Arlo McKinley abraza 'Este lío en el que estamos'

Producido por Matt Ross-Spang (Margo Price, Jason Isbell) y grabado en el legendario Sam Phillips Recording Studio en Memphis, This Mess We’re In presenta a McKinley ampliando el sonido que creó en Die Midwestern, rellenando canciones con cuerdas, teclados y toques orquestales. Temáticamente, el LP aborda el duelo, la depresión y la complejidad de las relaciones humanas, temas que deberían resonar especialmente con los oyentes después de la turbulencia de los últimos dos años y medio.

A continuación, VMP habla con McKinley sobre cómo le llegan las melodías, su tiempo en Sam Phillips y lo que significa ser parte del legado musical de John Prine.

Esta entrevista ha sido condensada y editada para mayor claridad.

VMP: Has tenido que esperar un poco para sacar este álbum. ¿Cómo te sientes ahora que estás a solo una semana de que los oyentes escuchen el proyecto completo?

Arlo McKinley: Lo he estado guardando durante casi exactamente un año. [15 de julio] es justo alrededor de la época en que terminamos de grabarlo. He estado viviendo con él por un tiempo y tuve que dejar de escucharlo por un rato porque pensé, “Voy a escucharlo mucho”. Estoy emocionado. Estoy emocionado de que finalmente, finalmente haga su camino en el mundo. Estoy súper orgulloso de este disco.

¿Cuándo comenzaste a escribir canciones para el disco? Hay un vínculo temático fuerte entre muchas de ellas. ¿Hubo una canción o idea que ayudara a establecer esas conexiones?

Poco después de que Die Midwestern saliera [en 2020], estaba sentado escribiendo cosas, simplemente jugando con ideas. “Stealing Dark from the Night Sky” fue la primera. Luego “Rushintherug”, cuando la escribí fue cuando, creo, me di cuenta de que estaba escribiendo un disco. Ese fue el momento, aunque ya había escrito algunas de las otras entre esas dos. Pensé que todas las canciones estaban de alguna manera conectadas. Lo supe bastante rápido porque siempre estoy escribiendo, de alguna manera. Algunas ideas se quedan; otras no. Pero nunca había funcionado así, donde todas las canciones que estaba escribiendo parecían ser un poco de una historia. Todas están conectadas entre sí, lo cual creo que surgió de mirar hacia atrás en toda la experiencia del COVID y el confinamiento estricto y todo eso. 

Esos puntos de conexión que encontraste, ¿trabajaste conscientemente para expandirlos? ¿O fue más un subproducto natural de lo que tenías en mente mientras escribías?

Creo que ocurrió orgánicamente, realmente. Algunas de las canciones ahí, como “Bag of Pills” en Die Midwestern, tenía más de 15 años — volví a ella, porque tengo una lista de canciones que he escrito que probablemente son cerca de 40 canciones que trato de revisar algo conscientemente. Creo que, al volver a las viejas canciones, fue encontrar canciones que encajaran con el sonido y la narrativa de todo el álbum. Pero al escribir, creo que simplemente se conectaban orgánicamente entre sí. Las canciones “Stealing Dark [from the Night Sky]”, “Rushintherug” y “To Die For”, y cosas así, son todas nuevas, y luego volví y limpié “Back Home” y “Dancing Days”, que son canciones más antiguas que parecían encajar con el álbum.

“Rushintherug” es una de mis canciones favoritas. Me tomó mucho su melodía. Eso es algo que destacó en todo el álbum: usas la melodía de una manera tan emotiva. ¿Cómo influye la escritura de melodías en tu proceso de composición?

