Jay-Z, Meek Mill, 21 Savage und der beste Rap im Juli

Jay-Z: 4:44

Die finanziellen Ratschläge, die Jay-Z im Laufe von 4:44 periodisch erteilt, wurden von Kritikern und Beobachtern bis zur Unkenntlichkeit zerpflückt. Es gibt diejenigen, die es herzlos und weltfremd finden; es gibt diejenigen, die es als wichtigen Baustein einer jeden schwarzen nationalistischen Bewegung betrachten. Wenn er in „The Story of O.J.“ sein jüngeres Ich dafür kritisiert, Coupes statt Gebäude in mittlerweile gentrifizierten Vierteln gekauft zu haben, wird es zu einem Rorschach-Test: Ist Jay ausbeuterisch? Radikal? Oder fordert er lediglich, zusammen mit denen mit heller Hautfarbe behandelt zu werden?

Veröffentlicht Ende Juni, setzt 4:44 dem ästhetischen ADHS von Magna Carta Holy Grail aus dem Jahr 2013 und besonders von The Blueprint 3 aus dem Jahr 2009 ein willkommenes Ende. No ID's Beats reichen von komfortabel bis sehr gut und verwandeln eine Handvoll monströs teurer Samples in etwas Warmes und Handhabbares. Anstatt auf Beyonces Lemonade mit pikanten Details zu expandieren oder – man schaudert bei dem Gedanken – darauf mit Gegenattacken zu antworten, entlädt Jay seine Frustrationen über sich selbst und seine Mängel, wie man es bei einem Therapeuten oder vielleicht einem sehr engen Freund tun würde. Das Ergebnis ist eine Reihe von Songs, die sich manchmal überkocht anfühlen, aber voller Witz, Perspektive und Demut strotzen, all dies vorgetragen mit einem bemerkenswert beweglichen Flow für jemanden, der in den 60er Jahren geboren wurde.

21 Savage: Issa Album

Ich schrieb bei Complex darüber, wie Issa Album einen weiteren Fortschritt des sich schnell verbessernden, unendlich fesselnden 21 Savage darstellt und wie diese schnelle Verbesserung oft von einer groben Sensationslust überschattet wird. Die Wahrheit ist, dass ein Großteil seiner kommerziellen Anziehungskraft und seines kritischen Rufs an die erbarmungslosen Posen gebunden sind, die seine Musik tatsächlich dekonstruiert. Es ist ein einzigartiges Dilemma für einen Künstler, besonders einen, der besser in kurzen, fragmentarischen Phrasen als in diskursivem Meta-Kommentar arbeitet. 21 gelingt es größtenteils, indem er das Getöse ignoriert und leise seine On-Wax-Persona abrundet, um mehr Motivationen, mehr psychisches Gepäck, mehr Ängste einzubeziehen.

Der Wechsel von Metro Boomin zu einer Rotation teurer Produzenten tut ihm gut; das außergewöhnliche Ambiente von Savage Mode wird hier durch schlanke, gezielte, meist hervorragende Nummern ersetzt, die 21s Stimme und Schreiben auf neue Weise in den Mittelpunkt stellen. Es gibt Stiche auf das Radio („FaceTime“), aber größtenteils scheint der junge Mann aus Atlanta sich nicht um das Rap-Landschaft zu kümmern, sondern wie seit dem Ende seiner Mixtape-Ära, immer dann, wenn möglich, weiter in sich hinein zu graben.

Tyler, the Creator: Scum Fuck Flower Boy

Die Schlagzeilen drehen sich um Tyler, die mutmaßliche Sexualität des Schöpfers, und wie diese mutmaßliche Sexualität seine Geschichte mit provokativen (und manchmal kruden) Zeilen über Sex und Geschlecht färbt und qualifiziert. Wirklich überraschend ist nichts an Tyler, einem Künstler, der abwechselnd – oder, wenn es ihm passt, gleichzeitig – in Beichte und Konfrontation traffickiert hat. Die zweizackigen Hinweise hier (eine Überlegung über Verstecke und „Phasen“ und ein geknurrtes „Ich habe seit 2004 weiße Jungs geküsst“) treffen aus beiden Blickwinkeln aufeinander, das ruhige Kind und der Spaßvogel. Und das ist passend, denn Scum Fuck Flower Boy ist Tylers bestes Album bisher, gerade weil es jedes musikalische und persönliche Fragment in ein Technicolor-Ganzes synthetisiert.

