Los 10 mejores álbumes de Charles Mingus que debes tener en vinilo

Estudiando originalmente el trombón y el violonchelo, Mingus fue un multiinstrumentista que hizo la transición al contrabajo, que eventualmente se convirtió en su motivo musical. Mingus fue ampliamente reconocido como un fenómeno en el contrabajo, llegando a hacer giras con Louis Armstrong, Lionel Hampton y Duke Ellington antes de crear sus propias composiciones y dirigir sus propias bandas.

Mingus personificaba el trabajo duro y el auto-desarrollo, resultando en un cuerpo de trabajo que supera más de 250 lanzamientos. Puso su corazón y su alma en su arte, creando una lista variada y sublime de lanzamientos. El catálogo de trabajos de Mingus es una montaña rusa alocada. Es salvaje, impredecible, inestable, hostil y brillantemente imaginativo. Es todo lo que uno esperaría de un hombre como Charles Mingus.

Pithecanthropus Erectus (1956)

Este disco es tan innovador como valiente. "Pithecanthropus Erectus" fue una pieza de alto concepto, con Mingus revelando que era un poema tono. El poema dictaba el viaje de la evolución de un hombre homínido de simio a hombre erguido, solo para que el hombre homínido se autodestruyera como consecuencia de la naturaleza humana.

Mingus también creó el increíblemente encantador "A Foggy Day (In San Francisco)", en el que pinta la imagen de exactamente eso, con música. Suenan silbatos, los coches pitan y las sirenas suenan, creando una imagen pintoresca de un día nublado en San Francisco. En 1956, esto era simplemente inaudito. Mingus fue audaz, aventurero y atrevido al intentar tal cosa. La belleza de la pista es que no es un cliché, ni parece cursi. Realmente te transporta a otro tiempo y lugar.

Fue durante este álbum que Mingus realmente experimentó con la forma en que compuso y creó música. Se dice que creó solos y composiciones para sus músicos basándose en sus personalidades y no en sus habilidades. Como compositor que tradicionalmente dictaría partes escribiéndolas en papel, Mingus eligió deshacerse de esta forma de composición y dictar las partes de oído, dejando que los músicos se expresaran libremente.

Este álbum demostraría ser un padre fundador del jazz improvisado, abriendo las puertas para muchos músicos y animándolos a crear música que desafiara la musicalidad convencional. Pithecanthropus Erectus sentó bases musicales que influirían en el género para siempre.

The Clown (1957)

The Clown es un álbum que continuó con la forma improvisada de Mingus. No obstante, es atrevido y tiene una identidad tan audaz. Fue durante este álbum que Mingus reivindica su lugar como uno de los más grandes contrabajistas y compositores.

Su solo durante “Blue Clee” es simplemente glorioso. Se siente bluesy, suena crudo y tiene un atractivo instantáneo. Mingus exige que escuches, que prestes atención y que disfrutes. Mingus toca con una confianza contagiosa. Su habilidad para alterar la dinámica de su instrumento y su banda es insuperable.

Esto se demuestra una vez más en “Haitian Fight Song”. Por un tiempo, Mingus toca solo. Hay una sensación sombría en su solo. Hay un punto en el que la música parece no tener dirección, hasta que la banda regresa a la canción, momento en el cual te das cuenta de que Mingus sabía a dónde iba todo el tiempo.

“Reincarnation of a Love Bird” fue una canción que no fue compuesta originalmente en memoria de Charlie Parker, pero después de un período de creación, Mingus se dio cuenta de que la canción “era Charlie.” Al igual que Charlie Parker, la melodía es una composición suelta, al azar y a menudo desconcertante. Las notas oscilan de planas a agudas, el ritmo cambia de rápido a lento. Es confiada, luego confusa. En términos de metáforas, no te acercarás más a Charlie Parker.

La pista principal “The Clown” es innovadora. Cargada de subtexto sarcástico, la pista semi-improvisada te hace sentir incómodo desde el principio. La canción es narrada por Jean Shepherd, quien discute sobre un payaso y su deseo de afecto y aceptación. Incluso cuando el payaso tiene éxito en hacer reír a la gente, sigue sintiéndose degradado. Aunque Mingus estaba teniendo éxito como músico, siempre sintió que quizás no era en sus propios términos. Mingus era un individuo torturado, que a menudo se sentía controlado por las restricciones y barreras creadas por la raza, la clase y los sellos discográficos. Incluso cuando estaba teniendo éxito, Mingus no era necesariamente feliz. “The Clown” es una canción que te ofrecerá la más profunda y oscura visión de la psique de Mingus.

