evoca se enriquece aún más con el conocimiento de que Wonder no solo contaba con teclados de sintetizador y saxófonos, sino también con una impresionante alineación de estrellas, incluyendo a Herbie Hancock, George Benson y Minnie Ripperton.

Pink Floyd: The Wall

La banda que dominó la década lanzó su obra maestra final en las últimas semanas de los años 70. De manera apropiada, The Wall de Pink Floyd utilizó la oportunidad para reflexionar simultáneamente sobre la inquietud de Roger Waters con el estatus de superestrella de la banda. The Wall fue casi completamente concebido por Waters, quien también se inspiró en la muerte de su padre durante la Segunda Guerra Mundial, que es como comienza el álbum. En muchos sentidos, The Wall se despide de Pink Floyd, con el protagonista del proyecto modelado a partir de Waters y el frontman original de la banda, Syd Barrett, y manejando la autoimposición de Waters de aislamiento de la sociedad. Canciones como "Comfortably Numb" y "Another Brick in the Wall Part II" son tanto sencillos exitosos como el sonido de Pink Floyd desmoronándose. Esto crea uno de los álbumes más fascinantes de la carrera de la banda: continuarían lanzando tres álbumes más, pero nunca lo harían con la formación clásica y nunca lograron hacer otro disco que pudiera estar a la altura de The Wall.

The Clash: London Calling

The Clash, a gritos, volvió a meter la conciencia social en la música pop con su amenazante mezcla de ska, reggae, R&B, punk y power pop. En London Calling, Joe Strummer y Mick Jones hacen un caso convincente para la propiedad de la etiqueta Last Angry Band, que a menudo se les asigna. El álbum, que siguió al debut homónimo de The Clash y Give ‘Em Enough Rope, de hecho se convirtió en un álbum doble debido a la energía con la que estaban escribiendo sus canciones. Esto permitió a los británicos crear un álbum brutal sobre individualismo y aislamiento, tan agudo en opiniones como en tono.

Prince: 1999

Prince es quizás el único músico que haya lanzado un álbum doble sin querer. En 1982, el Purple One estaba improvisando mucho en su estudio en Minnesota, grabando canciones tan pronto como la inspiración lo golpeaba. Entre su trabajo había pistas de baile, hermosas baladas y rockeros ruidosos, que pronto sumaron más material del que un álbum podría contener. “No quería hacer un álbum doble, pero seguí escribiendo y no soy de los que editan”, dijo Prince al Los Angeles Times más tarde ese año, cuando se lanzó 1999. El álbum se convirtió en el gran éxito del artista, presentando quizás las canciones más funky que jamás lanzaría. Cuando se lanzó la película original Blade Runner en el verano de 1982, Prince comenzó a incorporar los estilos y temas futuristas de la película en la música. Sin duda, tuvo éxito: pistas como el inicio del álbum "1999", "Lady Cab Driver" y "Little Red Corvette" todavía suenan como si pudieran lanzarse mañana.