Ein Interview mit Haruomi Hosono, dem Brian Wilson Japans

Wie fühlen Sie sich, wenn Ihre Musik außerhalb Japans veröffentlicht wird? Hatten Sie jemals den Wunsch, im Ausland erfolgreich zu werden?

Haruomi Hosono: Wir leben in einer Zeit, in der wir leicht in die Vergangenheit zurückgehen und Musik wiederentdecken können. Persönlich finde ich Freude daran, verschüttete Obskuritäten in einem archäologischen Sinne zu entdecken. Das gesagt, überrascht es mich, dass es Interesse an meinen eigenen Alben gibt, und gleichzeitig möchte ich den Leuten danken, die sie herausbringen wollen. Mit dem Yellow Magic Orchestra in den 80er Jahren haben wir mehr an den Überseemarkt als an Japan gedacht. Gleichzeitig hatten wir das Gefühl, dass wir uns an den kleinen Kreis von spezifischen Musikliebhabern in jedem Land richteten. Das war das Streben, das wir mit YMO hatten. Der Grund dafür war, dass ich bis dahin mit meinen Soloalben sehr insular arbeitete und das machte, was ich machen wollte. Die Musik war nicht nach außen gerichtet; sie war vielmehr nach innen gerichtet. Diese Art von Musik erreicht nicht viele Leute. Ich hatte das Gefühl, dass es schwierig gewesen wäre, weiterhin auf diese Weise Musik zu machen; deshalb habe ich auf das Team gesetzt, das wir YMO nannten.

Was hat Sie dazu gebracht, jetzt, nach all den Jahren, im Ausland zu spielen?

Bei diesen Shows fühlt es sich an, als würde ich einfach mit dem Strom schwimmen, so nach dem Motto: „Mal sehen, was passiert.“ Früher mochte ich es nicht wirklich, live zu spielen, aber seit etwa 10 Jahren spiele ich konstant live und habe tatsächlich angefangen, es zu genießen. Aber es gibt den Konflikt, den ich „musikalische Schizophrenie“ nenne, unter dem Babyboomer in Japan immer leiden – auch wenn meine Musik in Japan verstanden wird, so glaube ich nicht, dass dies bei westlichen Zuhörern der Fall sein wird. Deshalb ist es schwer, sich zu sehr darauf zu freuen, im Ausland zu spielen. Das gesagt, als ich im vergangenen Januar zum ersten Mal in Taiwan und Hongkong spielte, war ich beeindruckt, wie sehr sie verstanden haben, was ich machte, viel mehr, als ich dachte. Jetzt denke ich, dass ich in Asien in Ordnung wäre. In London weiß ich nicht genau, was mich erwartet, daher bin ich eher besorgt als zuversichtlich. Um ehrlich zu sein, mehr als nur im Ausland zu spielen, habe ich den Wunsch, in einem kleinen Café an einem Ort wie Brooklyn zu spielen. Anstatt in ein Publikum unbekannter Größe zu rufen, ziehe ich etwas bescheideneres und kleineres vor.

Apryl Fool, Happy End, YMO, Solo-Künstler, Session-Spieler, Songwriter, Produzent – Sie haben viele Rollen als Musiker übernommen. Welche genießen Sie am meisten? Von all den Projekten, an denen Sie beteiligt waren, was ist Ihr Favorit?

Ich mag es, bei Aufnahmesessions mit Leuten zu sein, mit denen ich mich gut verstehe, so wie es bei Muscle Shoals der Fall ist. In einer Band zu sein ist wie ein Plan oder ein Projekt und bringt angespannte Beziehungen und Verantwortungen mit sich. Ich konnte diese Art von Stress in der Vergangenheit bewältigen, aber jetzt möchte ich keine mehr davon haben. Und da ich erkannt habe, dass ich nicht so versiert bin, wie ich dachte, möchte ich mich nicht überanstrengen und etwas nur um des Willens tun. Welche Rolle passt am besten zu mir? Das wäre das Hören von Musik. Wenn ich das hinzufügen kann, ist es nicht nur das Hören von Musik, sondern auch das Unterscheiden all der verschiedenen Aspekte der Musik.