Mingus Ah Um (1959)

Mingus Ah Um es un álbum maravilloso. Aunque común en esta era, Mingus estaba haciendo declaraciones políticas contundentes sobre la raza y la segregación en 1959 que muy pocos se atrevían a hacer. “Fables of Faubus” fue un ataque directo al Gobernador de Arkansas y su oposición a la integración de nueve estudiantes afroamericanos en la escuela secundaria Little Rock Central. Mingus fue catatónicamente audaz al hacer tal declaración, pero simplemente no se preocupaba por las normas sociales, que sentía que gobernaban el contexto de su música. De hecho, estas reglas tenían el efecto contrario y Mingus a menudo canalizaba su descontento en su música, como se ve en “Fables of Faubus.” La melodía se siente casi jovial, quizás incluso cómica, creando una melodía irónica y casi circense para burlarse del Gobernador de Arkansas. Es una exhibición alegre de hostilidad inteligente.

“Goodbye Pork Pie Hat” fue un homenaje al difunto Lester Young y es una melodía lenta y reflexiva, una vez más retratando el genio de Mingus cuando se encontraba detrás de su contrabajo. Es una oferta musical lujosa. Es armónica, suave y tierna. “Pussy Cat Dues” es de un estilo similar, ofreciendo una vibra elegante y bohemia mientras la música fluye libremente.

Mingus Ah Um es un álbum que es reverenciado por su consistencia y personalidad. Mientras que el estilo de música varía significativamente, el álbum es completo y te deja satisfecho al final de cada canción. Escúchalo de principio a fin, te lo mereces.

Presents Charles Mingus (1960)

Mingus lanzó este álbum en el infame sello Candid, que le permitió tener más control creativo de lo que los sellos anteriores podían ofrecer. Posteriormente, a Mingus se le permitió grabar voces en la mencionada “Fables of Faubus,” que fue regrabada y renombrada como “Original Faubus Fables.” Columbia records se negó a lanzar la canción original con letras, ya que eran de tal hostilidad inherente que Columbia las consideraba demasiado antagónicas para que el país estuviera asociado. Durante la nueva grabación de esta canción, Mingus y su banda cantan que el Gobernador Faubus es un “tonto,” un “nazi” y está “enfermo.” Tales heroísmos raramente se presencian bajo las brillantes luces de la cultura popular. La propia canción es una obra maestra de ritmos intercambiantes, solos alternantes y texturas musicales suaves. Es una pista simplificada, con una sensación semi-improvisada. John Handi y Shafi Hadi se turnan para adornar la pista con suaves solos de saxofón tenor, antes de que la música se detenga y Mingus imponga su dominio en su contrabajo. Toca con furia, deslizando hacia arriba y hacia abajo por su diapasón con una intención feroz. La agresión y la burla son antagónicas, lo que es un deleite de presenciar.

El placer que se puede obtener de Presents Charles Mingus es el de un control creativo previamente mencionado. “What Love” es el trabajo del fenomenal cuarteto que incluye a Mingus, Eric Dolphy, Ted Curson y Dannie Richmond. La transcedente musicalidad es provocada por la libertad que Mingus les concede. Mingus lideró la banda con su bajo, indicando que eran libres de crear la música que querían pero tenían que ajustarse a lo que él estaba tocando en su contrabajo, tanto rítmica como tonalmente. Cada músico toma su turno para improvisar un solo, creando así una composición inimitable. De todas las obras de Mingus, esta es una pieza destacada de improvisación única. El álbum en su totalidad es una obra maestra creativa.

Blues and Roots (1960)

Blues and Roots es un álbum contundente y vibrante. Basándose en el blues, el gospel y la música soul, Mingus declaró en las notas lineales que creó este álbum para confrontar a los críticos sobre la idea de que no tenía suficiente swing. Cuando Charles Mingus se veía atrapado, a menudo salía dando golpes. Con Blues and Roots, esto fue, literalmente, el caso.

No hace falta decir que Mingus hace su punto desde la primera hasta la última nota. Blues and Roots tiene un fuerte swing y desborda alma. “Wednesday Night Prayer Meeting” es el blues crudo en su mejor momento. La banda se mueve con toda su fuerza, con Horace Parlan tocando al piano con autoridad imponente. La banda se turna para expresar el blues, sonando fresco y refinado, pero a la vez simplificado y único.

