Das selbstbetitelte Album von Dream Wife ermächtigt komplexe Frauen

„Wir haben definitiv eine punkige Gesund­heit im Sinne dessen, dass es eine politische Gegebenheit ist, dass wir drei Frauen die Dinge sagen, die wir sagen, in der Art und Weise, wie wir sie sagen“, sagt Go. „Drei Frauen, die in der Musik aggressiv sind, in einem positiven und ermächtigenden Sinne.“

Ihr Ethos als Band inspiriert Gespräche, von ihren mitreißenden Songs – wie dem Abschlussstück des Albums „F.U.U.“, in dem Mjöll fast scheu erklärt, dass sie „dich fertig machen, dich zerschneiden, dich umhauen“ wird – bis zu der ironischen Linse, durch die die Zuhörer diese Botschaften aufnehmen, geprägt von dem scharfen Kommentar ihres Bandnamens. Denn Dream Wife sind nicht hier, um die Erwartungen von irgendjemandem zu erfüllen. Stattdessen haben sie konsequent sogar ihre eigenen zerschlagen.

Während sie an der Universität Brighton studierten, kontaktierten die Mitbewohnerinnen Mjöll und Podpadec Go über Facebook, um sie in ihr fiktives Performancekunstprojekt zu integrieren. Sie schrieben Songs und führten sie bei einer Galerieeröffnung auf, obwohl das Schreiben und Live-Spielen zusammen zu zielgerichtet erschien, um nach dem Ende des Semesters aufzuhören. Also schrieben sie noch mehr, veröffentlichten 2016 eine EP, tourten durch Kanada und Europa und schufen effektiv einen größeren Raum für Frauen im Punk.

Auf ihrem selbstbetitelten Debüt – das im Vinyl Me, Please-Shop in einer exklusiven Edition erhältlich ist – erzeugt Dream Wife Chaos und Spannung mit Gos enthauptenden Riffs, Romantik und Empörung in Mjölls chameleonhaften Geschrei und bringt über Podpadecs Bass einen Groove hervor. Jeder Song tropft vor Dringlichkeit, ist jedoch endlos tanzbar; sie betonen, dass die Revolution mit Liebe unterstrichen wird – dass Frauen sowohl sexuelle Wünsche als auch körperliche Unabhängigkeit haben können, dass sie sich streiten und sich verlieben können. Wenn eine Traumfrau dazu gedacht ist, jede Fantasie zu erfüllen, hat diese hier Erfolg.

VMP: Wie sehr beeinflusst dein Hintergrund in der Performancekunst die Kunst, die du jetzt machst?

Alice Go: Der Kontext, innerhalb dessen wir gegründet wurden, führte zu einer recht offenen Denkweise darüber, was das Projekt war. Es war damals ein hochkonzeptionelles Projekt, das sich als Performancekunst manifestierte, weil wir zu der Zeit Kunst studierten. Wir alle waren vorher in Bands, also war es zweitnatur. Nach der anfänglichen Phase des Kunstprojekts dachten wir, wir würden es dabei belassen, aber es war zu lustig, um zu enden. Wir kamen nach den Herbstferien an der Uni zurück und sagten: „Lasst uns versuchen, das zu machen.“ Diese Band hat etwas zu sagen, und es fühlte sich sehr organisch an. Es gab eine Aufregung darum, und es schien, als würden die Menschen sich damit beschäftigen und etwas daraus gewinnen. Wenn deine Band durchdringen kann und die Leute etwas von deiner Musik fühlen können, ist das eine erstaunliche Sache.

Offensichtlich sind wir auch Kunststudenten, und wir studieren und analysieren ständig, was hier vor sich geht und was die Botschaft ist. Ich denke, es ist wichtig für uns, Kreativität organisch geschehen zu lassen und diesem Projekt zu erlauben, seinen eigenen Weg zu finden. Es ist eine Art fein abgestimmte Maschine. Sie ist in so vielen Aspekten gewachsen. Es fühlt sich nicht falsch an.

In einer Zeit, in der Musik und Kunst als Fahrzeuge untersucht werden, die den Status quo herausfordern, gibt es mehr Druck, etwas „Bedeutsames“ zu schaffen?

