De 10 bedste industrielle albums, du skal eje på vinyl

Throbbing Gristle 20 Jazz Funk Greats

Throbbing Gristle opfandt industriel musik. Faktisk var de de første til at bruge udtrykket - Industrial Records var deres pladeselskab, og sætningen “industrial music for industrial people” blev deres slogan, der startede med 1977’s The Second Annual Report. Selvom betydningen af “industriel” i starten ikke var så veldefineret. De dannede sig som COUM Transmissions i Storbritannien i midten af 70’erne, Genesis P. Orridge, Chris Carter, Cosey Fanni Tutti og Peter “Sleazy” Christopherson tog til sidst navnet Throbbing Gristle, og udførte konfrontatoriske liveoptrædener med pornografiske eller voldelige billeder, mens de skabte kakofonisk musik, ofte med spoken word-akkorder, der i sidste ende førte til mesterværker af rædsel som 1978’s “Hamburger Lady.”

Deres største bedrift var 1979’s 20 Jazz Funk Greats, et album der repræsenterer Throbbing Gristle på deres mest musikalske - selvom det er et relativt udtryk. Albumcoveret viser bandet, der ser glade ud ved Beachy Head, et berygtet selvmordsted i Storbritannien, en form for lokke- og skiftebevægelser, der skulle provokere uvidende lyttere, der bladrer gennem pladebutikernes kasser. Men mens dette album er hårdført, er det også rytmisk og ofte tilgængeligt i dele, og tilbyder deres fortolkninger af exotica, dub og minimal synth-punk i stil med Suicide. Det indeholder også “Hot on the Heels of Love,” deres mest ligefremme disco nummer, som frit låner fra Giorgio Moroders tricks. Der er øjeblikke af relativ ro, endda hooks, men hvert nummer føles usikkert og ubehageligt, hvert øjebliks melodi eksisterer for at skabe en falsk følelse af komfort - kun for bandet at grabbe det væk et øjeblik senere.

Killing Joke: Killing Joke

London post-punk gruppe Killing Joke ændrede måske ikke helt til industriel metal før de tidlige 90’ere, da de udgav Extremities, Dirt and Various Repressed Emotions. Men fundamentet for de utrættelige, knusende hymner ligger i det hårde punk rock stomp fra deres selvbetitlede debutalbum. Albummet - som er helt lavet med en traditionel guitar, bas, trommer lineup - er fyldt med kolde, metalagtige lyde og ætsende effekter. Den synth der introducerer “Requiem” er noget som en primitiv skabelon for de bearbejdede, sekvenserede lyde som Ministry og Nine Inch Nails senere ville adoptere, mens Jaz Colemans desorienterende og forvrængede vokal effekt i “Wardance” giver sangen en slags bizar rædsel, der kan spores tilbage til tidligere industriel. Når det kommer til industriel, er Killing Jokes debut mere vigtig for at lægge fundamentet end at se lyden helt realiseret, men det er et essentielt manglende led.

Nurse With Wound: Homotopy to Marie

Stephen Stapleton er ikke kun en vigtig figur i eksperimentel musik, men også en meget produktiv en. Hans katalog indeholder mere end 60 studioalbums, samt en lang liste over samarbejder med kunstnere inden for industriel musik (Current 93), prototyper af genren (Faust) og dem der er helt uden for det (Stereolab). Hans mesterværk, Homotopy to Marie, kom relativt tidligt i hans karriere, og er en 50-minutters lydcollage der kobler performance art æstetikken fra Throbbing Gristle’s avantgardisme med en endnu mere absurd, surrealistisk sensibilitet. Der er meget få øjeblikke på Homotopy to Marie der ligner faktiske melodier, og de øjeblikke kommer ofte efter at lytteren er blevet ført gennem skræmmende labyrinter af klirrende cymbaler, fundet dialog, knirkende døre, gøende hunde og forskellige andre lyde der bliver mest foruroligende når lyset er slukket og alt andet er uhyggeligt stille. At så meget af albummet er tomt rum tjener kun til at gøre lydene på Stapleton’s båndsløjfer endnu mere skræmmende. Selvom senere industrielle kunstnere ville lave rytmiske mønstre af sådanne hårde lyde og effekter, fandt Stapleton sin kunstneriske styrke i en forvrænget symfoni af kaos.