Pepper Adams es particularmente prolífico en este álbum, con su saxofón barítono agregando un toque terrenal a los metales que realmente sacan el blues en la música. Esto es especialmente evidente durante “Cryin’ Blues.” Pepper Adams proporciona una base para la banda, desafiando con un riff profundo y grave de saxofón barítono. Los tenores Jackie McLean y John Handy se entrelazan de manera impresionante con Pepper Adams y se unifican para causar un alboroto.

Es difícil segregar cada pista y elegir por qué es brillante. Blues and Roots es un viaje, así que sigue con ello y disfruta de la travesía.

Oh Yeah (1962)

Oh Yeah presenta lo que podría considerarse una alineación de metales de primera clase. El cóctel de Booker Ervin y Roland Kirk es fenomenal, siendo difícil para el oyente encontrar una mejor amalgama de metales que esta.

“Devil Woman” es un cóctel agitado con la sección de metales mencionada, creando un jam suave y terrenal que es blues y post-bop en igual medida. Es una pista tentadora, con Mingus liderando al frente, esta vez al piano. Las teclas caen como gotas de lluvia, mientras son complementadas por la mejor combinación de metales del mundo. Roland Kirk y Booker Ervin más tarde ofrecen solos individuales que se funden en la boca. Los solos son suaves y cada nota tocada perfectamente. Menos es más, o eso dicen.

Una vez que estés agradablemente relajado, el ritmo cambia con “Wham Bam Thank You Ma’am.” Este es un hard bop en su mejor forma. La banda golpea un ritmo rápido, liderada por un Mingus animado gritando a lo largo de la pista. Roland Kirk nuevamente ofrece un feroz solo, mientras Mingus lo anima. “¡Sí, Roland!” grita. No puedes evitar hacerlo tú también. Realmente te activa.

Lo mismo podría decirse de “Eat That Chicken.” Esta melodía es otro clásico bop alegre. No puedes evitar mover la cabeza y bailar mientras haces lo que estés haciendo en ese momento.

Tijuana Moods (1962)

Tijuana Moods es la definición del diccionario de caos organizado. El álbum incluye “Ysabels Table Dance” y se puede decir que nunca ha habido una canción con un título más perfecto. El ritmo de este título deja tu cabeza dando vueltas. Inicialmente, “Ysabels Table Dance” estalla en un caos, solo para disminuir la velocidad y dar paso a un lujoso solo de Curtis Porter. Como si de la nada, el ritmo vuelve a aumentar y el caos ocurre. Ysabel Morel en las castañuelas merece una mención, ya que sus castañuelas son un punto culminante particular durante esta canción. El sonido chirriante de las castañuelas salta al primer plano de la anarquía con su sonido atractivo e irremplazablemente único. Ten cuidado, esta música puede animarte a participar en un baile de mesa propio.

La belleza de este álbum es la metamorfosis de caos a tranquilidad, de una pelea a un beso. Quizás esto personifica perfectamente el diagnóstico bipolar de Mingus. “Flamingo” es la pista de cierre, y es un suave y errante final. Bill Triglia toca al piano mientras Clarence Shaw llora su trompeta. El dúo complementa el estilo de juego de cada uno, creando una atmósfera aterciopelada de ensueño. Es un final inigualable para un álbum. Es un café después de una gran comida; es un cigarrillo después del sexo.

The Black Saint and the Sinner Lady (1963)

Al igual que Mingus Ah Um, The Black Saint and the Sinner Lady fue recibido con reverencia. The Black Saint and the Sinner Lady es una obra de arte abrasiva y conflictiva. Se podría argumentar que este álbum de gran banda cae bajo el paraguas de lo vanguardista, mientras se mantiene fiel a las características de un álbum tradicional de gran banda.

Mingus grabó este álbum con una amplia gama de músicos talentosos, incluyendo a Booker Ervin en saxofón tenor, y los arreglos fueron creados por el infame Bob Hammer. Formar esta relación con Hammer fue invaluable para el desarrollo musical personal de Mingus. Más tarde se referiría a Hammer como su “Beethoven.”