Es un factor muy grande. Es usualmente como termino escribiendo. Nunca he sido alguien que pueda simplemente sentarse y decir, “Voy a escribir una canción hoy”. Ese proceso nunca funcionó realmente. Trato de no forzar nada, y la mayoría de las cosas que escribo provienen de una melodía o algo que se me ocurrió en mi cabeza, mientras conduzco o simplemente estoy sentado. Eso es lo que pasó con el coro de esa canción, así que ahí es donde empezó esa canción. Escuché la melodía de ese coro en mi cabeza y luego pensé, “Oh, en realidad eso es en cierto modo pegajoso. Así que escribiré una canción alrededor de esto”. Es importante para mí escribir cosas pegajosas. Y la melodía, eso es lo que más me gusta de la música, melodías bonitas y cosas así. Con este disco en general, creo que esa canción marcó el tono de cómo sonaría: cargado de cuerdas, con muchos teclados y órganos. Solo quería hacer un álbum bonito. 

Tus letras, también, son muy ricas en imágenes. Como en “Back Home”, la línea, “Esta ciudad es una sinfonía que nunca parece estar en clave”, es tan específica y evocadora. ¿Cómo perfeccionaste una voz narrativa tan vívida?

Eso sigue siendo un misterio para mí. No sé de dónde viene. Realmente no empecé a escribir canciones hasta finales de mis 20, principios de mis 30. Este año cumpliré 43. Siempre fui cantante, solo cantando armonías en bandas y cosas así. Y realmente no sé de dónde vino lo de la escritura. Solo escribo sobre mí mismo y mi vida y las situaciones que paso. Esa línea es simplemente una especie de, “No sé, todo a mi alrededor se mueve, pero nada parece estar en su lugar”. Cuando lo pienso ahora, creo que es extraño que me siente y haga estas cosas. No siempre estuvo ahí. Y fue algo que me tomó mucho tiempo sentirme seguro al respecto. 

La pista del título también me llamó la atención, tanto por tu voz como por su mensaje, que parece ser uno con el que la gente resonará después de pasar estos últimos dos años. ¿Qué hizo que esa canción, en particular, se sintiera representativa de todo el álbum?

En los últimos años, me he dado cuenta de lo importantes que son las relaciones y amistades. No siempre fui consciente de cuánto necesitaba a ciertas personas en mi vida hasta que me vi obligado, hasta que todos nos vimos obligados, a estar sin poder tener a estas personas en nuestras vidas a diario y estar solo por un tiempo. Y pensé que el título “This Mess We’re In” era simplemente apropiado para el momento. Es más apropiado ahora que cuando se me ocurrió. El mundo está en un lugar raro. 

Sí, parece más apropiado cada día, desafortunadamente.

Eso es lo que pasa, sí. Es desafortunado que parezca haber “lados” y cosas así. No sé, es simplemente loco cómo la gente se mantiene alejada unos de otros por creencias políticas o religiosas. Y eso es algo que la música siempre ha hecho, al menos para mí, como tocar en shows o escuchar música: es un descanso de todo eso por un momento, al menos eso espero. Eso es lo que espero ofrecer. 

Leí una cita tuya que decía que crear este álbum te ofreció “una brújula interna” para navegar por las pérdidas difíciles que experimentaste. ¿Puedes decir un poco más sobre lo que eso significa para ti?

Fue justo antes de que Die Midwestern saliera. Uno de mis mejores amigos falleció por una sobredosis de drogas y poco después de eso, mi madre falleció. Creo que estas canciones fueron a lo que recurrí para tratar de superar un momento que ya era difícil, lidiando con cuando llegó el COVID por primera vez y toda esa locura. Luego, al tener estas dos pérdidas importantes, me resultó difícil navegar a través de ello de cualquier otra manera. Era casi como la película Groundhog Day. Todos los días me despertaba y era lo mismo una y otra vez, porque no podíamos salir de gira, no podíamos tocar en shows, no podía ir a Nueva Inglaterra a ver a amigos, no podía hacer nada de eso. Así que creo que de ahí vienen muchas de las canciones. Realmente es. Así es como lo superé en ese momento y cómo todavía estoy pasando por cosas que juegan un papel importante en mi vida.

