Dawn Richard rinde homenaje a Nueva Orleans

La cantante y compositora declara audazmente “Yo soy el género” en la pista introductoria “King Creole”, prefigurando el sonido progresivo del álbum. Canciones destacadas incluyen la armoniosa pista de baile “Boomerang”, la pista inspirada en el dancehall “Jacuzzi” y el himno uptempo “Bussifame”. En su totalidad, Second Line cuestiona las ideas tradicionales de sonido, producción y estética visual. “Es un álbum que la gente tiene que escuchar una y otra vez porque tienen que digerir lo que es,” dijo Richard a VMP.

Second Line es una oda autoproclamada a Nueva Orleans. La madre de Dawn, nativa de Luisiana, sirve auténticamente como narradora a lo largo del proyecto, aportando una sensación de estar en casa en las transiciones y los interludios. “Como artista en solitario, lo que encarnó — soy el ejemplo exacto de lo que es un artista de Nueva Orleans. Mi madre es un ejemplo de eso. Somos criaturas de supervivencia, porque hemos estado en una ciudad que constantemente ha sido olvidada. Sin embargo, tenemos toda esta cultura. Tenemos toda esta belleza,” dijo Richard.

Titulado por una tradición celebratoria de Nueva Orleans, Second Line verdaderamente encarna la ciudad pero de una manera no tradicional. Históricamente, una segunda línea es cuando los espectadores se unen a la línea principal de un desfile a pie, a menudo para honrar a una persona fallecida en un funeral de jazz. “A través de la muerte encontramos positividad. A través del dolor encontramos luz. Este álbum no tiene que tener una banda de metales para decirte que es Nueva Orleans,” dijo Richard. “No iba a ser yo cantando sobre desfiles todo el día. Iba a hacerlo de la manera en que me movía en el arte. Y todo iba a ser intencional de otras maneras para influir en lo que significa ser de esta ciudad.”

La artista sureña describe su ciudad natal como un crisol tanto musical como culturalmente — similar a su nuevo álbum. “[En Nueva Orleans] tenemos criollo, blanco, negro, cajún, italiano, vietnamita. Tenemos una población muy grande de pura diversidad en la ciudad. Caminas por Bourbon [Street] y escuchas un club de rock, un club de zydeco, un club de blues. Obtienes como ocho géneros diferentes de música en una sola cuadra. Eso es natural aquí,” explicó Richard. “Lo mismo musicalmente con este álbum. Es multigénero, pero está mezclado intencionalmente con todas estas cosas hermosas para abarcar en lo que me he criado. Quería contar esa historia.”

Richard habló con VMP sobre celebrar una nueva ola, poner fin a los estereotipos, las cajas y las limitaciones en la música. Además, profundizó en el electro-revival, el afrofuturismo y en romper techos de cristal a través de los géneros.

Esta entrevista ha sido condensada y editada para mayor claridad.

VMP: Antes de profundizar en el álbum, ¿cuál fue la inspiración detrás del arte de Second Line?

Dawn Richard: Si miras mis portadas, siempre he tenido una afinidad por una mujer negra que se ve como una guerrera. Siempre he querido eso, si miras desde Goldenheart hasta ahora. Es importante para mí que la mujer negra — o incluso si no es una mujer negra, la comunidad queer negra, personas que se consideran diferentes, se vean a sí mismos como realeza y regios dentro de la lucha.

Y lo que inventamos fue King Creole, y esa es la armadura. En lugar de que la armadura sea lo que normalmente llevaría puesto, como en Goldenheart — Llevaba una pieza de armadura verdadera. En Blackheart, tenía la armadura saliendo de mi cara. O en New Breed, llevaba el tocado de indio de Mardi Gras. Esta vez, su piel es la armadura. Así que es una nueva versión de lo que vería cuando pienso en artistas o personas que siempre han sido subvaloradas. Siempre los veo como guerreros y King Creole, yo misma. Me veo de esa manera.

Interesante; ¿cuál es tu pista favorita en el álbum y por qué?

Realmente me encanta el trío de “Le Petit Morte” a “Radio Free” a “The Potter”. Esas tres son poderosas para mí porque la segunda mitad del álbum es el lado humano del álbum. Es mucho más vulnerable. Es mucho más desnudo. Mientras que la primera mitad del álbum es un proceso progresivo, el lado Android del álbum. Así que tienes más pistas de baile en la primera mitad. Mientras que la segunda mitad del álbum es más un downbeat.

Esas tres pistas, para mí, hablan sobre cuando uno es creado para la industria o simplemente para la gente. Luego te crean como un producto, y luego te dejan. Y te quedas en el estante. ¿Cómo te amas a ti mismo? ¿Y cómo te ama el mundo cuando ya no eres la cosa popular? ¿Cuando ya no eres la cosa que más se considera hermosa? ¿Cómo sobrevives a eso, o sanas a través de eso? Y esas tres pistas realmente, para mí, resuenan el aspecto humano de lo que he pasado en este viaje musical.

En “Radio Free” fuiste sincera sobre tu experiencia en la industria musical. ¿Cómo te estás manejando como artista en solitario, particularmente como mujer negra?