Sie haben eine unglaubliche Erfolgsbilanz als Songwriter, nicht nur für Ihre eigenen Platten, sondern auch für andere Künstler. Aber kürzlich haben Sie gesagt, dass es wichtiger sei, die Songs anderer Menschen zu covern, um sie zu bewahren, als neue zu schreiben. Warum ist das so?

Es gibt so viele wunderbare Lieder aus dem Westen des 20. Jahrhunderts wie Sterne am Himmel. Ich bin glücklich, diese Lieder jeden Tag hören zu können. Natürlich habe ich meinen Wunsch, selbst neue Lieder zu schreiben, nicht aufgegeben, aber es gibt so viele klassische Lieder da draußen in dieser Welt, dass ich denke, es ist wichtiger, sie zu singen, um sie zu bewahren. Die Menschen heute neigen dazu, solche Dinge zu vergessen, daher fühlt es sich manchmal so an, als wäre Musik eine gefährdete Spezies. Nuancen, Groove, Akustik – es gibt bereits viele Aspekte, die verloren gegangen sind.

Wie fühlen Sie sich, wenn andere Künstler Ihr Lied covern?

Ich werde eines Tages selbst aussterben, also wäre ich dankbar, wenn es jemanden gibt, der es weiterträgt.

Sie haben gesagt, dass Sie das Singen nie genossen haben, bis Sie kürzlich Ihre Meinung änderten. Warum hat es 50 Jahre gedauert, bis Sie diesen Punkt erreicht haben?

Weil ich nicht gut im Singen bin. Aber vor etwa 10 Jahren habe ich erkannt, dass es Spaß macht, Lieder zu singen, die ich mag.

Von klein auf waren Sie fasziniert von der amerikanischen Populärkultur, wie Country-Musik, Westliche Filme, Westküsten-Popmusik. Was hat Sie auf diesen Pfad geführt? Hatte es mit der Besatzungszeit in Japan zu tun?

Als ich geboren wurde, zwei Jahre nach dem Ende des Krieges, war es in der Hauptstadt eines besiegten Landes – Tokio. Das GHQ-Hauptquartier war dort, und die Amerikanisierung durchzog Japan. Aber es kamen auch viele großartige Filme und Musik als Ergebnis, und als ich etwa 4 Jahre alt war, hörte ich ununterbrochen Boogie-Woogie-Musik auf 78er-Platten. Es gab viel Militärmusik und Rokyoku, aber ich habe immer die Swing- oder Disney-Musik für mich ausgesucht. Bei meinen Live-Shows in Japan murmle ich immer, dass mich das GHQ dazu Gehirnwäsche unterzogen hat, Boogie-Woogie zu spielen.

Was waren Ihre ersten Eindrücke von Amerika – war es anders als erwartet? Wie denken Sie heute über Amerika?

Wir haben im berühmten Sunset Sound Studio aufgenommen, eine Sitzung mit Van Dyke Parks gemacht, Little Feat beim Aufnehmen von Dixie Chicken beobachtet – es war eine wichtige Lernerfahrung. Ansonsten haben wir viele Platten gekauft und viele Rösti bei Denny's gegessen. Ich war damals 22. Warum klingen amerikanische Platten so gut? Ist es die Elektrizität? Sind es die Magnetfelder? Das waren die Fragen, die wir uns jeden Tag stellten. Damals fühlte sich Amerika kulturell so weit von Japan entfernt an, und ich hatte eine starke Bewunderung dafür. Aber jetzt nicht mehr so sehr. Das gleiche gilt auch für Japan. Ich frage mich, was sich so sehr verändert hat...

Sie haben Van Dyke Parks als „Sensei“ bezeichnet. Was haben Sie von ihm als Schüler gelernt? Welche Art von Amerika haben Sie aus seinem Album Discover America entdeckt?