Una pista destacada sería “Group Dancers.” Jaki Byard sentó las bases para esta canción, con un piano delicado y suave. Comienza suave, con Byard dictando el ritmo de la pista con autoridad. Después de momentos de lo que parece ser una deriva, el ritmo cambia drásticamente y los metales entran en la música como un toro en una tienda de porcelana, rompiendo todo a la vista. En un instante, el caos se calma y Jaki Byard nos trae de vuelta a la tierra, limpiando el desorden que se creó. Es maravilloso.

Las últimas tres pistas de este álbum se fusionan en un solo movimiento y durarán 17 minutos. Se llaman “Trio and Group Dancers,” “Single Solo’s and Group Dance” y “Group and Solo Dance.” Las tres pistas son una mezcla ruidosa que a menudo desciende en caos, con los metales volando por la izquierda y la derecha. La gran banda se unifica para crear un enorme sonido de swing que te hace mover los pies. La banda se lleva a un impresionante crescendo, operando a un ritmo vertiginoso que apenas puedes seguir con los pies. Antes de darte cuenta, la banda calma las cosas completamente. The Black Saint and The Sinner Lady puede ser agotador, ¡pero emocionante!

Mingus Mingus Mingus Mingus Mingus (1963)

Una vez más, asociándose con Bob Hammer, Mingus ofrece un álbum de post-bop un tanto despojado y bullicioso. Aunque hay una gran banda en este álbum, Mingus Mingus Mingus Mingus Mingus se siente más crudo que sus grabaciones anteriores.

“II B.S” muestra la poderosa interpretación de contrabajo de Mingus. Tira de las cuerdas de su contrabajo, estableciendo una línea de bajo concreta para la banda, que entra y sale cuando Mingus lo permite. Mingus está en completo control, con esta melodía exhibiendo todas sus habilidades estruendosas. “Better Get Hit in Yo’ Soul” es del mismo corte, y presenta al etéreo Eric Dolphy quien lidera una sección de metales que toma vuelo a través de esta pista. Los solos son brillantes y efervescentes, con la banda mostrando una sinergia y confianza que solo podría haber sido cultivada por músicos liderados por Hammer y Mingus.

“Theme for Lester Young” es una melodía más lenta y somnolienta. Es elemental, y está impregnada de carácter. Desde la primera nota hasta la última, te sientes transportado. Cuando comienza, estás inmediatamente transportado a un bar humeante de Nueva York, y estás tomando una copa con el querido Lester que ya no está. Fue una canción creada en memoria de Lester Young, que le habría encantado.

Mingus Mingus Mingus Mingus Mingus es frecuentemente pasado por alto, pero no debería serlo. Es un álbum de post-bop confiado y bien refinado que merece tu atención.

Let My Children Hear Music (1972)

Let My Children Hear Music es una hermosa pieza de orquestación y lo que Mingus consideraba el “mejor álbum” que había hecho jamás. Durante este álbum, Mingus se sintetizó con los compositores y transcriptores Sy Johnson, Alan Raph y Hub Miller. Ellos ayudaron a Mingus a crear una composición perfecta que aliviara algunas de las presiones que previamente causaron que Mingus tuviera un colapso y un posterior descanso de la música.

Posteriormente, Let My Children Hear Music fue un álbum que tomó un enfoque diferente a otros álbumes de Mingus. Aunque Mingus estaba al control del cuerpo principal de la música, había más delegación de responsabilidades durante esta grabación y una consecuente participación de otras personas. Aunque la música creada no era inherentemente nueva para Mingus, las técnicas de post-producción, manejadas por Teo Macero, ofrecieron a los oyentes un álbum de Mingus producido con nuevas técnicas e ideas. Teo Macero utilizó ingeniosamente una mezcla de sobregrabaciones, efectos de sonido y muestras existentes para crear una sensación que era profunda, metálica y atrevida.

“The Chill of Death” es sublime, sintiéndose más como una banda sonora de película de terror que la pista de bop formada clásicamente que esperarías. La sección de cuerdas es inquietante, con Mingus recitando un poema sobre estas cuerdas que te deja escalofríos.

“Hobo Ho” es una rebanada magnética de bop. Bobby Jones realmente te hace sentirlo en su saxofón tenor, mientras Joe Wilder y Lonnie Hillyer luchan con salvajes solos de trompeta a lo largo de una pista de 10 minutos, que se siente como si los músicos de metales estuvieran en una pelea musical en un bar. La orquestación de este álbum es realmente tan buena, y sientes que el apoyo de una orquesta tan grande e impermeable le da al solista una confianza que ejemplifica sus habilidades.