De 10 bedste Charles Mingus-albummer, du skal eje på vinyl

Oprindeligt studerede trombone og cello, var Mingus en multi-instrumentalist, der skiftede til kontrabass, som til sidst blev hans musikalske motiv. Mingus blev bredt anerkendt som et fænomen på kontrabassen og turnerede efterhånden med Louis Armstrong, Lionel Hampton og Duke Ellington, før han skabte sine egne kompositioner og ledede sine egne bands.

Mingus personificerede hårdt arbejde og selvudvikling, hvilket resulterede i et værk med over 250 udgivelser. Han hældte sit hjerte og sin sjæl ind i sit håndværk og skabte en varieret og sublim liste af udgivelser. Mingus’ bagkatalog er en boblende rejse. Det er vildt, uforudsigeligt, ustabilt, fjendtligt og strålende fantasifuldt. Det er alt, hvad man kunne forvente fra en mand som Charles Mingus.

Pithecanthropus Erectus (1956)

Dette album er lige så innovativt som det er modigt. “Pithecanthropus Erectus” var et konceptstykke, hvor Mingus afslørede, at det var et tone digt. Digtet dikterede rejsen for en hominid mands evolution fra abe til oprejst mand, kun for den hominide mand at selv-destrurere som en konsekvens af menneskets natur.

Mingus skabte også den utrolig charmerende “A Foggy Day (In San Francisco),” hvor han maler billedet af netop det, med musik. Fløjter klinger, biler horn og sirener ringer, hvilket skaber et malerisk billede af en tåget dag i San Francisco. I 1956 var dette simpelthen uhørt. Mingus var dristig, eventyrlysten og modig for at forsøge sådan en ting. Skønheden ved nummeret er, at det ikke er en kliché, og det virker heller ikke kedeligt. Du bliver virkelig transporteret til en anden tid og sted.

Det var under dette album, at Mingus virkelig eksperimenterede med den måde, han komponerede og skabte musik på. Han rapporterede at have skabt soloer og kompositioner til sine musikere baseret på deres personligheder og ikke deres evner. Som en komponist, der traditionelt ville diktere dele ved at skrive dem ned på note papir, valgte Mingus at skrotte denne form for komposition og i stedet diktere delene efter øret og lade musikere udtrykke sig frit.

Dette album ville vise, at han var en grundlægger af improviseret jazz, der åbnede dørene for mange musikere og opfordrede dem til at skabe musik, der trodsede konventionel musikalitet. Pithecanthropus Erectus lagde musikalske fundamenter, der ville påvirke genren for altid.

The Clown (1957)

The Clown er et album, der fortsatte med Mingus’ improviserede form. Ikke desto mindre er det prangende og har en så dristig identitet. Det var under dette album, at Mingus gør sit krav som en af de største kontrabassister og komponister omkring.

Hans solo under “Blue Clee” er bare vidunderlig. Det føles bluesy, lyder råt og er straks fortryllende. Mingus kræver, at du lytter, at du tager notater og at du nyder. Mingus spiller med smitsom selvsikkerhed. Hans evne til at ændre dynamikken i både sit instrument og sit band er uden mage.

Dette demonstreres endnu engang på “Haitian Fight Song.” I et stykke tid spiller Mingus alene. Der er en dyster følelse over hans solo. Der er et punkt, hvor musikken føles uden retning, indtil bandet kommer tilbage ind i sangen, så indser du, at Mingus vidste, hvor han var på vej hele tiden.

“Reincarnation of a Love Bird” var en sang, der ikke oprindeligt blev komponeret til minde om Charlie Parker, men efter en periode med at fremstille sangen, kom Mingus til at indse, at sangen “var Charlie.” Ligesom Charlie Parker er melodien en løs, tilfældig og ofte foruroligende komposition. Noterne svajer fra flad til skarp, tempoet ændres fra hurtigt til sløvt. Det er selvsikkert, derefter forvirret. Hvad angår metaforer, vil du ikke komme tættere på Charlie Parker.

Title track “The Clown” er banebrydende. Fyldt med sarkastisk subtekst får den semi-improviserede sang dig til at føle dig urolig fra starten. Sangen fortælles af Jean Shepherd, som diskuterer en klovn og hans ønske om kærlighed og accept. Selv når klovnen lykkes med at få folk til at grine, føler han sig stadig nedgjort. Selvom Mingus havde succes som musiker, følte han altid, at det måske ikke var på hans vilkår. Mingus var en plagede individ, der ofte følte sig kontrolleret af de begrænsninger og barrierer, der blev skabt af race, klasse og pladeselskaber. Selv når han havde succes, var Mingus ikke nødvendigvis glad. “The Clown” er en sang, der vil give dig den dybeste og mest dystre indsigt i Mingus’ psyke.

