Entrevista: Sunflower Bean

Justo hace cuatro años, Cumming estaba al borde de la educación superior. Kivlen y Faber estaban terminando su primer año cuando el trío tomó la decisión de dedicarse a Sunflower Bean—la banda que los había llevado a tocar en Nueva York, incluyendo una exitosa gira de CMJ en 2014— a tiempo completo. En lugar de eso, este trío probado no ganó sus galones en el campus, sino en escenarios de todo el mundo. Su álbum debut Human Ceremony, lanzado en 2016, estableció a Sunflower Bean como una de las últimas bandas de tendencia en Nueva York con un sonido sofisticado que se basaba en influencias de psicodelia, punk y shoegaze, que demostraba que el trío era sabio más allá de sus años.

Ahora, mientras Sunflower Bean se prepara para el lanzamiento de su segundo esfuerzo, Twentytwo In Blue, que saldrá el 23 de marzo, se apoyan en la autoconfianza que adquirieron en los años desde su adolescencia tardía y principios de 20 años. Aunque los tres tienen 22 años, Twentytwo In Blue es el producto de un examen interno más profundo del mundo tumultuoso que los rodea.

“No creo que hayamos vuelto menos existenciales”, dice Faber, “sino que simplemente hemos mejorado al lidiar con ello y maniobrar alrededor de esos sentimientos. Es gracioso cómo en algunos aspectos maduras completamente más allá de algunas cosas, pero se trata de lidiar con estos sentimientos de una manera más productiva.”

El resultado de tal productividad asegura el estatus de Sunflower Bean como camaleones sonoros. Twentytwo In Blue es un álbum de rock ‘n’ roll sin arrepentimientos que no pretende reinventar ni arreglar el género, pero que sobresale como una clase magistral de lo que el rock podría ser. Con temas como “Twentytwo,” “Burn It,” “Puppet Strings” y “Only For A Moment,” la colección es un homenaje a Fleetwood Mac, Norman Greenbaum, Three Dog Night, incluso Lana Del Rey y la atemporal romance y caos de los 70. Cumming demuestra su habilidad como vocalista transformadora, trapezeando con maestría entre la dulce sirena y la fuerza vivaz. Cuando Kivlen toma el micrófono (como lo hace en el single principal “I Was a Fool”), es empalagoso pero crudo, un llamado a la curiosa y genial maravilla. Si Human Ceremony era adecuado para espacios de bricolaje, Twentytwo In Blue es la banda sonora para estadios y lujosos autobuses de gira.

VMP: ¿Te parece un cliché eso de "Vaya, ahora son mayores y más maduros"?
Julia Cumming: Esa es la cosa de estar en tus primeros 20 años, que piensas que sabes un poco de todo, pero casi definitivamente no sabes nada. Mirar atrás tres años siempre es tan embarazoso, lo que te gustaba y por lo que estabas interesado. Cuando estás realmente en el mundo creando arte y lanzándolo, en lugar de solo pensarlo, tienes que estar bien con tomar decisiones y hacer un registro de quién eres. Tener esa mentalidad de Human Ceremony era quien éramos entonces y Twentytwo in Blue es quiénes somos ahora.

Hay algo súper impactante en tus primeros 20 años y las cosas que creas en ese momento.
JC: Todos podemos estar de acuerdo en que la adolescencia es terrible. Pero tal vez para algunas personas no lo sea, pero para la mayoría, son muy existenciales y dramáticas.

Pero ustedes lo hicieron funcionar creando algo.
Jacob Faber: Sí, Human Ceremony fue una acumulación de todo lo que estábamos sintiendo en muchas de las crisis existenciales por las que estábamos pasando.

JC: Es como hacia afuera y hacia adentro. Cuando eres un adolescente, en Human Ceremony, necesitas expresar tus sentimientos y estás gritando al abismo. Y estás diciendo: “Hola, este soy yo y así me siento.” Siento que en este disco, más aún, queríamos mirar hacia adentro y profundizar en las raíces de por qué nos sentimos como nos sentimos, las raíces de nosotros mismos.

¿De dónde vino ese cambio de mentalidad?
JF: Es una cuestión de tiempo y confianza. De una manera extraña, creo que se necesita más confianza y fuerza para mirar hacia adentro. Se necesita años de gira y práctica y obtener más confianza para poder tener la vulnerabilidad dentro de uno mismo.