Was ich vom Maestro gelernt habe, war die Methode, verschiedene Klangfarben nacheinander zu schichten und Musik wie ein Maler zu machen. Discover America hat mir gezeigt, wie die Musik in Amerika durch seine hybride Kultur, beispielsweise durch karibische oder kreolische Musik, stark bereichert wurde.

Was ist eine größere musikalische Inspiration für Sie: die imaginäre Welt durch die Linse von Hollywood-Filmen und Exotica, die Sie seit Ihrer Jugend lieben, oder die reale Welt, die Sie vor Ihren Augen sehen?

Innerhalb der Gesellschaft zu leben, ist die Realität für den Menschen – und diese Gesellschaft kann uns einschränken. Aber vergleichsweise haben wir in unserer persönlichen Zeit eine gewisse Freiheit. Zum Beispiel, wenn wir mit dem Auto fahren, denke ich, dass wir immer noch die Freiheit haben, überall hinzugehen. Aber selbst dann können Autos nicht durch die Zeit springen. Unsere Herzen jedoch haben die Fähigkeit, bis zum Rand des Universums zu fliegen. Das ist die Welt der Inspiration. Exotica gab mir ein Gefühl der Befreiung aus dem Rahmen der Realität.

Es scheint, dass Ihre „Tropische Trilogie“ und YMO als Ganzes konzeptionell waren, indem sie erforschten, wie Japan durch die Augen des Westens gesehen wurde. Mit anderen Worten, das Skript des „Orientalismus“ umdrehen und es durch Musik aus einer japanischen Perspektive ausdrücken. Warum interessierten Sie sich für diese Art von subversiver Perspektive?

In der Vergangenheit hatte die Musik jedes Landes ihre eigene Farbe. Aber in den 80er Jahren entstand Musik, die mit Synthesizern und Programmierung auf Stadtniveau gemacht wurde, und Tokio war da keine Ausnahme. Aber die Informationsgesellschaft hat diese stadtniveauunterschiedlichen Individualitäten praktisch bedeutungslos gemacht. Jetzt ist es entweder globale Musik oder eine sehr persönliche Art von Musik, die durch Heimaufnahmen erstellt wird. In der YMO-Ära war es für uns unterhaltsamer, unsere Perspektive auf unser eigenes Zuhause in Tokio zu erfrischen, anstatt nach Inspiration im Ausland zu suchen. Es ist die gleiche Art von Aufregung, die Touristen empfinden, wenn sie Tsukiji in Tokio besuchen oder ein Pachinko-Parlour betreten. Es war also anders als Orientalismus; es war ein Streben nach Chaos. Ich glaube, die Menschen neigen dazu, sich zum Chaos innerhalb der Ordnung oder zur Ordnung innerhalb des Chaos hingezogen zu fühlen.

YMO wurde oft als der Klang von Tokio beschrieben. Wie würden Sie den Hosono-Klang beschreiben?

Mit einer Band zu arbeiten oder als Produzent zu arbeiten, ist ähnlich wie in einem Designteam zu arbeiten. Aber die Musik, die ich für mich selbst mache, ist mehr wie die Arbeit eines Malers oder Bildhauers. Instrumente als eine Palette verwenden, ich würde Schichten von Klang aufschichten oder wegkratzen. Es ist also einfach meine eigene persönliche Musik.

Sie haben gesagt, dass Sie sich zu einer Mischung verschiedener Kulturen hingezogen fühlen, wie in der Musik von New Orleans. In diesem Sinne, was denken Sie über die japanische Kultur, die im Vergleich zu einigen der großen US-Städte nicht so vielfältig erscheint?

In den 1950er Jahren wurde auf der ganzen Welt interessante Musik gemacht, auch in Japan. Es war eine Ära, in der alle großen Musikstile sich gegenseitig beeinflussten. In Japan gab es einen starken Mambo-Einfluss, sogar ein neuer Rhythmus namens „Dodompa“ wurde erfunden. Musiker in New Orleans wurden durch Lieder wie Ray Charles’ „What I’d Say“ beeinflusst und integrierten neue Klänge in ihre eigenen Hausstile. Wo Musik entsteht, ist immer unabsichtlich, lustsuchend, einfach und ohne Schwierigkeiten.

