Den charmerende tåbelighed og oprigtighed af Goon Sax

Louis Forster så den japanske gyserfilm fra 1977 House, da han fik en idé. Inspireret af filmens hovedpersoner, som blev opkaldt efter deres primære personlighedstræk - en kvinde, der konstant justerer sin make-up, hedder Gorgeous, en anden, der elsker musik, hedder Melody - gjorde Forster det samme for sine bandmedlemmer James Harrison og Riley Jones, som optræder med ham som The Goon Sax. Forster døbte Harrison som Lazy, Jones som Busy og sig selv som Bendy.

“Jeg synes, James er den mest afslappede fyr,” siger Forster. “James er ikke afslappet, han er James Horizontal Harrison.”

“Jeg er nok lidt doven,” svarer Harrison, hans stemme en sonisk manifestation af et skuldertræk. “Men jeg tror, der er andre i bandet, der gør ligeså tossede ting.”

Siden deres debut i 2016, Up To Anything, har Brisbane indie-pop-meets-post-punk-trioen navigeret mange beskrivelser - “lige så kloge som de er triste,” “selvudleverende men aldrig melankolske,” “charmerende enkle” - selvom “skøre” aldrig synes at lede feltet. The Goon Sax, som blev dannet i 2013 som en duo af Harrison og Forster, der er søn af Robert Forster fra Go-Betweens fame (Jones kom til i 2014 efter kun et par måneder med trommeundervisning), har et talent for at indramme små øjeblikke som endnu mindre. Up To Anything, der blev udgivet, da bandmedlemmerne var 16 og 17 år gamle, beskriver langsomt teenagelivets intimiteter med en depressiv længsel - “Jeg vil have, at folk tænker på mig,” synger Forster på albummets titelnummer.

Selvom de kun er et par år ældre, udforsker The Goon Sax nyt territorium på deres anden album, We’re Not Talking, ude nu: angst. LP'en skifter til tider mellem hektisk, romantisk, vemodig, kløende. På “Love Lost,” et Harrison-ledet nummer med strygere og kastanjetter, beklager han sig, “Jeg har problemer, som jeg ikke ved, hvordan jeg skal håndtere / og jeg har problemer, som jeg ikke vil ses med.” Andetsteds kurrer Jones, “Jeg vil savne tristheden / det er det eneste, jeg nogensinde har kendt” på “Strange Light,” en hyldest til Brisbane og de fejl, der blev begået der.

På We’re Not Talking bidrog alle tre medlemmer af Goon Sax til vokal og instrumentalsammensætning, en afvigelse fra Harrisons og Forsters primære sangskrivning på Up To Anything. Live vil de bytte instrumenter, med Jones, der lejlighedsvis overtager guitaren, og Forster, der hopper på trommerne, hver medlem et hjul i en konstant snurrende maskine, der konstant forbereder sig på kollision.

“Vi forventer det værste hele tiden,” joker Forster.

“Måske styrter flyet ikke lige nu,” svarer Jones, “men der er denne følelse af, at det kan styrte.”

VMP: Hvordan ændrede sangskrivningsdynamikken sig på We’re Not Talking?

Louis Forster: Jeg tror ikke, det var et bevidst valg, at vi ville arbejde anderledes på tingene. Det skete bare sådan, at Riley blev mere komfortabel med at synge. På den første plade skrev jeg et par flere sange end James, og denne gang skriver James mange sange rigtig hurtigt. Vi har alle mere input i hinandens sange.

Hvordan fungerer kritikprocessen, når I redigerer hinandens arbejde?

Riley Jones: Vi kritiserede ikke rigtig hinanden. Jeg tror aldrig, jeg følte behovet for det. Vi var lidt som, “Ja, fedt. Vi har en sang mere. Fedt,” hvilket er heldigt.

LF: Jeg tror ikke, det var, “Jeg kan lide denne sang, men ændr de tekster og fjern denne del, og så er den god.” Jeg tror ikke, den slags nogensinde sker. Det handlede om at have mere input til strukturen for hinandens sange eller mens vi øvede, at tingene ikke var så konkrete med det samme, når vi begyndte at spille en sang, og det ændrede sig meget. Nogle af [sangene] spillede vi i to år, før vi indspillede dem. Over den tid var de nok ret ukendelige fra deres oprindelige tilstand.

Det er altid sjovt at kortlægge visse sanges forløb: Jeg havde denne følelse en gang, nu er det en helt anderledes levende ting.

RJ: Det er mærkeligt, hvordan det hurtigt bliver sin egen ting.

LF: Når du først indspiller det, føler du på en måde, at det holdes i en permanent tilstand, som jeg hader. Nogle gange synes jeg ikke, musik burde blive indspillet, fordi det stadig ændrer sig efter det. Alle sangene ændrer sig stadig for mig, fordi vi spiller dem anderledes, spiller dem hurtigere eller langsommere eller med forskellige mennesker, som synger. At indspille noget giver det næsten en falsk permanent tilstand.

RJ: Men det er bare en plade. Bare en optagelse af, hvordan det lød.

Men nogen kunne trække Spotify op, og det er den eneste sammenhæng, de har for sangene versus nogen, der ser dig spille live meget.