„I Ain't Got Time!“ klingt wie Scrooge McDuck, der „Money, Cash, Hoes“ covert. Es ist schwer, den Eindruck abzuschütteln, dass Frank Ocean als kluger Marketing-Schachzug zu Odd Future hinzugefügt wurde, aber dieses Gefühl trübt nichts von der Chemie, die er und Tyler teilen; „911/Mr. Lonely“ erfüllt mehr oder weniger das Versprechen der frühesten MySpace-Dumps, ein Paar von hyper-talentierten Kids, die erwachsen geworden sind, aber nicht zu sehr. Der Einfluss, den diese Neptunes-Platten auf Tylers Produktion hatten, wurde nicht übertrieben, aber hier erkundet er ihre seltsamsten, chaotischsten Endpunkte: „Who Dat Boy?“ ist wie ein düsteres Interlude zu Stadionproportionen aufgeblasen.

Meek Mill: Wins & Losses

Ich möchte diesen Raum nicht nutzen, um über Drake zu schreiben, aber verdammt noch mal: mein Gott war es ermüdend, Leute zu beobachten, die nie Zeit mit einer Meek Mill Platte verbracht haben, sich über ihn lustig zu machen, weil er zum Beispiel keine sieben Unendlichkeits-Pools hat. Er hat den Beef total verbockt. Er hätte die Referenz-Tracks aus heiterem Himmel fallen lassen und dann auf den Hals gehen sollen. Aber das schleimige Verbeugen vor Drakes kommerzieller Lebenslage – und das lachhafte Beharren darauf, dass dies nichts mit Klasse zu tun hat – spricht dafür, was in der sprichwörtlichen Konversation über populäre Rap-Musik verloren geht. Es ist (ich weiß, das ist ein geladenes Wort) oberflächlich, und es verdeckt die einfache Tatsache, dass Meek Mill ein durchgehend guter, oft spektakulärer Rapper ist. Wins & Losses ist wahrscheinlich zehn Minuten länger als es sein sollte („Glow Up“ und der zweite Rick Ross Song könnten ohne Vorfall herausgeschnitten werden), aber es ist ein lebendiges, tief gefühltes Album, das Meek als einen der zuverlässigsten Mainstream-Talente seiner Generation darstellt.

An früheren Punkten in seiner Karriere schien Meek wie ein rohes Talent, ein athletischer Anwärter, der besser Nord-Süd als Ost-West bewegte. Aber er hat sein Schreiben mit Wendungen wie „Tony Story“ ausgefeilt und im Laufe der Zeit gelernt, sich bis zum und dann herunter vom wütenden Fieberpegel des Dreams and Nightmares Intros zu steigern. Wins & Losses setzt Meeks verschiedene Fähigkeiten mit sorgfältiger Planung und einem enormen Sinn für Tempo ein. Die Passage, die kurz vor der Zwei-Minuten-Marke in „Heavy Heart“ beginnt, baut Spannung auf und löst sie besser als fast alles andere in seinem Katalog; das Young Thug-featuring „We Ball“, mit seiner Elegie für Lil Snupe, ist im Bezug auf seine Intensität und Offenheit magenverstimmend. Das Album ist wunderschön produziert, üppig, aber niemals überflüssig; es gibt ein Sample von dem Künstler, der früher als Spooky Black bekannt war und zurückhaltende Gastauftritte von Future, Yo Gotti, Ty Dolla $ign und einem an Blues Clues erinnernden Quavo, unter anderem. Es ist die Art von Album, in der man sich verliert.