Mingus Ah Um (1959)

Mingus Ah Um er et vidunderligt album. Selvom det er almindeligt i denne tid, lavede Mingus hårde politiske udsagn om race og segregation i 1959, som meget få turde at lave. “Fables of Faubus” var et direkte angreb på guvernøren i Arkansas og hans modstand mod integrationen af ni afroamerikanske studerende i Little Rock Central High School. Mingus var katatonisk dristig for at lave sådan en udtalelse, men bekymrede sig simpelthen ikke om samfundsnormer, som han mente styrede konteksten for sin musik. Faktisk havde disse regler den modsatte effekt, og Mingus ville ofte kanalisere sit misforhold ind i sin musik, som ses i “Fables of Faubus.” Melodien føles næsten munter, måske endda komisk, hvilket skaber en ironisk og næsten cirkuslignende melodi for at gøre nar af guvernøren i Arkansas. Det er en glædelig udstilling af intelligent fjendtlighed.

“Goodbye Pork Pie Hat” var en hyldest til den afdøde Lester Young og er et langsomt og dyster nummer, der endnu engang viser genialiteten af Mingus, når han står bag sin kontrabas. Det er et luksuriøst musiktilbud. Det er harmonisk, blidt og blødt. “Pussy Cat Dues” er af samme slags, og tilbyder en elegant og boozy vibe, mens den cool musik svæver frit.

Mingus Ah Um er et album, der værdsættes for sin konsekvens og personlighed. Mens musikstilen varierer betydeligt, er albummet fyldigt og du efterlades tilfreds ved slutningen af hver sang. Lyt fra start til slut; du fortjener det.

Presents Charles Mingus (1960)

Mingus udgav dette album på det berygtede Candid-pladeselskab, som gav ham mere kreativ kontrol end tidligere pladeselskaber kunne tilbyde. Som følge heraf fik Mingus lov til at indspille vokaler på den førnævnte “Fables of Faubus,” som blev genindspillet og omdøbt til “Original Faubus Fables.” Columbia Records nægtede at udgive den originale sang med tekster, da de var så indlysende fjendtlige, at Columbia anså dem for at være for antagonistiske til, at landet kunne associeres med det. Under den nye indspilning af denne sang synger Mingus og hans band, at guvernør Faubus er en “fjols,” en “nazi” og er “syg.” Sådanne hæderværdige handlinger blev sjældent vidner til i de skarpe lys af populærkultur. Sangen i sig selv er et mesterværk af skiftende rytmer, skiftende soloer og glatte musikalske teksturer. Det er et nedtonet nummer med en semi-improviseret følelse. John Handi og Shafi Hadi skiftes til at indflette nummeret med luksuriøse tenor saxofon soloer, før musikken stopper og Mingus holder domstol på sin kontrabas. Han spiller ivrigt, glidende op og ned ad sin gribebræt med voldsom hensigt. Aggressionen og hån er antagonistisk, hvilket er en fryd at overvære.

Den glæde, der kan opnås fra Presents Charles Mingus, er den førnævnte kreative kontrol. “What Love” er arbejdet af det fantastiske kvartet med Mingus, Eric Dolphy, Ted Curson og Dannie Richmond. Den transcenderende musikalske dygtighed er provokeret af den frihed, de får af Mingus. Mingus førte bandet med sin kontrabas og sagde, at de var frie til at skabe den musik, de ønskede, men måtte tilpasse sig, hvad han spillede på sin kontrabas, både rytmisk og tonalt. Hver musiker tager det i tur og improviserer en solo, hvilket skaber en uforlignelig komposition. Af alle Mingus’ værker er dette et fremragende stykke unik improvisation. Albummet som helhed er et kreativt mesterværk.

Blues and Roots (1960)

Blues and Roots er et hårdtslående, bragende album. Med rødder i blues, gospel og soulmusik, sagde Mingus i de lineære noter, at han skabte dette album for at konfrontere kritikere på ideen om, at han ikke svang nok. Da Charles Mingus blev presset ind i et hjørne, kom han ofte ud med klarhed. Med Blues and Roots var dette bogstaveligt talt tilfældet.

Unødvendigt at sige, at Mingus gør sin pointe fra første til sidste tone. Blues and Roots svænger hårdt og drypper af sjæl. “Wednesday Night Prayer Meeting” er rå blues i sin bedste form. Bandet svænger i fuld kraft hele vejen igennem, med Horace Parlan, der klirrer på klaveret med imponerende autoritet. Bandet skiftes til at skrige blues, lyder friskt og forfinede, men stadig nedtonet og unikt.