LF: Jeg synes, hvis du spiller det anderledes end optagelsen, virker det som om, du har ændret det.

NPR nævnte noget skarpsindigt, da de skrev, at mange sange mangler oprigtighed, når det kommer til kærlighed. Tror du, I har den oprigtighed? Hvad skal der til for virkelig at være oprigtig i musik?

LF: Jeg synes, det er oprigtigt. Det er sjovt at se tilbage på de sange, nu hvor vi har indspillet dem og skrev dem for et stykke tid siden. Jeg er helt sikker på, at hver eneste ting, vi sagde, er oprigtig og sand. Det er bestemt noget, jeg ikke kan finde fejl i.

Hvad er de øjeblikke, der inspirerer dig til at skrive?

LF: Jeg føler ofte, at jeg ikke nødvendigvis skriver om ting, mens de sker. Jeg skriver altid om ting, der er sket et stykke tid senere. Det er bare hændelser og følelser, der bliver redigeret ned i tekster. Observationer om ting. Der var denne sang, jeg skrev for at prøve at huske, hvor jeg voksede op, før jeg flyttede væk, fordi jeg ønskede at huske det specifikt. Det var næsten et mentalt notat.

Hvilken sang var det?

LF: Nogle dele af “Strange Light.” Riley skrev også mange af de tekster. Det havde oprindeligt en hel del andre tekster, men det var den oprindelige hensigt med disse sange.

Hvor meget spiller tid og sted ind i den måde, du skriver tekster på?

James Harrison: Måske spiller tid og sted en stor rolle, fordi når jeg skriver, sker der noget, og jeg går hjem og måske drikker jeg lidt. Jeg kan godt lide mange Brisbane-bands, og nogle af dem får min musik til at lyde som andre Brisbane-bands.

LF: Jeg synes, denne plade er meget tid og sted for mig. Brisbane i 2015, 2016, tidligt 2017. Jeg tænker meget i forhold til år.

Hvad skete der i jeres liv i Brisbane i 2015?

LF: Jeg gik i 11. klasse, Riley og James ville have været i 12. klasse. Det var en ret følelsesmæssigt forvirrende tid. For mig handlede det om at være forelsket for første gang og være så overvældet af det.

JH: Jeg gik i 12. klasse, og det var forvirrende og lidt hjerteskærende.

LF: For mig handler denne plade meget om angst. Den sidste plade, den første, husker jeg, tænkte jeg, den lød meget deprimeret, og denne lyder mere ængstelig end deprimeret.

I gennemgår alle følelserne.

JH: Jeg tror, ængstelighed er en stor del af det.

LF: Du skal fokusere på en bestemt ting. Lige nu skriver jeg mest om frygt, og når du ændrer disse emner eller disse motivationer, hvilke følelser bliver så til skrivning? Du føler stadig alle de andre ting, men hvilken del af din tænkning går ind i en sang?

Selv den måde, pladen endte med at lyde på, er lidt mere munter. Det oversættes til en mere ængstelig lyd.

RJ: Det er hurtigt, og jeg tænkte bare på rytmer og forsøgte at gøre rytmerne mere interessante på denne. Jeg håber, vores næste plade ikke lyder som angst.

Hvad håber du, at den lyder som?

RJ: Bare lidt mere kosmisk.

JH: At være kosmisk ville være meget bedre.

RJ: Hvem ved, om det er muligt ikke at lave noget som et produkt af negativitet eller angst. Det er måske ikke muligt. Måske er det muligt, men vi kan ikke lide det.

Fordi der er denne opfattelse af, at der fra smerte kommer stor kunst.

RJ: Det kan komme fra tidlige bluesmusikere, der skriver den mest smertefulde, hjerteskærende, smukke musik. Måske skal vi blive mere smertefulde eller noget. Måske er det ikke nok.

JH: Jeg tror ikke, det er nok.

LF: Jeg tror, sange kan komme fra at føle sig rigtig godt tilpas også. Meget god musik kommer fra at føle sig fantastisk. Måske er det mere en idé, der kommer fra smerte, fordi meget af tiden, når folk føler sig rigtig godt tilpas, er de for optagede af det til at ville skrive om det.

Kommer du tættere på klarhed over de ting, du skriver om, ved at skrive?

LF: Til en vis grad. Nogle gange slet ikke. Det gør det næsten mere forvirrende og mere frustrerende, fordi musik og hvad du gør med det er begrænset. Det er svært at forvandle noget til et par lyde og ord.

RJ: Jeg tror, med denne plade troede vi, vi kunne gøre det. For mig virkede det som om, at vi kunne gøre det ved at være så fuldstændig ærlige som muligt. Vi ville høre så meget musik, der ikke føltes ærlig, og værdsatte virkelig, når det gjorde. Jeg ved ikke, om jeg ville have den samme tilgang nu. Bestemt, jeg vil gerne forblive ærlig altid, men jeg vil også gerne være mere legende med det.

LF: Jeg tror, du begynder at indse, bare ved at stave tingene ud præcis, som de skete, vil ikke give folk den følelse, du havde. Det var en mærkelig ting for mig at indse. Du kan ikke kommunikere de ting.