Cabaret Voltaire: 2x45

Sheffields Cabaret Voltaire begyndte meget ligesom Throbbing Gristle, gennem performance art fremvisninger kombineret med bånd-loop eksperimenter. Men bandet - opkaldt efter en klub i Zürich, der var centrum for Dadaistbevægelserne i det tidlige 20. århundrede - udviklede sig gennem forskellige faser af deres karriere, og gjorde et tidligt indtryk med synth-punk singler som “Nag Nag Nag” før de inkorporerede mørkere, hårdere lyde der mere hverv er i stil med den intense tilgang som vi nu kender som “industriel.” Deres fjerde album 2x45, udgivet efter deres hårdere tidlige plader og det mere dansevenlige materiale fra deres elektroniske kropmusik (EBM) periode, er Cabaret Voltaires mest vildt kreative udgivelse, og blander danse punk, no wave og elektronisk tung militarisme fra tidlig industriel. Det er et af deres mest sjove albums, drevet af grooves fra højdepunkter som åbningsnummeret “Breathe Deep” og “Protection,” men det er også blandt deres mest mærkelige og uhyggelige optagelser. De forvrængede vokaler og den kaotiske densitet i “War of Nerves” kommer lidt over som funky Godflesh. Det er blandt bandets mere tilgængelige albums, trods de nogle gange hårde elementer, og sigende nok var det det første til at lande på den britiske albumliste.

Einstürzende Neubauten: Halber Mensch

Einstürzende Neubautens navn oversættes til “collapsing new buildings,” hvilket i bund og grund opsummerer den tyske bands ethos. De tog ideen om industriel til sin bogstavelige ekstrem, og skabte lyde fra metaldel og hardware, de hårde lyde, de lavede, var ofte mere i tråd med musique concrete end faktisk sangskrivning. Halber Mensch (oversættelse: halv mand) repræsenterede et gennembrud for bandet, da deres kompositioner blev langt mere musikalske, endda mere menneskelige, hvis de stadig var ret skræmmende. Titelsangen er for eksempel et korstykke, men det er materiale af mareridt - en septet af stemmer, der synger som om de er engagerede i et kult ritual. “Yü-Gung”, uanset hvor abrasiv den måtte være, drives stadig af en stabil 4/4 beat og Blixa Bargelds rytmiske vokal growls. Der er endda en underlig skønhed i højdepunkterne “Seele Brennt” og “Sensucht.” I de kommende år ville gruppen adoptere mere konventionelle melodier, deres videoer optrådte endda en eller to gange på MTV’s 120 Minutes, men intet album så glidende flettede kakofonien af deres skrotmetal instrumentering med ægte sange som dette.

Foetus: Nail

J.G. Thirlwell har samlet næsten lige så mange aliaser som han har indspilninger gennem årene - You’ve Got Foetus On Your Breath, Scraping Foetus Off the Wheel, Steroid Maximus og Clint Ruin, for at nævne et par stykker. Men udviklingen af hans mange monikere taler til den konstante kreativitet fra den australske musikalske gale videnskabsmand. Nail, hans fjerde studioalbum som Foetus (Scraping Foetus Off the Wheel, for dem der holder styr), er på én gang hans mest tilgængelige og mest grænseløse kreative musik. En fusion af industriellens klirrende, metallyde med blues, jazz, post-punk og endda musicals, føles albummet til tider som Raymond Scotts tegnefilmscores udført af onde robotter.

Thirlwells referencer er mange og varierede, der låner fra Shakespeare på punk-blues stomp “Throne of Agony,” mens “Enter the Exterminator” inkorporerer elementer af Griegs “In the Hall of the Mountain King” og “DI-1-9026” nikker til Timothy Leary. Ved albummet når til det afsluttende nummer “Anything (Viva!)”, hvin Thirlwell, “Jeg kan gøre hvad som helst, jeg vil!” I sandhed.

Coil: Horse Rotorvator

Coveret af Coils Horse Rotorvator, et enkelt men uhyggeligt billede af en tom pavillon med skygger der strækker sig over et tomt felt, er præglet med en kort fortælling om en “immens jordflyttende enhed” konstrueret af underkæberne fra de fire ryttere af Apokalypsen. Det er en god indikation af de slags dystopiske rædsler, der venter lytteren på albummet. Hvor en kunstner som Nurse With Wound er skræmmende på grund af total uforståelighed af hvad der foregår, skaber Coil en lignende slags rædsel fra noget meget mere tilgængeligt, endda smukt. John Balance, Stephen Thrower og tidligere Throbbing Gristle medlem Peter Christopherson finder skønhed i depravity og omvendt, og viser en gribende blød side på balladen “Ostia (The Death of Pasolini),” en proto-neofolk klagesang om det brutale mord på filminstruktør Pier Paolo Pasolini i 1975. Der er også den straffende militante stomp af EBM på “Penetralia” og blod-kuldegivende atonalitet i “Blood From the Air.” En velkendt stemme for new wave-lyttere optræder også på death-blues stykket “Slur,” nemlig Soft Cells Marc Almond, krediteret under navnet Raoul Revere. Faktisk havde Coil blot to år tidligere lavet deres egen coverversion af “Tainted Love,” som Soft Cell gjorde berømt, med Almond der optræder i videoen symboliserende Dødsenglen.