Sie hatten immer ein Interesse an den neuesten Technologien und haben sie in Ihre Musik integriert. Ist das auch jetzt noch der Fall? Was denken Sie über die neuesten Synthesizer und Software-Instrumente?

Leider bin ich desillusioniert. In den frühen 2000er Jahren waren PCs noch flexibel und es gab viele interessante Plugins. Jetzt sind die Systeme so streng kontrolliert, dass die Werkzeuge, die ich verwendet habe, mit jedem Betriebssystem-Update sterben. Jetzt haben wir hochqualitative Sounddateien, und man kann sogar real klingende Orchester damit erstellen. CG hat eine ähnliche Entwicklung durchgemacht. Aber das Werkzeug, das ich jetzt will, ist der frühe Emulator. Ich habe ihn verwendet, um das Album Philharmony zu machen, was jetzt unmöglich wäre. Ich mochte die niedrige Auflösung der Klänge in den großen Disketten, aber ich habe nicht die Ausrüstung, um das zu dekodieren. Ich habe nicht die Energie in mir, das wiederzubeleben. Aber ich bin sicher, dass es solche Sounddateien gibt. Ich werde nach ihnen suchen. Übrigens habe ich für jüngste Aufnahmen alte RCA-Mikrofone verwendet. Aber es ist in 96khz gemischt. Das Input ist aus den 40ern, und das Output ist das Neueste – so ist es.

Von all den Instrumenten, die Sie zur Musikherstellung verwendet haben, welches ist Ihr Favorit?

Eine akustische Gitarre und eine spanische Gitarre, die ich in letzter Zeit viel verwendet habe. Erstere ist ein Gibson „Nick Lucas“ Modell aus den 1930er Jahren. Letztere wurde von einem wunderbaren Gitarrenbauer in Tokio maßgeschneidert angefertigt, mit einem Hals, der meinen Händen passt, und einem ähnlichen Design wie die berühmte Arcangel-Gitarre, die ich liebe. Sie hat einen schönen Klang. Oh, und ich darf das nicht vergessen – ich bin in erster Linie Bassist. Ich schätze meinen 1964 Fender Jazz Bass.

Wie fühlen Sie sich, wenn Sie auf Ihre Vergangenheit zurückblicken?

Die Vergangenheit holt einen immer ein. Aber es ist nicht gut, sich zu sehr für sich selbst zu interessieren. Das sollte man lassen.

Sie haben gesagt, dass das Erfinden von Bandnamen Ihr Hobby ist. Wie heißt Ihre nächste Band? Haben Sie irgendwelche guten Bandnamen, die Sie noch nie verwendet haben?

Ich habe es satt. Ich werde vieler Dinge müde. Aber ich mache immer Notizen von Wörtern, die gute Songtitel werden könnten. Und es könnte gut sein, eine Band zu gründen. Mit meinem Namen verborgen. Werde ich das auch satt haben?

Was ist Ihr nächstes Projekt?

Argh, ich bin nicht gut mit dem Konzept von Projekten. Ich habe nie in der Lage gewesen, mein Leben zu planen. Es gibt jetzt mehr Vergangenheit als Zukunft, daher kann ich nicht zu weit vorausdenken. Wenn ich meinen Namen verbergen könnte, würde ich mit einer Techno-Einheit spielen. Aber wahrscheinlich werde ich es nicht tun. Wer weiß? Ich bin mir nicht wirklich sicher.

Abgesehen von Musik, was begeistert Sie gerade?

Theoretische Physik, wie die Quanten- und Superstring-Theorie, die uns fragt, wie viel Menschen über die Welt wissen können. Mit anderen Worten, ich fühle das „Weltende“ jeden Tag. Wie Sie wissen, gibt es hier in Tokio häufig Erdbeben.