Tuviste la oportunidad de grabar el álbum con Matt Ross-Spang en el Sam Phillips Recording Studio en Memphis. ¿Cómo fue esa experiencia?

Fue increíble. Trabajar con Matt, no me veo trabajando realmente con otro productor en el corto plazo. Simplemente parece captar lo que estoy tratando de hacer sin que tenga que decir mucho. Fue divertido. Casi tuvo una sensación más relajada [que Die Midwestern] para mí hacerlo. Éramos todos nosotros simplemente tratando de averiguarlo a medida que avanzábamos, porque Matt solo tenía algunas demos acústicas [de] canciones que le había enviado, y la banda aún no las había escuchado. Fue divertido ver cómo las canciones cobraban vida, ver a estos chicos y chicas en la banda escucharlas por primera vez. Solo yo tocando la guitarra y luego viendo lo que creamos a partir de eso fue una experiencia divertida. Y el estudio es como una cápsula del tiempo. No han cambiado mucho en absoluto. El tercer piso de ese lugar aún no ha sido cambiado. Sigue siendo la oficina de Sam Phillips. No han cambiado la alfombra. Es una sensación extraña, estar allí y saber que estás donde han estado tantos otros grandes artistas. No quieres dejar Sam Phillips con un mal disco.

Eres uno de los que parece ser un número creciente de artistas de country que encuentra inspiración en géneros como el punk y el metal. ¿Cómo ves que el country se intersecta con esos géneros?

Tengo dos hermanos mayores. Así que, al crecer, siempre estaba escuchando sus discos cuando estaban en casa. Y luego, cuando llegaban a casa y me echaban de sus habitaciones, iba a la habitación de mi papá y escuchaba su música country. Creo que noté desde temprano que no hay una gran diferencia [entre los géneros], al menos con la fórmula de escribir canciones de una manera punk, que suele ser tres acordes, un verso corto, estribillo, verso, estribillo. Así es como todavía escribo canciones. Casi ninguna de mis canciones tiene un puente ni nada por el estilo. Y son directas y claras. Me enseñé a tocar la guitarra escuchando a Social Distortion, Black Flag y cosas así. Esas bandas están haciendo lo mismo [que el country], realmente, solo que mucho más rápido y más fuerte. Podría fácilmente transformar las canciones de este álbum en canciones rápidas y fuertes también. Están escritas de la misma manera. 

Tu base de fans parece especialmente devota. ¿Qué crees que es lo que haces que conecta con la gente de una manera tan poderosa?

Eso es otra cosa que es un poco un misterio para mí. Mi suposición sería que simplemente soy honesto y directo y tal vez cantando sobre cosas de las que mucha gente quizás no habla, como la adicción, la salud mental y la depresión. He hablado de esto con otras personas, pero creo que posiblemente le muestro a la gente que, sabes, no estás tan loco como puedes pensar que estás. Es algo normal que esto no se hable. Algunos de los correos electrónicos y mensajes que recibimos son muy pesados. Recibí un mensaje de un veterano de Afganistán que me decía que hizo dos giras allí. Dijo que lo único que traería paz y calmaría a todos al final de la noche era escuchar mi disco. No sé si puedo recibir un cumplido más grande que ese.

Fuiste el último artista que John Prine firmó para su sello, Oh Boy Records, antes de fallecer en 2020. De alguna manera, tu carrera siempre tendrá una conexión con su legado. ¿Qué significa eso para ti?

Siempre quiero asegurarme de que estoy representando el sello Oh Boy tan bien como se merece ser representado. Solo saber que seré para siempre la última persona en firmar es algo que pesa mucho sobre mí, en el buen sentido. Llegar siquiera a estar en su radar en cualquier momento es increíble para mí. He dicho a menudo que si todo esto terminara mañana y todo desapareciera, y realmente espero que no, pero si lo hiciera, eso es más éxito que cualquier cosa que podría haber imaginado que terminaría viendo o recibiendo de la composición.