La espuma nunca se repite

En su segundo álbum Bleak, Froth intensificó la intencionalidad de sus esfuerzos sin sacrificar la energía; las canciones eran un poco más contundentes, un poco menos flácidas, pero seguían siendo flexibles y soleadas. Más notablemente, parecían cada vez más ambiciosas, empujándose hacia afuera donde antes parecían más cómodas en lo recursivo. El tercer álbum Outside (briefly) en ese momento logró equilibrar mejor la vagabundeo y la resurgencia de la banda al incorporar más sonidos digitales a su paleta, orientando sus canciones alrededor de gravidades más profundas que parecían cumplir una promesa en constante expansión de auto-realización. Pero ahora Froth ha lanzado Duress, su cuarto álbum de estudio y segundo para Wichita Recordings, y ha logrado verdaderamente la mayor expresión de su sonido hasta la fecha: una serie exuberante de giros inesperados que tiene cada vez más en común con Radiohead que con antecedentes anteriores como Beach Fossils o The Drums.

Como cada álbum de Froth, Duress consiste en ritmos serpenteantes parches con bolsillos exhibitorios. La banda establece ritmos trance que estallan como un trueno desde nubes de distorsión de lento cambio, el roce de los gradientes impartiendo una presión tectónica que golpea como un colocón de contacto y permanece como un masaje. Ese tira y afloja de lo bonito y lo potente siempre ha estado presente en las composiciones de Froth, pero esta vez el contraste yuxtapuesto está en su punto más asombroso. Varias canciones levantan polvo solo para que caiga de nuevo como copos de nieve, y mucho de lo que los miembros de la banda logran en el álbum similarmente impacta como magia. Duress marca la primera vez que han usado armonizadores, muestreadores y secuenciadores en un álbum, y el nuevo conjunto de herramientas desentierra las posibilidades previamente inactivas en sus melodías errantes. Los álbumes de Froth siempre han sido expansivos, pero no hasta ahora han sido epic.

El álbum es liderado por el sencillo principal “Laurel”, un giro de cuerdas de acero que lleva el nombre de la ilusión sonora viral divisiva del año pasado. Más que un divertido guiño a la nostalgia, Joo-Joo considera la canción como ejemplar de los mecanismos desgastantes de la industria musical: “Escribí esa canción justo cuando salió el tema Laurel/Yanny, y así de largo tarda en lanzar una canción para una banda.” Cuando menciono que ahora hace un buen guiño al pasado, Joo-Joo responde, “¡Sí, pero no se supone que deba serlo, se supone que debe ser de vanguardia!”

El proverbial desengaño de la "industria" es un tema recurrente durante una reciente conversación con Joo-Joo y Jeremy. Los dos describen un choque cultural que surge de sus orígenes en circunstancias creativas para luego navegar el sistema con aspiraciones genuinas. “El último álbum que hicimos fue el primero que hicimos con una verdadera etiqueta con un presupuesto,” explicó Joo-Joo. “Todos teníamos la expectativa de que todo iba a ser muy diferente ahora, que todo el proceso de ser una banda sería diferente. Lo abordamos de esa manera, y creo que nos agotamos un poco en eso.”

La inesperada estancamiento de una gira a menudo ingrata casi llevó a la disolución de Froth por completo. “Ni siquiera quiero decir esto, pero más o menos nos separamos de manera suave después del último álbum,” reveló Joo-Joo. “Así que creo que nuestras mentes no estaban enfocadas en escuchar música que beneficiara a nuestra banda. Las influencias del álbum fueron un producto de eso, simplemente no pensando realmente en qué tipo de cosa ibamos a hacer a continuación. Solo estaba escribiendo cualquier canción.”

La sostenibilidad para Froth provino de reestructurar su propósito para alinearse con su arte recién liberado. “No creo que ninguno de nosotros sienta que ‘Oh, somos músicos profesionales’,” dijo Joo-Joo. “Todos tenemos otras formas de ganar dinero ahora, así que no estamos tan preocupados de que tenemos que llegar a fin de mes cada vez que estamos de gira. Estamos más de vuelta a hacerlo casi como un hobby, solo chicos divirtiéndose tocando música.” El espíritu de la actuación como juego fue enfatizado por el sorprendente punto de ignición de Duress, una colaboración con el artista visual del álbum, Austin Redman.

“Hice un proyecto con él hace dos años donde hizo una portada de álbum con títulos de canciones y diseñó un set en vivo, y me hizo escribir canciones y interpretarlas en vivo para ello,” dijo Joo-Joo. Como lo hicieron al comienzo, la oportunidad de llenar un vacío existente devolvió a Froth a su estado más natural: “Para nosotros, es mucho más fácil encontrar nuevas ideas o cambiar el proceso creativo desde cero porque la monotonía se reduce un poco.” Así es como se unió la primera canción escrita para el álbum, y el cambio en el enfoque impulsó la inspiración para lo que el resto de Duress sería, incluido el nuevo nivel de participación activa que tuvieron los miembros en los materiales no musicales como arte de portada y diseño de mercancía. “Donde la última vez se trataba más de ‘Necesitamos hacer canciones que suenen lo suficientemente bien como para ser tocadas en un gran escenario o lo que sea,’ nuestras prioridades están en un lugar diferente, más relajado,” dijo Joo-Joo.