JC: Creo que es fácil esconderse detrás de una pantalla y eso no hace que no sea divertido ni que no sea útil ni que esté mal en ningún momento que lo hagas. Cuando comienzas a abrir esa cortina, necesitas ver quién eres realmente. Es como usar maquillaje. A cierto punto, necesitas ver qué hay debajo y qué te informa. Sabíamos cómo hacer jam y sabíamos cómo hacer un show, pero, ¿somos capaces de hacer las canciones y el arte que realmente queremos? Una parte liberadora de hacer este disco fue ver la composición de canciones de una manera diferente en relación a quiénes somos.

Líricamente, eso se refleja en el disco. Una línea como “No voy silenciosamente a la noche que me llama incluso cuando estoy solo” es una letra muy poderosa.
JC: Te informa porque te obliga a mirarlo. Una palabra que me viene a la mente: resiliencia. Gran parte del contenido lírico y lo que intentamos transmitir es un cierto nivel de fuerza que necesitamos oír y que también queremos expresar al oyente. Aunque es un momento triste y extraño ahora mismo, incluso personalmente es lo que deseas: fuerza.

Es difícil no abordar el extraño momento político que estamos viviendo. ¿Es incluso posible no tocar la política en el arte?
JC: A menos que estés creando arte dentro de un vacío...

JF: No es evitable.

JC: La forma en que interactúas con el mundo informará quién eres. El hecho de que sea un momento tumultuoso y extraño, definitivamente ha informado el disco. Somos cautelosos al decir que es un álbum político. Es un álbum hecho bajo circunstancias particulares y nuestra reacción a ello es personal.

JF: La última gira que hicimos con Human Ceremony fue en otoño de 2016, que fue justo alrededor de las elecciones. Habíamos estado en el Reino Unido y Europa antes de eso y luego recorriendo Estados Unidos y ver los letreros físicos de Trump fue bastante impactante y alarmante. Cuando llegamos a casa a principios de 2017 y comenzamos a escribir este disco, estaba muy presente en nuestros pensamientos. Pesa mucho.

¿Qué significado tiene el título del álbum?
Nick Kivlen: Cuando haces un disco y tienes todas estas canciones y tienes que darles un título que las defina y llamarlas de alguna manera cuando son su propia cosa, es difícil elegir un título que las resuma todas. Estábamos pensando en cuál era el estado de ánimo general de las canciones y lo que realmente significan para nosotros. Twentytwo In Blue fue un nombre bastante abstracto pero tangible para dar a todas las canciones colectivamente porque es algo que todas comparten juntas. Es la edad que teníamos cuando las estábamos escribiendo y haciendo el disco, y el estado de ánimo que pensamos que permeaba el álbum.

JC: Habíamos estado recopilando mucha imaginería azul durante mucho tiempo. Cuando estábamos tratando de pensar en un nombre para este álbum, llegamos a Twentytwo In Blue y pensamos: “¿Es el azul demasiado triste? ¿Va a hacer que la gente piense que esto es algo que no es?”

NK: Creo que con los colores puede evocar muchas cosas diferentes. Es un color clásicamente melancólico, pero puede representar un gran cielo azul abierto, o un gran océano azul o una esperanza. Creo que eso encapsula el disco: nosotros siendo 22 sintiendo este azul.

¿Qué tan importantes son las estéticas?
JC: Hablábamos de esto con alguien recientemente y dijeron: “¿Qué pasa con la sinestesia?” No me clasificaría en ese sentido, pero un álbum es una pieza de arte realmente divertida y visceral. Tiene algunos elementos que se repiten una y otra vez. Cuando te piensas como músico, eres el intérprete, eres un letrista. Eres musical, estás escribiendo poesía, pero la poesía está plasmada en canción. Recopilar estos pensamientos y estas ideas es parte de la forma en que uno tiene que sostenerse como artista ahora y probablemente siempre, curando quién eres. Creo que hay muchas maneras sutiles, como yo mirando fotos de Cher y todas estas mujeres que son empoderantes y emocionantes y significan mucho para mí y cómo hacer mi propio estilo de una manera que sea glamurosa, divertida, genial y diferente, pero aún tocando a personas que amo. Es así: simplemente curando quién eres.

¿Qué estaba pasando en el panorama más amplio de sus vidas cuando estaban escribiendo este álbum?
NK: La etapa clave en la que pensé fue cuando nos reunimos por primera vez para tocar en diciembre de 2016, después de terminar nuestra gira y tuvimos un par de semanas libres de la banda. Empezamos a tocar y a escribir y fue como si un grifo se hubiera abierto. Teníamos tantas ideas diferentes y diferentes canciones. Había pasado tanto tiempo desde que pudimos tocar solo los tres en nuestro espacio de práctica sin girar ni hacer nada más que intentar crear canciones. Fue entonces cuando todos nos emocionamos mucho y entramos en modo hiperactivo tratando de trabajar en el disco.