No me di cuenta hasta que me convertí en artista en solitario que mi color iba a dictar mi género. Siempre he amado la alternativa o la danza. Siempre me ha encantado ese sonido. Y empecé con un grupo de chicas pop que era predominantemente multirracial con mayormente chicas blancas. Así que no recibí el choque. Luego, cuando fui a Dirty Money era severamente negro. Y era hip-hop. Así que no era nada fuera de lo normal para nadie porque eso era tradicional. No fue hasta que me convertí en artista en solitario que me di cuenta, “Oh mierda, mi color me está encerrando en una caja ahora mismo.” Y eso fue el comienzo de eso para mí.

He tenido que sobrevivir cuando todos me rechazaron — cuando no veían este sonido o escuchaban el sonido en una mujer negra. O el momento en que traté de ser versátil y mostrarle a la gente que puedo hacer todos estos sonidos diferentes, y que tiene sentido. Puedo ser productora; puedo ser animadora; puedo seguir una trayectoria diferente a la de los artistas normales. Fui rechazada por eso. Sin embargo, ocho años después, todavía estoy aquí tratando de bailar a través de todo eso.

Sónicamente, cada canción es un poco diferente. ¿Fue intencional cuando estabas secuenciando el proyecto?

¡Absolutamente! La secuenciación era importante para mí, y no quería el cliché. Todos mis otros álbumes, había estado contando una historia tan específica sobre la industria musical. Era como cada canción, cada pieza, era descaradamente sobre la angustia y el dolor. Mientras que con este álbum, quería que reflejara lo que Nueva Orleans es para mí. Así que cada canción — aunque puedan mezclarse — son muy diferentes.

Nunca quiero que un álbum suene como el otro. Realmente quiero que la gente ame diferentes épocas. Puede que no amen esta, pueden preferir un Goldenheart. Las personas que me conocen recién ahora, pueden preferir esta y decir que es el mejor álbum que han escuchado. Nunca quiero que mi arte sea como, “Quiero ser mejor que el siguiente.” Pero más que nada, quiero hacer obras de arte diversas que pinten diferentes cuadros pero que puedan ser reproducidas como un todo. Y cuando lo reproduces, puedes escuchar totalmente la historia. Y puedes ver el viaje, y puedes acompañarlo. Eso es todo lo que podría pedir como artista — que sientas. Podrías odiarlo, amarlo, solo sentir. Si puedo hacer eso con esto, entonces he hecho mi trabajo.

Los videos musicales también comparten un tema común. Desde la visión artística hasta la coreografía, específicamente “Bussifame” y “Jacuzzi.” ¿Qué mensaje estabas tratando de transmitir con los visuales?

El álbum es un Nueva Orleans post-apocalíptico. Es el Blade Runner de Nueva Orleans. Visualmente, estaba tratando de personificar eso lo mejor que pude con un presupuesto independiente. Mi director, coreógrafo y bailarines, todos siendo de Nueva Orleans, aplicando el arte de la danza. Porque aquí [en Nueva Orleans] los desfiles, los equipos de baile y las majorettes están siempre presentes. Es una cosa de cultura aquí. Así que, combinar la idea de tener múltiples chicas bailando conmigo para crear la estética de la tradición de Nueva Orleans está en los visuales.

Sin embargo, la forma en que nos vemos igual, creando el concepto de que, después de que ocurre este mundo post-apocalíptico, la primera persona que ves es una mujer negra. Así que el mundo se borra y la primera imagen que ves son estas chicas negras. Mismo atuendo y mismo cabello para contar la historia del Android. Todas se verían igual, bailarían igual. Pero, estéticamente, habría un aspecto oscuro para ellos, un aspecto grunge para los visuales. Así que todos mis visuales no están limpios. No están pulidos como mis otros visuales han sido. Nuestros disfraces no son perfectos. Hay agujeros, hay rasgaduras. Nuestro maquillaje está moldeado. Se supone que es más arenosa que mis visuales normales. Porque estamos en un mundo que no está pulido. Es crudo.

Es evidente en los créditos que estuviste muy involucrada en el proyecto en general. Especialmente en términos de escritura y producción. ¿Cómo fue ese proceso esta vez?

He estado [trabajando detrás de las escenas] durante ocho años. Tuve que construir mi propio set para mis shows y desmontarlo después de actuar durante dos horas seguidas. Solo he tenido a unas pocas [personas para ayudar]. He tenido suerte y he estado agradecida por las pocas personas que han creído en mí y en mi proceso. Así que, muchas veces tuve que aprender por mi cuenta. Y ganar y perder por mi cuenta también. Así que no es diferente. Este proceso creativo no es diferente de los otros cinco o seis álbumes que he tenido que hacer antes. [Con el fin de] realmente mantener el mensaje vivo, para mantener el arte en movimiento.

Creo que fui intencional con este álbum. Estratégicamente, trabajar con muchas personas de color. Trabajar con animadores de Nigeria, con mi coreógrafo y mi director siendo mujeres, mujeres negras, eso era importante para mí. Luego, tener a los artistas que crearon el álbum siendo de Nueva Orleans; esos fueron movimientos intencionales.