Besonders in London, diesen turbulenten politischen Zeiten, ist Musik ein Werkzeug zum Demonstrieren. Punk ging es um Rebellen, aber es ging darum, die Menschen um dich herum zu umarmen und durch das eine Solidarität zu finden. In Bezug auf Frauenstimmen wollen wir die Erwartungen an Frauen in der Musikindustrie herausfordern. Wir schreiben alle unsere eigenen Songs und sind stolz darauf. Es gibt gerade eine wirklich aufregende Punkbewegung in London. Die Menschen fühlen sich unsicher, und wir müssen uns daran erinnern, dass wir alle gemeinsam darin sind, und vielleicht sind wir alle wütend zusammen, aber wir können Wege finden, um Dinge auszudrücken. In London gibt es Bands wie Happy Meal Ltd. [jetzt HMLTD] und Nova Twins, aber es fühlt sich natürlich an, dass diese Stimmen angesichts des aktuellen Klimas existieren. Wie im Punk zünden turbulente Zeiten in der Politik Dinge an und stellen die Frage zu diesem Ding, das wir Realität nennen, in Frage, sowie die Positionen der Macht.

Selbst nur drei Frauen zu sein, die Dinge sagen, die euch wichtig sind, ist immer noch radikal.

Wir haben immer „Wie ist es, ein Mädchen in einer Band zu sein?“ gehört, und es ist so ein fauler Journalismus, weil es eine weitere Möglichkeit ist, dich in eine Schublade zu stecken. Es normalisiert diese Rollen für Frauen nicht, sondern sieht eher die Sache, die einige Mädchen tun. Für uns ist es wichtig, zu repräsentieren und eine Stimme zu finden, bei der man die Tatsache normalisieren kann, dass wir einfach Mädchen sind, die das tun, Songs schreiben, und das auf unsere Weise machen. Ich sah ein Interview mit Kathleen Hanna aus den frühen 90ern, das ist etwas, das vor fast 30 Jahren passierte, aber die Frage war wirklich direkt und ähnlich zu dem faulen Journalismus, den wir als Frauen in der Musik erlebt haben. In 30 Jahren, wie hat sich das nicht verändert? Ich denke, es hilft, über Dinge wie dieses in diesem Interview zu sprechen.

Es fühlt sich unfair an, diese leeren Fragen herumzuwerfen, wenn man so kraftvolle Texte hat wie „Ich bin nicht mein Körper, ich bin jemand.“

Als wir dieses Lied herausbrachten, war es ein Moment für die Menschen, sich zu engagieren und ein Gespräch zu haben, sei es, dass sie sich über soziale Medien engagieren, oder jemand hat sich sogar „Ich bin nicht mein Körper, ich bin jemand“ tätowieren lassen. Bei einem Live-Auftritt gibt es einen Moment, wenn wir dieses Lied spielen, und all diese Frauen, und Männer auch, singen „Ich bin nicht mein Körper, ich bin jemand.“ Es sollte nicht einschüchternd für Mädchen sein, besonders in einem Rockumfeld. Ich denke, es ist wichtig, dass man respektiert, dass jeder sich sicher fühlen muss.

Bei einigen Shows auf unserer Tour im Vereinigten Königreich letztes Jahr haben wir mit einer Gruppe namens Girls Against gearbeitet, die half, das Bewusstsein für respektvolles und sicheres Verhalten in Gig-Umgebungen zu fördern. Ich hoffe, dass in unserer Musik viel zugänglich ist über diese Themen und diese Botschaften.

Es ist gut für junge Mädchen, dieses Bild da draußen zu sehen.

Auf dem Album gibt es musikalisch und textlich so viele verschiedene Schattierungen und Töne von Emotionen und Gefühlen. Es hat sanfte, aufrichtige Momente und dann hat es diese hyper wilden, fast aggressiven Momente. Frauen sind so komplex. Frauen in vielen verschiedenen Rollen auf eine normale Weise dargestellt zu sehen, die Stereotypen durchbricht – ich hoffe, unser Album fängt die Rückeroberung von Identität in diesem Sinne ein. Und hoffentlich Botschaften der Ermächtigung durch das. Sogar mit einem Lied wie „Somebody“, so sehr es eine überwiegend feministische Botschaft ist, denke ich, dass dieses Lied definitiv für Frauen spricht, [und] es ist letztendlich auch eine Botschaft an Männer. Männer müssen dieses Gespräch auch führen. Es ermutigt alle, Geschlecht und die Erwartungen daran zu hinterfragen.