Pepper Adams er især produktiv på dette album, med sin barytonsaxofon, der tilføjer en jordnær følelse til brass, der får bluesen til at træde tydeligere frem i musikken. Dette er især fremtrædende under “Cryin’ Blues.” Pepper Adams giver et rygrad for bandet, der slår igennem med en dyb og basfyldt barytonsaxofon riff. Tenorerne Jackie McLean og John Handy forbinder sig imponerende med Pepper Adams og forener sig for at skabe tumult.

Det er svært at adskille hvert nummer og vælge, hvorfor det er fremragende. Blues and Roots er en rejse, så gå med det og nyd turen.

Oh Yeah (1962)

Oh Yeah indeholder det, der kunne betragtes som en all-star brass gruppe. Cocktailen af Booker Ervin og Roland Kirk er fænomenal, og lytteren har svært ved at finde en bedre brass blanding end dette.

“Devil Woman” er en cocktail rystet med ovenstående brass sektion, som skaber et blødt og jordnært jam, der er blues og post-bop i lige mål. Det er et fristende nummer, med Mingus i front, denne gang på klaveret. Tasterne falder som regndråber, mens de bliver suppleret af verdens bedste brass kombination. Roland Kirk og Booker Ervin tilbyder senere individuelle soloer, der smelter i munden. Soloerne er bløde og hver tone spillet perfekt. Mindre er mere, eller således siger de.

Når du har det rart og afslappet, ændres tempoet med “Wham Bam Thank You Ma’am.” Dette er en hard bop i sin bedste form. Bandet slår en hurtig takt ned, ledet af en animeret Mingus, der råber igennem nummeret. Roland Kirk dræber igen en rasende solo, mens han bliver opmuntret af Mingus. “Yeah, Roland!” råber han. Du kan ikke undgå at gøre det samme. Det får dig virkelig i gang.

Det samme kan siges for “Eat That Chicken.” Denne melodi er endnu en glad bop klassiker. Du kan ikke undgå at nikke med hovedet og jive omkring, hvad du måtte lave på det tidspunkt.

Tijuana Moods (1962)

Tijuana Moods er den ordbogsdefinition af organiseret kaos. Albummet indeholder “Ysabels Table Dance,” og lad det blive sagt, at aldrig har en sang haft et mere perfekt titel. Tempoet på denne titel får hovedet til at snurre. Oprindeligt bryder “Ysabels Table Dance” ud i kaos, kun for at nedsætte tempoet for at give plads til en overdådig Curtis Porter solo. Som om det kom ud af ingenting, stiger tempoet igen, og kaos følger. Ysabel Morel på kastanjetterne fortjener en omtale, da hendes kastanjetter er et særligt højdepunkt under denne sang. Den græshoppe-lignende lyd af kastanjetterne springer frem i forgrunden af anarkiet med deres engagerende og uerstattelige unikke lyd. Vær advaret, denne musik kan opmuntre dig til også at deltage i en borddans af din egen.

Skønheden ved dette album er metamorfosen fra kaos til uberørt, fra et slagsmål til et kys. Måske personificerer dette Mingus’ bipolare diagnose perfekt. “Flamingo” er afslutningsnummeret och er en sød, vag afslutter. Bill Triglia arbejder på klaveret, mens Clarence Shaw klager på sin trumpet. Duoen supplerer hinandens spillestil, hvilket skaber en fløjlsblød atmosfære, der er livsgivende. Det er en uovertruffen afslutning på et album. Det er en kaffe efter et stort måltid; det er en cigaret efter sex.

The Black Saint and the Sinner Lady (1963)

Ligesom Mingus Ah Um, blev The Black Saint and the Sinner Lady mødt med respekt. The Black Saint and the Sinner Lady er et stridigt og tumultarisk kunstværk. Det kan argumenteres for, at dette storbandalbum falder ind under avantgardens rammer, mens det forbliver tro mod trækene for et traditionelt storbandalbum.

Mingus indspillede dette album med et omfattende udvalg af begavede musikere, herunder Booker Ervin på tenorsaxofon, og arrangementerne blev skabt af den berygtede Bob Hammer. At danne et forhold til Hammer var uvurderligt for Mingus’ personlige musikalske udvikling. Han ville senere omtale Hammer som sin “Beethoven.”