Ministry: The Land of Rape and Honey

Ministrys tidlige år blev brugt på at kaste stort set alt mod væggen og se hvad der klæbede (synth-pop, new romantic, goth rock), og de seneste par årtier har set dem falde til ro i politisk, punchline-tung industriel metal. Men i midten af 80’erne, Al Jourgensen og selskab ramte deres rutine, og skabte i bund og grund skabelonen for industriel rock. Hvor industriel historisk har haft én fod i kunstverdenen og den anden på dansegulvet, har Ministry længe foretrukket det sidste, deres sample-tunge lyde skaber en kollision af elektroniske beats og tunge metalguitarer.

The Land of Rape and Honey er ikke på nogen måde deres mest strømlinede album, men det er nemt deres bedste, en kreativ eksplosion af mørkt atmosfærisk truende og ren volumen. Med “Stigmata” skabte de en klubhymne der kan konkurrere med deres tidligere, kitscherede single “Every Day Is Halloween,” mens “The Missing” fandt dem der skubbede længere ind i metalæstetiske og “Golden Dawn” fremkaldte en apokalyptisk, cinematisk atmosfære der vækker billeder af sammenstyrtede bygninger og røgskyer. Selvom Ministry er langt fra den mest seriøse band i industriens historie, var de de første til at mestre det som en storstilet, mainstream-venlig produktion.

Godflesh: Streetcleaner

Justin Broadrick var kun 19 år gammel da han lavede sit banebrydende industri-metal debut med Godflesh, 1989’s Streetcleaner. Det er et bemærkelsesværdigt faktum, da det ikke lyder som værket fra en knap voksen - det er den slags lyd, man ville forvente at høre fra ondskabsfulde, udødelige væsener, der lever under jordens overflade. Hvor rødderne af industri-metal primært kom fra kunstnere der udviklede sig fra industriens tidlige post-punk rødder - såsom Killing Joke eller Ministry - var Godflesh’s personale allerede nogenlunde etableret mere i metal i sig selv, med Broadrick der kort spillede i Napalm Death før han sænkede tempoet og rekrutterede en trommemaskine. Streetcleaner er som følge heraf, ikke blot et dansealbum - det er en hård serie af pitch-shifted primitive skrig, knusende guitarriffs og Roland bas-dub. Det er lyden af en særligt sadistisk dystopi.

Nine Inch Nails: The Downward Spiral

For den store del af de banebrydende industrielle handlinger, var mainstream accept ikke meget af en faktor, og i tilfælde af Throbbing Gristle, var crossover succes en idé der gik helt imod deres provokerende sans for det. Men for Trent Reznor, en kunstner der faktisk samarbejdede med medlemmer af Throbbing Gristle, var pop og industriel ikke modsætninger. Rolling Stone beskrev Nine Inch Nails debut Pretty Hate Machine som “det første singer/songwriter industriel album,” og med dets 1994 efterfølger, The Downward Spiral, brugte Reznor den tidlige blueprint til at bygge et sammenhængende, konceptuelt art-rock album ved hjælp af industriens værktøjer til at skabe sin widescreen lyd.

Ved dets udgivelse var The Downward Spiral et uden fortilfælde gennembrud for industriel musik, der viste både de maniske ekstremer af sample-baseret industri metal (“March of the Pigs”) såvel som dens mest introspektive og ødelæggende ballader (“Hurt”). Til tider minder albummet endda om en robotisk enhed der marcherede gennem skyder af gnister, som på den rasende “Reptile.” Det er et mesterværk i produktion, en der gjorde ideen om industriel musik universelt anerkendt, takket være den ubarmhjertige hit sex jam, “Closer.” Det faktum at Maxwell coverede nummeret på MTV’s Unplugged bare et par år senere markerede et noget surrealistisk øjeblik hvor grænsen mellem en engang støjfyldt undergrundskultur og Top 40 endelig var blevet udvisket.