JC: La primera canción en la que trabajamos en cualquier encarnación fue “Burn It.” Siempre son esos primeros pasos donde intentas un nuevo sonido y desafías una parte diferente de ti mismo donde más estás creciendo lo más emocionante. Para mí, intentar diferentes estilos vocales en este disco y Jacob probando diferentes estilos de batería.

El álbum suena como un collage de varios estilos.
JC: Esa es una reseña que hemos recibido: suena como una canción de una banda diferente canción tras canción. Algo sobre Sunflower Bean que quizás sea diferente de otras bandas es que no somos solo un letrista. Incluso cuando tenemos una idea, los miembros de nuestra banda son nuestros humanos de confianza mientras trabajamos juntos para crear algo que sea mejor de cómo comenzó. Cada uno de nosotros tiene nuestras propias influencias que entran en lo que queremos hacer. Lo que obtienes es algo bastante dinámico porque cubre muchos estilos diferentes. Esperemos que trabajando con Jacob Portrait de UMO que coprodujo y Matt Molnar, creo que todas las canciones se sienten como si estuvieran en el mismo mundo. Eso es lo más importante. Si estuvieran en mundos diferentes, sería un poco caótico.

Se siente definitivamente que proviene de un tiempo y lugar determinados.
JC: Algo de lo que también hemos estado hablando es que queremos ver cada canción hasta lo que debería ser. Tienes una canción como “Twentytwo” o “Any Way You Like” donde la estás escribiendo como: “¡Creo que esto necesita violines! ¡Creo que esto necesita ser lujoso al estilo Phil Spector!” Eso no significa que cada canción del disco va a tener cuerdas, pero para dejar que cada una respire y sea la mejor versión de sí misma, van a salir un poco diferentes entre sí.

¿Cuál es su proceso de autoedición?
JC: Depende totalmente de cada canción. Traemos lo que estamos trabajando en varios niveles de terminación. A veces es un riff, a veces son palabras.

NK: Se siente como criar a un hijo. Todos nos acercamos a esta idea de lo que sea y tenemos que criarlo.

JC: Naturalmente y respetuosamente tienes que confiar en las personas con las que trabajas para poder abrir tu arte a ellas. Creo que somos afortunados de confiar tanto entre nosotros y haber trabajado juntos muy de cerca durante un tiempo. Sé que cuando Jacob tiene una idea para la batería que es diferente a la mía y a la de Nick, debemos confiar en ellos y probar todo para llegar al resultado más especial.

Nk: A veces tienes que seguir adelante y poner un punto final en algo. Hemos terminado de jugar con ello, déjalo ir. Creo que eso también es importante.

Entonces, llega un momento en que te preguntas qué estabas tratando de hacer en primer lugar.
JC: Es fácil quedar paralizado por tu ambición o por lo que piensas que puedes hacer. Eso es tan diferente de realmente poner las cosas que amas ahí fuera para ser escuchadas y amadas o odiadas. Creo que la música es realmente comunicativa. Cuando la haces, tienes este impulso de decir algo o hacer algo y también el impulso de compartirlo con la gente. Confiar en ti mismo lo suficiente como para saber dónde está el final y aceptarlo.

A veces, nos ponemos demasiado ambiciosos sobre las cosas y termina siendo paralizante.
JC: Me encanta la ambición y creo que todos somos súper ambiciosos y es algo genial, pero es una de esas cosas por las que el rock es tan genial. Una de las cosas más liberadoras del punk es que no tenías que ser técnicamente el mejor para empezar. Eso es algo que tratamos de decir a los chicos cada vez que vienen a nosotros y hablan con nosotros en los shows sobre querer formar una banda: Ve hazla. Toma una guitarra, toma un bajo, encuentra a tus amigos y simplemente comienza. Es liberador y todo lo demás caerá en su lugar.

Esa es la motivación que la gente necesita escuchar de alguien que realmente lo está haciendo.
JF: Suena fácil, pero creo que hasta que escuchas eso o alguien te muestra que realmente es posible, puede sentirse realmente imposible. He tenido el virus del rock ‘n’ roll en mí desde que era niño y en el fondo quería hacer esto y no pensaba que fuera posible en absoluto. Es importante encontrar personas con las que te puedas relacionar y que les guste la misma música y que puedan explorar y encontrar estas cosas.

JC: Hay una diferencia entre aprender sobre [música] en un aula, incluso en el aula mejor informada, y realmente hacerlo.