La historia perdida de la relación de la India con el jazz

(imagen a través de Meridian)

Los años 20 fueron una época turbulenta para las personas de color y, más específicamente, para las personas negras en América. Luchando por navegar en un mundo donde el racismo era desenfrenado en cada esquina, los afroamericanos no podían sentirse bienvenidos ni a salvo. Esta década también trajo la era del Jazz, un tiempo de ostentación, prohibición y nuevo dinero. Durante esta era y en años posteriores, músicos de Jazz icónicos como Louis Armstrong y Duke Ellington harían giras por el mundo con sus bandas de acompañamiento. Los lugares donde se presentaron te sorprenderían; Afganistán e India eran puntos calientes emergentes para un aficionado al Jazz oriental. Desafortunadamente, las grabaciones de la actuación de Ellington en Afganistán han sido destruidas por los talibanes, pero los restos de su swing y espíritu combativo siguen siendo evidentes.

India, en particular, desarrolló una afinidad especial por el Jazz, y los músicos afroamericanos de gira se sintieron bienvenidos en esta escena. Para escapar de la constante persecución que enfrentaban en Estados Unidos, los músicos de Jazz negros decidieron hacer de India su nuevo hogar, y con ellos nacieron las raíces de la colaboración musical entre India y los afroamericanos. El infame hotel de lujo de Mumbai, The Taj Mahal, incluso llegó a solicitar al violinista negro de Minnesota, Leon Abbey, para formar una banda residente de jazz de nueve integrantes en 1935. Antes de esto, Abbey había sido una figura clave en la escena del Jazz de París durante seis meses, y estableció la primera banda totalmente negra en tocar Jazz en India. Tocaban para las élites de Mumbai en el opulento y extravagante salón de baile art-decó del Taj. Ver a una banda de Jazz tocar era un evento; enormes columnas adornaban la sala y un escenario giratorio aseguraba que el hotel Taj Mahal fuera el hogar de los músicos más exuberantes de Mumbai.

El Jazz también llegó a India en parte debido a la Guerra Fría. Rusia y Estados Unidos expusieron a India a lo que percibían como su mayor arte para ganar su lealtad. Mientras los rusos enviaron al Ballet Kirov (ahora conocido como el Ballet Mariinsky) en una gira por todo el país, los estadounidenses estaban decididos a hacer del Jazz el objeto de los afectos de India. Dave Brubeck fue uno de los primeros músicos elegidos por la CIA para girar y, como resultado, comenzó a improvisar con muchos músicos locales. Esto, a su vez, llevó a que indios que podrían no haber explorado más allá de su zona de confort tradicional experimentaran con una interpretación de un concepto que ya conocían: la improvisación. Uno de los músicos favoritos de Brubeck fue Micky Correa, quien tuvo una fructífera carrera que duró más de 30 años. Los músicos afroamericanos que lo siguieron en esta gira cuasi-política también siguieron su ejemplo y su influencia fue evidente en la cultura pop contemporánea india. Sin embargo, el Jazz también permeó India a través del descubrimiento. Como colonia portuguesa, los gitanos católicos romanos eran especialmente receptivos al Jazz porque tenían un interés invertido en la música y cultura occidentales. Más a menudo que no, los católicos gitanos tienen nombres europeos y fueron los músicos gitanos quienes resultaron ser las leyendas en la escena del Jazz de Mumbai, como Frank Fernand o Anthony Gonsalves. Gonsalves se convirtió en un nombre muy conocido por esta razón, fue mencionado en la comedia de 1977 Amar Akbar Anthony en la canción “My Name Is Anthony Gonsalves.” Esto habla volúmenes sobre la influencia de estos músicos de Jazz.

En India, los músicos de Jazz afroamericanos fueron recibidos con calidez, hospitalidad y aceptación, algo desconocido en lo que habían llamado hogar. Y de los muchos músicos de Jazz afroamericanos que se establecieron en India y colaboraron con músicos nativos, surgió el Jazz indio. Otra banda residente del Taj Mahal Hotel fue un esfuerzo colaborativo con músicos negros, indios y blancos; la banda estaba encabezada por Teddy Weatherford al piano y Cricket Smith en el corneta, y vio cómo el Jazz indio desarrollaba su propio estilo más allá del Jazz americano tradicional. La noción del género puede parecer dicotómica al principio, pero tiene más sentido y se alinea suavemente cuando se evalúan y descifran sus raíces compositivas. La música clásica india es inherentemente improvisacional, dependiendo de voces libres, complementadas por vibrantes sitares y exuberantes tablas. Los artistas de Jazz de origen indio estaban tomando la improvisación, un concepto en el que estaban bien versados, y aplicándolo a escalas pentatónicas en lugar de ragas (escalas indias), tocando instrumentos de viento y de metal en lugar de la shehnai, y percusión occidental en lugar de tabla y dhol. Esta unión de culturas permitió a los músicos indios diversificar y expandir sus inspiraciones musicales, pero dio lugar a carreras para algunos de los músicos indios más icónicos de la historia.