Y sin embargo, varias de las canciones en Duress se sienten como las más grandiosas de la banda hasta la fecha. “Xvanos” comienza con maracas al estilo Jet, se acumula sobre ellas con acordes de guitarra de rayo y luego se convierte lentamente de un susurro a una cascada influenciada por In Rainbows, de textura y temperamento similar. Mientras cada canción se desarrolla a partir de un bien trazado plano, los finales aquí marcan específicamente algunos de los mejores trabajos de Froth. “Department Head” ya se estableció como un destacado con sus capas de sierra eléctrica y su ritmo de Microcastle, antes de sacar una sirena de ataque aéreo en el cuarto trimestre y tocarla hasta dejar sin aire. El cierre “Syndrome” comienza como una lluvia otoñal de tambores y rasgueos ecoados, y termina como un arcoiris residual dividiéndose en un espectáculo de luz de ensueño sostenido. Es casi cegadoramente impresionante, y luego se disipa como niebla en vidrio.

Composicionalmente, las canciones son aún menos estructuradas que en lanzamientos anteriores de Froth. Es un caso donde las aparentes limitaciones del conjunto se han convertido en una de sus fortalezas más únicas. Como dice Joo-Joo, “Algunas otras bandas son mejores escribiendo diferentes partes [verso, coro, puente, etc.], nosotros somos mejores simplemente creando otros ruidos para incluir, es más fácil.” Continuó: “He estado escuchando mucha música electrónica, y supongo que justifica no hacer ningún cambio, y solo tener diferentes dinámicas que cambian.”

Pero mientras la música electrónica a menudo se forma alrededor de bucles matemáticamente limpios, las canciones de Froth se construyen sobre fragmentos de escombros instrumentales, los tipos de ideas musicales que otras bandas archivarían como papel de borrador. El efecto es deslumbrantemente inquietante, como en “A2” de cinco minutos, que suena como estar en el ojo de una tormenta desde un helicóptero aterrizando, cíclicos vientos de guitarra arpegiada y atmósferas inquietantes en una furia dicha. “77” burbujea una mezcla de sonidos sobre una escalera de bajo que se sentiría en casa en un disco solista de Thom Yorke, tocando la rareza para un pop liminal. La idiosincrasia parece ser tan incidental como obstinada, pero en realidad es un resultado inherente de su proceso.

“No había un álbum completo escrito cuando estábamos grabándolo. A veces solo escuchábamos algo en el estudio y decíamos, ‘Oh, intentemos hacer una canción de esto ahora,’” dijo Joo-Joo. “Así que realmente había cinco canciones para el álbum y simplemente las alargamos.” Su paciencia al exprimir further su material de composición dio rendimientos, dando lugar a un álbum que es tan probable que se conserve por sus desvíos acentuados como por sus fuertes melodías centrales.

Las canciones de Froth parecen como si pudieran continuar para siempre, como si cada próximo giro llevara un camino interminable aún digno de recorrer, y, en verdad, la banda ve la finalización no como un asunto de alcanzar una conclusión definida sino más bien simplemente como un lugar de descanso. “Nunca terminamos realmente las canciones hasta que estamos en el estudio,” dijo Joo-Joo. “Hay simplemente algún tipo de punto donde dices, ‘Oh, realmente no hay nada más que necesite estar allí. Esto suena lo suficientemente bien.’”

Pausó, y luego reafirmó, “Básicamente solo terminan, supongo. Se terminan solas. Una vez que no hay nada más raro que arreglar.” Lo que deduje al hablar con los genios detrás de uno de los lanzamientos más satisfactoriamente excéntricos de 2019 fue que tratar de encontrar un hilo conductor en la fórmula de Froth es una causa perdida. “No hay método para escribir canciones para mí,” sugirió Joo-Joo. “Honestamente, si pudiera decirte una manera más productiva no tardaríamos dos años y medio en hacer cada álbum.”

¿Cuándo pregunto sobre el próximo?

“Es tan difícil pensar en el próximo álbum cada vez,” dijo Joo-Joo. “Realmente no creo que el próximo álbum haga clic para nosotros hasta que procesemos todo el ciclo del álbum anterior.” Jeremy intervino entonces, “Pero puedo garantizar que probablemente será diferente, porque así es como son las cosas para nosotros.” Esperemos que Froth nunca logre fijar una rutina para los años venideros, porque pocas bandas suenan tan bien nunca repitiéndose.