Offensichtlich denkst du, wie die meisten Frauen, schon lange über diese Dinge nach, bevor sie nachrichtenswert wurden. Angesichts all dessen, was in Bezug auf Zustimmung und Sex geschieht, denkst du, dass das jetzt erscheinende Album stärker nachhallen wird?

Im vergangenen Jahr fühlte es sich jedes Mal, wenn wir „Somebody“ spielten, so an, als würde es in dieses größere Gespräch eingreifen. Es gibt definitiv eine Relevanz gerade jetzt. Ich hoffe, dass unser Album Teil dieses Gesprächs sein kann. Ich bin stolz auf die Botschaft, die wir vermittelt haben. Wenn wir diese Lieder live spielen, fühlt es sich definitiv als Teil eines größeren Bildes gerade an.

Es ist cool, wie verschiedene kulturelle Momente zusammenkommen und auf ein größeres Ziel hinarbeiten können.

Es ist interessant, [im] Internet kann man seine eigene Community finden. Es gibt all diese verschiedenen Möglichkeiten, sich mit Politik zu beschäftigen, es ist schwierig, weil wir über Informationen in Bezug auf Nachrichten überfrachtet sind. Der tatsächliche Wandel und die tatsächlichen Stimmen, die sich zusammenschließen, um Veränderungen herbeizuführen, sind so überflutet, dass es die Informationen verwässern kann. Was mit #MeToo interessant ist, ist, dass es fast umgekehrt ist. Die Kraft des Internets verstärkt, dass Stimmen gehört werden. Es sind die Menschen, die auch IRL zusammenkommen. Es ist ein kraftvoller Moment in einer Internet-Community und Jahrgespräch. Es ist dasselbe mit unseren Followern online. Wir engagieren uns mit ihnen und es ist wirklich wichtig, dass wir uns daran erinnern, IRL in Kontakt zu treten. Es gibt diesen größeren Dialog, der vor sich geht, aber es kommt durch ein Gefühl der Gemeinschaft, ob online oder IRL.

Hast du diese Energie unter den Dream Wife-Followern online und bei Shows gespürt?

Nach einem Konzert triffst du Leute und sie sagen: „Dieses Lied ‚Somebody‘ hilft mir gerade wirklich.“ Es lässt sie etwas fühlen, und sie spüren, dass sie kurz vor einer Veränderung stehen. Es geht um eine Energie, die die Menschen bei unseren Shows in sich finden können. Manchmal touren wir auch mit unserer Fotografin-Freundin Meg Lavender, die uns half, den Bad Bitch Club zu gründen, was eine Möglichkeit ist, sich bei Shows zu engagieren und glänzen zu können. Meg wird im Publikum sein, bevor eine Show beginnt und Fotos von den großartigen Leuten machen, die zur Show kommen. [Es gibt] dieses Gefühl, dass man will, dass die Menschen sich so fühlen, als wären sie auf derselben Ebene wie du, was wirklich wichtig ist.

Nach den Shows sprechen wir mit Fans, sprechen mit Freunden, sprechen mit allen zusammen. Ihre Fotos von Meg ablichten zu lassen und sich wie in einem Moment zu fühlen, ist für uns wichtig, um mit unseren Fans zu interagieren, sowie ein Gefühl von Gemeinschaft und Solidarität daraus zu schöpfen. Wir haben dieses Album im Wesentlichen geschrieben, basierend auf dem Schreiben von Songs, im Proberaum zu jammen und sie dann live zu spielen. Und es geht darum, wie die Energie mit dem Publikum ist, wie Menschen auf Dinge reagieren, was die Leute nach dem Konzert fühlen, was die Momente sind, die wirklich mit den Menschen gesprochen haben und das wieder in den Proberaum zurückzubringen und dann zu sehen, was sich richtig anfühlt und was funktioniert. Es ist wichtig, wie wir mit den Menschen interagieren und dass wir dieses Engagement respektieren. Man möchte unterstützend sein und eine Stimme finden, die für uns alle zusammen spricht.