La escena del Jazz indio, desafortunadamente, ha sido mayormente olvidada en India a pesar de ser una parte integral de su aura. La vastedad de la permeabilidad del Jazz demuestra cuánto Mumbai era una ciudad multicultural y verdaderamente global a la par de Nueva York. Sus similitudes radican en que ambas son ciudades portuarias y su capacidad para ser pragmáticas y absorber influencias. De hecho, el Jazz es tan vital para el espíritu moderno indio que cuando India obtuvo la Independencia de Gran Bretaña el 15 de agosto de 1947, los más ricos celebraron en el Taj con nada menos que música Jazz. Aunque el Día de la Independencia se conmemora con el patriótico poema-bengalí de 1882 que se convirtió en canción “Vande Mataram”, esta asociación musical simbolizaba libertad y creatividad para los músicos negros y marrones oprimidos por los blancos. Desafortunadamente, el músico de Jazz indio que más tiempo vivió, Micky Correa, falleció recientemente, por lo que ya no queda nadie que pueda contar de primera mano los relatos de testigos presenciales desde el salón de baile del hotel Taj Mahal. Lo que es peor es que tampoco se realizaron entrevistas con estos músicos, y solo podemos confiar en su influencia capturada en la cultura pop para explorar la historia del Jazz indio.

Los productores de Bollywood y los directores musicales se enteraron de la tendencia del Jazz entre la élite de India, y necesitaban algo, o más específicamente, a alguien que modernizara su sonido que pronto estaría desactualizado. Esa persona fue un hombre que quizás sea sinónimo de Jazz indio, Antonio Xavier Vaz, mejor conocido como Chic Chocolate. Quizás el músico de Jazz más famoso que nunca has oído mencionar, Chic era un multiinstrumentista de Goa que logró hacerse famoso tocando la trompeta en muchas bandas sonoras de Bollywood. Chic fue fuertemente inspirado por Louis Armstrong y a menudo se le llamaba el “Louis Armstrong de Bombay,” incluso llegando a portar el pañuelo característico y cantar en ese estilo gutural y profundo.

Comenzó en Mumbai liderando una banda de once integrantes en el hotel Taj Mahal. Su trabajo fue prolífico, su influencia es perenne y la naturaleza de su composición y actuación enmarca la base de este matrimonio de culturas que promovió el Jazz indio. Ver a Chic Chocolate actuar era más que un concierto promedio, aseguraba que su audiencia estuviera sujeta a una experiencia que nunca olvidarían. Tenía una personalidad ruidosa y encantadora que cautivaba tanto a extraños como a habituales; podía conectar con la multitud con su ingenio y su amor por el espectáculo era palpable. Incluso desarrolló una relación tan sólida con sus habituales que tocaba sus canciones favoritas tan pronto como entraban en la sala. Esta vivacidad es definitivamente evidente en su música, al escuchar viejas grabaciones de su trabajo en solitario, te encuentras cautivado por su manera de tocar la trompeta. Su trompeta poseía una rudeza y una aspereza, especialmente en la canción “Contessa”, parecía tener una vida de personalidad propia y capturaba la atención de todos. Chic había tocado la trompeta desde los 25 años y logró alcanzar un nivel de virtuosismo sin igual. Aunque era conocido principalmente como trompetista, su destreza significaba que también tocaba saxofón, violín y varios instrumentos de ritmo, y se convirtió en arreglista y director.

La influencia del Jazz fue tan sonora que llegó a Bollywood y Chic Chocolate ha sido acreditado con introducir la música occidental a los directores musicales indios. C. Ramchandra, un prolífico compositor de Bollywood, fue particularmente influenciado por el Jazz y buscó incorporarlo en su trabajo. Ramchandra trabajó muy de cerca con Chic para perfeccionar un estilo y rendir homenaje al Jazz de una manera muy india. A pesar de su permeabilidad entre la élite y en hoteles de lujo, la fusión del Jazz con Bollywood, básicamente la respuesta de India a la música pop, permitió que fuera accesible para todos, independientemente de su clase o casta. La película de Bollywood Albela que salió en 1951 fue una suave introducción a Chic Chocolate. En su núcleo, la banda sonora es muy dulce, suave y contemporánea, pero la trompeta de Chic Chocolate que sobresale a través de estas pistas de otro modo muy indias sirvió como una puerta de entrada al Jazz. Una de esas canciones es “Eena Meena Deeka” de la película de 1957 Aasha que se hizo tan famosa que ha sido presentada en comerciales internacionales. Esta canción mostró a Ramchandra descubriendo cómo interpretar el Jazz de una manera distintivamente india mientras sonaba tradicionalmente como el Jazz afroamericano. La letra “maka naka” es Konkani para “no quiero”, lo que vimos fue una fusión de influencias gitanas, portuguesas y afroamericanas combinadas en una única experiencia sonora. En última instancia, fue una canción divertida y sin sentido que encapsuló el espíritu vivaz de Chic y, como cada una de las otras canciones por las que es acreditado, demuestra perfectamente su pragmatismo musical y geográficamente abarcador. La música de Bollywood ha tenido desde hace mucho tiempo una historia de tomar tendencias e incorporarlas con elementos indios tradicionales, notablemente con la interpretación de disco de Bappi Lahiri.

Desafortunadamente, en los años 60—la década que marcó el apogeo de la popularidad del Jazz—el atractivo del género había comenzado a disminuir. A medida que el dúo de compositores Laxmikant-Pyarelal comenzaba a hacer olas en Bollywood con su reclamación de la psicodelia de Occidente y más instrumentos electrónicos pesados y Rock n Roll comenzaron a tomar prioridad, después de un reinado de aproximadamente 40 años que abarcó dos generaciones, el Jazz ya no era lo “cool.” Sin embargo, la importancia del Jazz indio radica no solo en su producto final, sino en la solidaridad racial y la colaboración que nacieron de: dos grupos discriminados de personas de color por los blancos; India por el colonialismo, y los afroamericanos por la esclavitud, prestando sus tierras; su música el uno al otro y creando algo increíblemente único. Lo que parece ser un choque casi incomprensible de culturas para aquellos que no están familiarizados, es en realidad una exploración perspicaz de cómo la maleabilidad de la música crea belleza y talento idiosincrático.