Et fremtrædende nummer ville være “Group Dancers.” Jaki Byard lagt grundlaget for denne sang med delikat, blid klaverspil. Det starter blødt, med Byard, der dikterer tempoet på nummeret med autoritet. Efter øjeblikke, der føles som om man driver, ændres tempoet drastisk, og brassene trænger ind i musikken som en tyr i en kinesisk butik, der smadrer alt i sigte. På et splitsekund dæmper kaoset, og Jaki Byard bringer os tilbage til jorden, fejer op det rod, der blev lavet. Det er fantastisk.

De sidste tre numre af dette album er samlet i én bevægelse og løber i 17 minutter. De kaldes “Trio and Group Dancers,” “Single Solo’s and Group Dance” og “Group and Solo Dance.” De tre numre er et stormfuldt miks, der ofte henfaldet til kaos, med brass, der flyver rundt til højre og venstre. Det store band forener sig til at skabe en kæmpe svingende lyd, der får dine fødder til at trampe. Bandet når en fantastisk crescendo, der fungerer i lynhurtigt tempo, som du knap kan tappe med til. Før du ved af det, bremser bandet helt ned. The Black Saint and The Sinner Lady kan være udmattende, men alligevel opkvikkende.

Mingus Mingus Mingus Mingus Mingus (1963)

Igen slår Mingus sig sammen med Bob Hammer og tilbyder et noget nedtonet, storslået post-bop album. Selvom et storband er med på dette album, føles Mingus Mingus Mingus Mingus Mingus råere end tidligere indspilninger.

“II B.S” viser Mingus’ kraftfulde kontrabas spil. Han river i sine kontrabas strenge og lægger en solid baslinje for bandet, der springer ind og ud, når Mingus tillader det. Mingus er i fuldstændig kontrol, med denne melodi, der udstiller alle hans bombastiske evner. “Better Get Hit in Yo’ Soul” er skåret af samme stof og indeholder den overjordiske Eric Dolphy, som fører en brass sektion, der tager flugten gennem dette nummer. Soloerne er lyse og boblende, med bandet, der viser en synergi og selvsikkerhed, der kun kunne blive dyrket af musikere ledet af Hammer og Mingus.

“Theme for Lester Young” er en langsom, somnambulant melodi. Det er elementært og fyldt med karakter. Fra første tone til den sidste, føler du dig transporteret. Når det begynder, bliver du straks transporteret til en røget New York bar, og du får en drink med den kære afdøde Lester selv. Det var en sang lavet til minde om Lester Young, som han ville have elsket.

Mingus Mingus Mingus Mingus Mingus bliver ofte overset, men det bør det ikke være. Det er et selvsikkert, velafbalanceret post-bop album, der er værd at din opmærksomhed.

Let My Children Hear Music (1972)

Let My Children Hear Music er et fint stykke orkestrering, og hvad Mingus anså for at være det “bedste album”, han nogensinde havde lavet. Under dette album syntetiserede Mingus med komponister og transcribere Sy Johnson, Alan Raph og Hub Miller. De hjalp med at hjælpe Mingus med at skabe en vandtæt komposition, der lettede noget af presset, der tidligere havde forårsaget, at Mingus fik et sammenbrud og en efterfølgende pause fra musikken.

Som følge heraf var Let My Children Hear Music et album, der tog en anden tilgang til andre Mingus-album. Selvom Mingus var i kontrol over hovedparten af musikken, var der mere delegation involveret under denne indspilning og følgelig input fra andre personer. Selvom den musik, der blev skabt, ikke var iboende ny for Mingus, tilbød postproduktions teknikkerne, håndteret af Teo Macero, lytterne et Mingus-album produceret med nye teknikker og ideer. Teo Macero brugte dygtigt en cocktail af overdubs, lydeffekter og eksisterende samples til at skabe en følelse, der var dyb, brassende og fræk.

“The Chill of Death” er sublim, føles mere som en filmmusik til en gyserfilm end den klassisk dannede bop melodi, man ville forvente. Strygersektionen er hjemsøgt, med Mingus, der reciterer et digt over disse strenge, der giver dig kuldegysninger.

“Hobo Ho” er et magnetisk stykke bop. Bobby Jones giver virkelig et ordentligt lamar på sin tenor saxofon, mens Joe Wilder og Lonnie Hillyer kæmper tilbage med vilde trumpet soloer over et 10-minutters nummer, der føles som brass musikere i en musikalsk bar kamp. Orkestreringen på dette album er virkelig så god, og du føler, at støtten fra et så stort og impermeabelt orkester giver solisten en selvsikkerhed, der eksemplificerer deres færdigheder.